Das Tschechische Nonett ist eines der ältesten Kammerensembles weltweit. Gegründet wurde es im Jahre 1924 von Schülern des Prager Konservatoriums und wurde innerhalb von kurzer Zeit zu einem bedeutenden Klangkörper mit klassischem Repertoire und in vielerlei Hinsicht bahnbrechend für neue Musik. Das Tschechische Nonett hat durch seine Interpretationen und der originellen Instrumentalbesetzung viele bekannte zeitgenössische Komponisten zu neuen Kompositionen inspiriert, genannt seien an dieser Stelle Prokofjew, Lutosławski, Martinů.

Die spezifische Instrumentalbesetzung (Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass und Blaserquintett) bietet eine fast unerschöpfliche Skala an Farbkombinationen mit dem vollen Klang eines Kammerorchesters. Dadurch ist es möglich, Kompositionen vom Barock bis zur Gegenwart ins Repertoire aufzunehmen, welches besonders breit und vielfältig ist.
Das Tschechische Nonett stellte sich bereits auf zahlreichen internationalen Musikfestivals vor: den Salzburger Festspielen, Edinburgh International Festival, Montreux, Schleswig-Holstein Musik Festival, den Festivals La Folle journée de Nantes, Festival de Música de Canarias, Prager Frühling und anderen.
Es absolvierte viele Konzerttourneen durch europäische Länder (Deutschland, Österreich, Großbritannien, Holland, Spanien, Italien, Frankreich), weiter durch Länder Nord- und Südamerikas, Japan und Afrika und trat ebenfalls auf bedeutenden internationalen Konzertbühnen auf: Wiener Musikverein, Montreaux Auditorium Strawinski, München Herkulessaal, Auditorio de Zaragoza, Lyon Auditorium, Washington Library of Congress, Playhouse Vancouver, Dvorak-Saal des Prager Rudolfinums usw.
Die umfangreiche Diskographie des Tschechischen Nonetts umfasst fünfundvierzig Langspielplatten und CD’s der Firmen Supraphon, Panton und Harmonia Mundi. Für die Aufnahmen für die französische Edition Praga Digital’s mit dem internationalen Vertriebsnetz Harmonia Mundi, mit dem das Tschechische Nonett im Jahre 1995 einen Exklusivertrag abgeschlossen hat, erhielt das Ensemble eine ganze Reihe wichtiger Preise. Die Aufnahme des Nonetts mit Werken von Bohuslav Martinů erhielt 1996 von der bekannten Rezensionszeitschrift Répertoire höchste Ehren – den Preis 10 du Répertoire, und im Jahre 2003 gewannen die Aufnahmen Beethovenscher Kompositionen den Preis Choc du Monde de la Musique. Für Praga Digital’s hat das Tschechische Nonett auch Kompositionen von Brahms, Mozart, Roussel, Prokofjew, Spohr, Dvorak u. a. eingespielt.

Louis Spohr (1784 – 1859)
Grand Nonett op. 31
Allegro Scherzo. Allegro – Trio I / II Adagio Finale. Vivace

– Pause –

Antonín Dvořák (1841 – 1904)
Serenade D Moll op. 44
Moderato, quasi marcia Minuetto. Tempo di minuetto – Trio. Presto Andante con moto Finale. Allegro molto

Der in Braunschweig geborene Geigenvirtuose Louis Spohr zählt zu jenen Komponisten des 19. Jahrhunderts, deren Ruhm heute verblasst ist. Seine Kammermusik und Opern, die die frühe Romantik prägten, werden heute kaum noch aufgeführt. Dabei wurden seine Werke damals häufig mit großem Erfolg gespielt. Der fast zwei Meter große, hühnenhafte Geiger war der deutsche Antipode Paganinis, der ihn respektvoll den „vorzüglichsten Sänger“ auf seinem Instrument nannte. Als Dirigent war Spohr einer der ersten, die sich mit dem Taktstock vor das Orchester stellten. Er war Opernkapellmeister am Theater an der Wien, in Frankfurt und in Kassel, wo er für mehr als 30 Jahre wirkte. Der Komponist gehörte zu einer Generation, die noch stark von Haydn und Mozart geprägt war und von diesen ausgehend allmählich zu einem neuen Stil gelangte.

Im Nonett gibt es mehr als einen Hinweis auf diese Tradition. Wenig originell sind seine Themen, neuartig und auch heute noch faszinierend dagegen seine Harmonik und Klangfarben. Der Beginn des Adagios in tiefer Streicherlage verweist auf ähnliche Anfänge bei Schubert, Mendelssohn und Brahms. Hier fand Spohr zu einem neuen Ton, den auch nachfolgende Romantiker aufgriffen. Unumstritten ist auch die satztechnische Meisterschaft seines Werks, das bis heute als das Nonett schlechthin gilt. Jedes Instrument ist solistisch und zugleich als Stimme im Ensemble behandelt.

Die Serenade d-moll op. 44 von Antonin Dvorák, original besetzt für 10 Bläser, Violoncello und Kontrabass, wurde 1878 geschrieben und am 17. November uraufgeführt. Es ist das zweite Werk des Komponisten innerhalb dieser Gattung. Bereits 1875 entstand die ‚Serenade E-Dur op. 22‘ für Streichorchester. Auch hier mag das klassische Vorbild Mozarts und der damit zusammenhängenden ‚Serenaden-Tradition‘ als Vorbild gedient haben, in Opus 44 gibt es erstaunliche Parallelen im Sinne von Reminiszenzen, die Dvorák mit äußerstem handwerklichem Geschick und beeindruckender Stilsicherheit in ein neues klangliches Gewand überträgt: „eine souveräne Stilisierung ‚im klassischen Stil‘. Tschechische Volkstöne hauchen dem Menuett und Andante neues Leben ein, während die Themen so berstend komisch oder sentimental gefühlig charakterisiert sind, dass eine Art Musik ‚über die Wiener Klassik‘ entsteht.“ (Kammermusikführer der Villa Musica RLP).

Das renommierte Blockflötenquartett steht seit über 29 Jahren für brilliantes Zusammenspiel auf höchstem technischen Niveau, gepaart mit Temperament, Charme und Witz.

So souverän, wie sich die vier Musikerinnen auf internationalem Parkett bewegen, so innovativ sind sie auch bei der Entdeckung neuer genreübergreifender Literatur. Mit großem Stilgefühl und Phantasie arrangieren sie Werke aller Epochen für ihre Besetzung, die nicht nur mit mehr als 40 Blockflöten verschiedenster Größe und Bauart aufwartet, sondern auch mit der viel gelobten Sopranstimme von Ursula Thelen eine weitere Facette erklingen lässt. Seien es feurige mittelalterliche Spielmannstänze, virtuose Barockkonzerte, wehmütige türkische Volkslieder oder aber ein dramatisches Chanson von Kurt Weill, Flautando Köln überrascht seine Zuhörer immer wieder mit nie Dagewesenem und begeistert Publikum wie Kritiker gleichermaßen. Charmante Moderationen machen die umjubelten Konzerte darüber hinaus zu einem stimmungsvollen und mitreißenden Gesamterlebnis, in dem Virtuosität selbstverständlich, aber nie Selbstzweck ist.

Neben regelmäßigen Rundfunk- und Fernsehaufnahmen beim WDR, SWR, MDR und Radio Bremen nahm Flautando Köln bisher neun CDs in Zusammenarbeit mit dem WDR und dem DLF auf. Regelmäßig arbeiten die Flötistinnen mit Gastmusikern zusammen (z.B. Franz Vitzthum / Countertenor oder Torsten Müller / Perkussion). Im Reformationsjahr 2017 spielte das Quartett, gemeinsam mit dem Schauspieler Martin Brambach, mehrfach sein Programm rund um Martin Luther. Seit 2018 besteht eine weitere Zusammenarbeit mit dem Schauspieler Heikko Deutschmann, mit dem Flautando Köln u.a. ein Programm mit Musik und Texten rund um Kurt Tucholsky präsentiert (Premiere Ruhrfestspiele 2018).

Das Quartett gastierte bei zahlreichen Festivals weltweit, u.a. dem Schleswig Holstein Musikfestival, dem Rheingau Musikfestival und dem MDR Musiksommer. Auslandsreisen führten Flautando Köln nach Zentralamerika, China, Taiwan, Korea und quer durch Europa.

J. Playford (ca. 1623-1686)
Red House
Never love thee more
An Italien Rant

P. di Palestrina (1525-1594)
Sicut cervus desiderat
Psalm 42

Kurt Weill (1900-1950)
Surabaya Johnny (aus “Happy End)

György Ligeti (1923-2006)
Six Bagatelles for woodwind quintet (1953)
Allegro con spirito/Allegro grazioso/
Presto ruvido/Adagio. Mesto/
Molto vivace. Capriccioso
Concerto a-Moll

Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Phantasien für Flöte
Adagio/Allegro/Adagio/Vivace

– Pause –

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
 Sinfonia aus BWV 29
Choral „Jesu, meine Freude“

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847)
aus: Lieder ohne Worte
Venezianisches Gondellied
Agitato e con fuoco

A. Mozart (1756 – 1791)
Variationen über Ah, vous dirai-je, Maman,  KV 265

3 Bearbeitungen von Volksweisen aus England und Irland
The Gentle Giant (Flook)
Scarborough Fair (trad.)
The Bag of Spud (trad.)

Bunt und facettenreich. In welche Richtung man dieses musikalische Kaleidoskop auch drehen mag – immer wartet es auf mit neuen Klangfarben. Hier sind es die sehnsüchtigen Worte eines Volksliedes, dort ein virtuoses barockes Feuerwerk. Oder der Ausflug in die Minimal Music des 20. Jahrhunderts. Wer weiß schon, welche Perspektive die nächste Drehung eröffnet. Welche Komposition oder welches Arrangements schöner sein mag? Entscheiden müssen Sie sich nicht. Lassen Sie sich überraschen!

Als erster englischer Verleger hat John Playford ein breites Spektrum relativ einfacher Musik herausgebracht, die sich in erster Linie an Laienmusiker der Mittelschicht richtete. Er trug damit entscheidend dazu bei, dass sich im England des 17. und 18. Jahrhunderts das Musizieren zu einem Freizeitvergnügen entwickeln konnte; darüber hinaus geben seine Drucke heute einen wertvollen Aufschluss über den damaligen Geschmack und über die gesellschaftliche Akzeptanz von Musik als Zeitvertreib. Schon seine vermutlich erste Veröffentlichung aus dem Jahr 1651, The English Dancing Master, war so erfolgreich, dass sie mit dem Titel The Dancing Master bis 1728 insgesamt 18 Auflagen erreichte; sie enthielt etwa 900 Tänze zusammen mit den dazu gehörigen Tanzbeschreibungen. John Playfords Bearbeitungen sehr alter Liedmelodien wurden noch bis in das 19. Jahrhundert häufig verwendet.

„Sicut  cervus desiderat“ des Renaissance-Komponisten Palestrina ist eine vierstimmige polyphone Motette. Sie wurde für Sopran, Alt, Tenor und Bass-Stimmen geschrieben und thematisiert den Segen des Wassers und die Sehnsucht nach Gott.

„Happy End“ ist ein dreiaktiges Singspiel von Elisabeth Hauptmann, Kurt Weill und Bertolt Brecht, das in der ersten Jahreshälfte 1929 als Nachfolgeprojekt zur erfolgreichen Dreigroschenoper entstand und am 2. September 1929 im Theater am Schiffbauerdamm in Berlin uraufgeführt wurde.

Georg Philipp Telemann veröffentlichte 1733 in Hamburg im Selbstverlag 12 Fantasien für Flöte solo, die rasch Berühmtheit erlangten. Johann Joachim Quantz, der Flötenlehrer Friedrichs des Großen, empfahl sie als Musterbeispiele virtuoser Flötenmusik, an denen man mit unzureichendem Zungenstoß rasch scheitern konnte.

Den Choral aus Johann Sebastian Bachs Kantate BWV 29 für Chor und Orchester hat Flautando Köln für das eigene Ensemble bearbeitet.

Mendelssohns „Lieder ohne Worte“ op. 30 sind ursprünglich für Klavier geschrieben und im Lauf der Zeit auf vielfältige Weise bearbeitet worden, so auch für fünf Flöten.

Mozart hat die zwölf Variationen über das französische Lied „Ah, vous dirai-je Maman“  Ende 1781 für die Pianistin Barbara von Auenhammer geschrieben. Das Werk ist bei Pianisten sehr beliebt, weil es  viele technische Schwierigkeiten und überraschende harmonische und kontrapunktische Wendungen aufweist.

Die drei Bearbeitungen von Volksweisen aus England und Irland sind bis heute populär und werden in verschiedenen Instrumentationen aufgeführt.

Die Musiker des Ensembles Johanns-Rivinius-Grimm haben sich während der Studienzeit und auch schon davor im Bundesjugendorchester (BJO) kennen gelernt und sind durch langjährige Freundschaft verbunden. Die gemeinsame Liebe zur Kammermusik bringt die Künstler immer wieder zu gemeinsamen Auftritten zusammen. So z.B. bei internationalen Festivals, Konzerten und Meisterkursen auf der ganzen Welt und in ganz unterschiedlichen Formationen. Daraus hervorgehend entstand der Wunsch nach einem eigenen Ensemble in dieser außergewöhnlich harmonischen Besetzung von Klarinette, Violoncello und Klavier. Die programmatische Variabilität der drei Instrumente spiegelt sich im Konzertprogramm wider.

Der Klarinettist Thorsten Johanns ist durch seine stilistische Vielseitigkeit und seine ausgeprägte musikalische Kommunikationsfähigkeit als Solist, Orchester- und Kammermusiker sowie als Lehrer gleichermaßen geschätzt und international gefragt. Bereits im Alter von 22 Jahren erhielt er 1998, noch während seines Klarinettenstudiums bei Prof. Ralph Manno an der Musikhochschule Köln, sein erstes festes Engagement als stellvertretender Soloklarinettist bei den Essener Philharmonikern, drei Jahre später wurde er Soloklarinettist im WDR-Sinfonieorchester Köln. Diese Position hatte er bis 2015 inne und gastiert dort weiterhin regelmäßig.

Als erster und bis heute einziger deutscher Klarinettist wurde Thorsten Johanns persönlich vom Chefdirigenten Alan Gilbert wiederholt nach New York eingeladen, um dort als Solo-Klarinettist mit dem New York Philharmonic Orchestra zu spielen. Weitere, regelmäßige Gast-Engagements als Solo-Klarinettist führten ihn zu den Berliner Philharmonikern, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Münchner Philharmonikern und vielen anderen renommierten Orchestern. Als Solist konzertiert er regelmäßig mit namhaften Orchestern und Dirigenten. Dies waren in der Vergangenheit Sir Neville Marriner, Semyon Bychkov, Dan Ettinger, das WDR-Sinfonieorchester Köln, das Orchestre de Chambre de Paris, das Brandenburgische Staatsorchester, das Stavanger Symphony Orchestra und das Nationale Radio Orchester von Rumänien. Die Komponisten Moritz Eggert und Philippe Manoury widmeten ihm Solokonzerte, die er mit Orchester uraufführte (Eggert: „AURA“, UA 2014 mit der Bayerischen Kammerphilharmonie und Manoury „Passages“, UA 2017 mit dem WDR Sinfonieorchester Köln).

Die tiefe Liebe zur Kammermusik wurde bereits in früher Kindheit durch seinen ersten Lehrer Laszlo Dömötör geweckt. Thorsten Johanns spielt in zahlreichen unterschiedlichen Formationen, sein Repertoire reicht von der Ursprungszeit seines Instrumentes bis hin zu modernster, vielfach für ihn komponierter Musik. Zu seinen heutigen Kammermusikpartnern zählen neben namhaften Streichquartetten (ARIS, Auryn, Diogenes, Minetti) auch der Oboist und Komponist Heinz Holliger und der Pianist und Komponist Moritz Eggert. Thorsten Johanns ist Mitglied des weltweit konzertierenden „Ensemble Raro“ und der „Deutschen Bläsersolisten“. Des Weiteren ist er Mitglied des renommierten Ensembles „Spectrum Concerts Berlin“.

Thorsten Johanns war und ist Gast bei zahlreichen internationalen Festivals (Schleswig-Holstein, Mecklenburg-Vorpommern, Luzern, Tiroler Festspiele, SoNoRo Bukarest, Rheingau Musikfestival, Budapest Festival Academy, Kuhmo Chamber Music Festival u.v.a.) und wirkte bei vielen erfolgreichen CD-Produktionen (u.a. ECHO-Klassik 2008) mit. In den letzten Jahren hat das Unterrichten einen wichtigen Stellenwert in Thorsten Johanns Karriere eingenommen. 2014 folgte er dem Ruf als Professor für Klarinette an die Musikhochschule ‚FRANZ LISZT‘ in Weimar. Von 2010 bis 2014 unterrichtete er, parallel zu seinem Engagement im Orchester, am Conservatorium in Maastricht (NL). Thorsten Johanns gibt zudem regelmäßig Meisterkurse. In den vergangenen Jahren wurde er hierfür nach China, Australien, Kanada, Deutschland, in die skandinavischen Länder und die Niederlande eingeladen.

Der Pianist Paul Rivinius, Jahrgang 1970, erhielt seinen ersten Klavierunterricht im Alter von fünf Jahren. Seine Lehrer waren zunächst Gustaf Grosch in München, später dann Alexander Sellier, Walter Blankenheim und Nerine Barrett an der Musikhochschule in Saarbrücken.

Nach dem Abitur studierte er zusätzlich Horn bei Marie-Luise Neunecker an der Frankfurter Musikhochschule und setzte seine Klavierausbildung bei Raymund Havenith fort. 1994 wurde er in die Meisterklasse von Gerhard Oppitz an der Musikhochschule München aufgenommen, die er 1998 mit Auszeichnung abschloss. Paul Rivinius war langjähriges Mitglied im Bundesjugendorchester und im Gustav Mahler Jugendorchester.

Als Kammermusiker profilierte er sich mit dem 1986 gegründeten Clemente Trio, das nach mehreren Auszeichnungen 1998 den renommierten ARD-Musikwettbewerb in München gewann und anschließend als «Rising Star»-Ensemble in den zehn wichtigsten Konzertsälen der Welt gastierte, darunter die Carnegie Hall in New York und die Wigmore Hall in London. Außerdem musiziert Paul Rivinius gemeinsam mit seinen Brüdern Benjamin, Gustav und Siegfried im Rivinius Klavier-Quartett. Seit 2004 ist er zudem Pianist des Mozart Piano Quartet, welches sich durch ausgedehnte Reisen nach Nord- und Südamerika sowie nach Asien internationales Renomee erspielt hat.
2018 erhielt das Mozart Piano Quartet den „Opus Klassik“ für die Einspielung des Klavierquartettes von Georg Hendrik Witte bei MDG Dabringhaus & Grimm.

Zahlreiche Rundfunk- und CD- Produktionen dokumentieren seine künstlerische Arbeit, unter anderem mit den Cellisten Julian Steckel und Johannes Moser sowie mit der schwedischen Sopranistin Camilla Tilling.

Paul Rivinius lehrte viele Jahre als Professor für Kammermusik an der Musikhochschule «Hanns Eisler» in Berlin und lebt heute in München.

Der Cellist Justus Grimm wurde 1970 in Hamburg geboren. Im Alter von fünf Jahren begann er Cello zu spielen. Er setzte seine Studien bei Ulrich Voss und Claus Kanngiesser fort und beendete seine Ausbildung bei Frans Helmerson in Stockholm und Köln.

Im Jahre 1993 debütierte er als Solist am Hamburger Staatsorchester.  Auf dem Programm stand die Uraufführung von Matthias Pintschers Cellokonzert La Metamorfosi di Narciso. Grimm hat ferner mit einer Reihe von führenden europäischen Orchestern als Solist aufgetreten, u.a. The English Chamber Orchestra, The London Chamber Orchestra, Orchestre Royal de Wallonie und Brandenburgisches Staatsorchester, Frankfurt.

Justus Grimms Tätigkeit als Kammermusiker ist umfassend. Im Jahre 2008 war er somit Mitgründer des Streichquartetts Malibran, wo er auch weiterhin aktiv ist. Seit 2010 ist er „Artist in Residence“ bei Centiers Internazionale d’Arte, Montepulciano – italienische Sommerschule für junge Sänger, Musiker, Dirigenten und Komponisten, die 1976 vom Komponisten Hans Werner Henze gegründet wurde.

Justus Grimm hat mehrere deutsche und belgische Preise erhalten und ist seit 2008 Professor und ab 2013 Rektor des Königlichen Konservatorium in Antwerpen tätig.

um 17 und 20 Uhr:
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Trio B-Dur op. 11 ‚Gassenhauer‘

nur um 17 Uhr:
Claude Debussy (1862 – 1918)
 Sonate für Cello und Klavier

nur um 20 Uhr:
Claude Debussy
Première Rhapsodie für Klarinette und Klavier

um 17 und 20 Uhr:
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Klarinettentrio a-moll op. 114

Das Finalthema von Beethovens Trios op. 11 stammt vom populärsten Wiener Opernkomponisten um 1800 Joseph Weigl und war damals als ‚Gassenhauer‘ in aller Munde. Das Trio erschien 1798 im Druck, und wurde 1800 von Beethoven selbst öffentlich aufgeführt. Der bedeutendste Satz des Trios ist der erste „mit seinem kühnen, stolz gerichteten Grundzuge, […] stellenweise mit einer gewissen Feierlichkeit“ (A. W. Thayer). Das kurze Adagio, obwohl nur eine Art Überleitung zum Finale, kann durch seine ausdrucksstarke Melodik, das Finale durch dessen kunstvolle Form zu den schönsten Einfällen des frühen Beethoven gerechnet werden.

1915, drei Jahre vor seinem Tod, begann Debussy einen Zyklus von „Six sonates pour divers instruments“, die er in bewusster Anlehnung an die französische Sonatenkunst des Barock konzipierte. Von den geplanten sechs Sonaten konnte er nur noch drei vollenden: die Cellosonate, die Violinsonate und die Sonate für Flöte, Viola und Harfe. Die Cellosonate beginnt mit einem Prolog und einer „französischen Ouvertüre“ in punktierten Rhythmen: mit dem resoluten Duktus, den Rhythmen und Spielfiguren einer solchen Ouvertüre im Klavier. Das Cello antwortet ähnlich, aber rhythmisch frei, mit einer Art Kadenz. Flirrende Bewegung in gebrochenen Dreiklängen tritt an die Stelle des fugierten Mittelteils einer Barockouvertüre, bevor das pathetische Motiv des Beginns wiederkehrt. Den zweiten und dritten Satz hat Debussy zu einer Einheit zusammengefasst: Sérénade et Finale. Zu Beginn der Serenade verwandelt sich das Cello mittels Sempre Pizzicato, gezupfter Noten, in eine große Gitarre, auf der ein Ständchen angestimmt wird. Die gestrichenen Noten im weiteren Verlauf sollen laut Debussys Anweisung „ironique“ klingen. Man hat es ganz offenbar mit einem grotesken Liebhaber aus der Commedia dell’arte zu tun, der hier seiner Angebeteten auf bizarre Weise huldigt. Am Ende des Satzes scheint er erhört zu werden, denn ein erwartungsvoll gespanntes A des Cellos mündet unmittelbar in das „leichte und nervöse“ Finale, das in flirrender Bewegung über dem barocken Bass der Passacaglia beginnt. Con fuoco und Appassionato, feuriger und leidenschaftlicher Ausdruck, prägen diesen Satz, den die Rückkehr des barocken Motivs aus dem Prolog feierlich beschließt.

Für die Bläserwettbewerbe des Pariser Conservatoire schrieb Debussy zwei Werke für Klarinette und Klavier, die den Klarinettisten als Pflichtstücke vorgelegt wurden: Petite Pièce und Première Rhapsodie. Diese entstand Ende 1909 und wurde im Januar 1910 mit Klavierbegleitung fertiggestellt. Von beiden Stücken nähert sich besonders die Rhapsodie in ihrer musikalischen Sprache den Préludes für Klavier. Die erste öffentliche Aufführung erfolgte im Januar 1911 durch Paul Mimart, dem die Rhapsodie „als Zeugnis der Sympathie“ zugeeignet ist. Sie beginnt mit einem „träumerischen“ langsamen Teil und endet „lebhaft scherzend“.

1890 hatte Brahms beschlossen, nicht mehr zu komponieren. Aber fasziniert vom ganz besonderen Klangzauber des Klarinettisten der Meininger Hofkapelle, Richard Mühlfeld, arbeitete er im Stillen sein a-Moll-Trio für Klarinette, Cello und Klavier und sein Klarinettenquintett aus. Der erste Satz beginnt mit einer schlichten Melodie des Cellos, auf die die Klarinette mit Arabesken antwortet. Ein Gegenthema des Klaviers setzt kräftigere Akzente, die sich aber im Laufe des Satzes nicht behaupten können. So ist das zweite Thema ein Kanon in der Umkehrung zwischen Klarinette und Cello. Leise Sechzehntelläufe geben der Durchführung eine eigenartig fahle Farbe. Sie beschließen auch den Satz. Im Adagio wird der Ausdruck noch weiter zurückgenommen. Sein Hauptmotiv in der Klarinette wird allmählich zerlegt, bis nur noch Seufzerfiguren übrig bleiben. In einem zweiten Thema steigern sich Bewegung und Ausdruck zu einer wehmütigen “fin de siècle”-Stimmung. Im zweiten Satz hat Brahms seiner Wahlheimat Österreich ein Denkmal gesetzt – durch eine Walzermelodie, wie sie auch in der „Fledermaus“ von Johann Strauss stehen könnte. Auch hier wird das Thema in Fragmente zerlegt, bis die Klarinette mit dem Trio einsetzt, einem Ländler aus dem Alpenland. Im Finale stehen sich kontrastierende Rhythmen gegenüber: Triolen und Duolen, 6/8 und 9/8-Takt. Den Sieg trägt eine Csárdás-Melodie davon.

Fatjona Maliqi profiliert sich mit ihrer Vorliebe für ungewöhnlich anspruchsvolle Programme zunehmend als eine der interessantesten Pianistinnen ihrer Generation und beeindruckt dabei „mit Eindringlichkeit und Finesse“ (Piano News). Besondere Anerkennung erwarb sie in jüngster Zeit für ihre Darbietung der Goldberg-Variationen von J. S. Bach, die sie spielt „als wäre alles ganz einfach“ (Bonner Generalanzeiger).

Neben internationalen Konzerten mit diversen Soloprogrammen ist sie regelmäßig als Solistin in Klavierkonzerten von Beethoven, Chopin, Grieg, Rachmaninow Saint-Saens und Gershwin sowie als Kammermusikerin in verschiedenen Besetzungen zu hören.

Im Rahmen ihres Studiums befasst sich die aus dem Kosovo stammende und in der Klavierklasse von Heribert Koch an der Musikhochschule Münster ausgebildete Künstlerin besonders intensiv mit dem Spiel auf historischen Tasteninstrumenten.

Im Jubiläumsjahr 2020 wurde sie eingeladen, Beethovens größtes Klavierwerk, die Diabelli-Variationen op. 120, u.a. im Rahmen des 42. Internationalen Kongresses der EPTA (European Piano Teachers Association) zu spielen. In einem Live-Mitschnitt in der Reihe „WDR3 Campus-Konzerte“ trug sie das monumentale Werk auf einem historischen Flügel von Conrad Graf (1825) vor, der auch Beethovens letztes Instrument erbaute.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Goldberg-Variationen – Aria mit verschiedenen Veränderungen, BWV 988

Zur Vorgeschichte

Schon am 15. November 2020 wollte der Verein Jülicher Schlosskonzerte e.V. mit dem Aachener Pianisten Michael Rische und einem abwechslungsreichen Programm von Emanuel Bach über Mozart und Beethoven bis Debussy sein Debut in der Konzertreihe „Klavier entlang der Rur“ geben. Aufgrund der Pandemie musste die Reihe jedoch schon nach dem ersten Konzert in Hückelhoven Mitte Oktober letzten Jahres abgebrochen werden.

Nach mehreren vergeblichen Anläufen zur Verschiebung des Konzerts suchten wir nach einem online Ausgleich für unsere enttäuschten Musikfreunde. Ein Konzert ohne Publikum kam für den Aachener Pianisten Michael Rische leider nicht infrage. So ergriffen wir die Gelegenheit und engagierten kurzfristig die junge kosovarische Nachwuchspianistin Fatjona Maliqi für eine Aufführung ihrer Interpretation der Goldberg-Variationen von Johann Sebastian Bach.

In der Pandemie hatten wir wegen der Abstandsregeln ins PZ ausweichen müssen. Als Rahmen für ein so intimes Musikstück wie die Goldberg-Variationen erscheint uns aber die Schlosskapelle in der Jülicher Zitadelle ideal – und ohne Publikum ist der Raum auch in Zeiten von Corona zum Glück kein Problem..

Michael Rische zählt nicht erst seit den Aufnahmen der Klavierkonzerte von Carl Philipp Emanuel Bach zu der kleinen Gruppe von Musikern, die konsequent mit maßgeblichen Entdeckungen das Musikleben bereichern. Schon die Einspielung der sieben jazz-beeinflussten Klavierkonzerte der 20er Jahre von Antheil, Gershwin, Copland, Schulhoff, Ravel und Honegger hatte in den USA, Europa und Japan für ein begeistertes Echo in den Medien gesorgt.

Dabei müssen Entdeckungen einerseits und Standard-Repertoire andererseits nicht unbedingt einen Widerspruch bedeuten. Denn mit den Interpretationen der Klavierkonzerte von Beethoven (Nr. 3 c-moll) und Mozart (Nr. 20 d-moll) ist der Pianist auch hier einen ungewöhnlichen Weg gegangen: Es sind die einzigen Aufnahmen, die dem Hörer die Wahl zwischen Kadenzen aus verschiedenen Epochen bieten.

Michael Rische studierte in Düsseldorf bei Max Martin Stein (Klavier) und bei Milko Kelemen (Komposition). Folgenreiche Anregungen kamen von Pierre Boulez und Nicolaus Harnoncourt. Seine Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Sylvain Cambreling, Yuri Simonow, Christoph Poppen, Grant Llewellyn, Michael Boder, Wayne Marshall, und Orchestern wie der Staatskapelle Berlin, dem WDR Sinfonieorchester Köln, dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, dem Orchestre National de Belgique, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, den Bamberger Symphonikern und dem BBC Symphony Orchestra London hat ihm die Konzertsäle in vielen Ländern geöffnet. Michael Rische war „artist-in-residence“ des Jahres 2007 beim Internationalen Kurt-Weill-Festival in Dessau.

Mehr als 20 CDs bei den Weltlabels EMI, Universal, Sony und Hänssler geben über sein Repertoire Auskunft. Die beiden aktuellen Einspielungen entstanden zusammen mit den Berliner Barock-Solisten, dem Kammerorchester der Berliner Philharmoniker. Alexander Kluge hat für sein Kulturmagazin drei Fernseh-Dokumentationen über ihn gedreht.

Neben seiner solistischen Tätigkeit lehrt Michael Rische als Professor an der Musikhochschule Köln. Auch in den neuen Medien findet seine Arbeit ihren Niederschlag. So hat z.B. der weltgrößte Streaming-Dienst Spotify für das Concerto Wq. 44 von CPE Bach knapp sechs Millionen Hörer verzeichnet.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 (1723)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Adagio h-moll, KV 540 (1788)

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sonate Nr. 14 cis-moll, op. 27,2 „Mondschein“ (1801)
Adagio sostenuto – Allegretto – Presto agitato

Claude Debussy (1862-1918)
Images I (1904)
Reflets dans l‘eau – Hommage à Rameau – Mouvement

Pour le piano (1901)
Prélude – Sarabande – Toccata

Johann Sebastian Bach – der einzige Komponist, dessen Name ausschließlich aus „Tönen“ besteht – hat sich nicht erst in seinem letzten (und unvollendeten) Werk, dem Contrapunctus XIX aus der „Kunst der Fuge“, mit der musikalischen Ausdeutung der vier Buchstaben „B-A-C-H“ befaßt. Es finden sich schon im Jahre 1717 Praeludium und Fuge über den Namen Bach (BWV 898) für Klavier, später ein Contrapunctus alla Decima über B-A-C-H (BWV Anh. 109). Bach ist sich also schon früh der musikalischen Symbolik seines Namens bewusst, wie uns der mit Bach befreundete Johann Gottlieb Walther in seinem Musiklexikon  aus dem Jahre 1732 versichert.

Die berühmte Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 muss man auch zur Gruppe dieser Kompositionen zählen: Der Beginn des Fugenthemas (a-b-h-c) ist nämlich auf das engste mit „b-a-c-h“ verwandt, da er durch eine Spiegelung an der Mitte der Tongruppe entstanden ist. Das vermutlich 1723 entstandene Werk hat durch seine kühne melodische Diktion und seinen bis dahin nicht gekannten harmonischen Reichtum einst die Zeitgenossen irritiert. Recht schnell wurde daraus aber eine Bewunderung, die bis heute anhält.

Das allein stehende Adagio h-moll gehört zu den ewigen Werten, die Wolfgang Amadeus Mozart uns für Soloklavier geschenkt hat. An nur einem Tag geschrieben, dem 19. März 1788, offenbart der Komponist eine fast zerbrechliche Melancholie aber auch einen untrüglichen Sinn für harmonische Vieldeutigkeiten.

Über die Mondschein-Sonate braucht man kaum Worte zu verlieren, ist sie doch die bekannteste Sonate der Musikgeschichte. Vielleicht nur soviel: Der atmosphärische Titel stammt nicht von Ludwig van Beethoven, sondern von dem Dichter Ludwig Rellstab. Die Überlieferung berichtet vielmehr, Beethoven habe das Adagio am Totenbett eines Freundes improvisiert. Schon zu Lebzeiten des Komponisten war diese Sonate außerordentlich beliebt, und daran wird sich – nach menschlichem Ermessen – auch in Zukunft nichts ändern.

Nach dem Ereignis des Prélude à l’après-midi d’un faune ging Claude Debussy daran, die neu entdeckten Klangwelten auch für das Klavier zu erobern. Seinen ersten Meilenstein in diese Richtung stellt die dreisätzige Suite Pour le piano dar. Satzbezeichnungen, die uns aus den Bach-Suiten vertraut sind, erfüllt eine neue Vitalität; die motorische Energie von Prélude und Toccata lässt da keinen Zweifel aufkommen. Dabei sollte man nicht vergessen, dass Debussy selbst ein Pianist mit einer viel gerühmten Anschlagskultur war – und damit der Fähigkeit zur feinsten Abstufung. Von der hermetischen Sarabande führt ein direkter Weg zum meditativen Hommage à Rameau, das im Stile einer Sarabande auszuführen ist. Der poetische Zauber der Images überträgt sich unmittelbar auf den Hörer, der wiederum dem Komponisten auf der Suche nach der Seele des Klaviertones folgt. (M. Rische)

Das Bennewitz Quartett ist eines der weltweit angesehensten Kammermusikensembles. Dieser Status wird nicht nur durch die Siege bei zwei bedeutenden Wettbewerben –  Osaka 2005 und Prémio Paolo Borciani in Italien 2008 – manifestiert, sondern auch regelmäßig durch herausragende Kritiken. Bereits im Jahr 2006 schrieb die Frankfurter Allgemeine Zeitung: „… die Musik war nicht nur wegen ihrer klaren Struktur bemerkenswert, sondern auch wegen der schönen Klangpalette und Reinheit der Intonation in ihrer Ausführung. Nur selten erlebt man so etwas geschickt handgefertigte und kraftvolle Harmonien … Großartige Kunst.“ Das Ensemble wurde auch in der tschechischen Musikszene mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet. So erhielt es schon 2004 den Preis der Tschechischen Kammermusikgesellschaft und gewann 2019 den Classic Prague Award für das beste Kammermusik-Konzert des Jahres.

Das Quartett tritt derzeit an wichtigen Orten im In- und Ausland auf, darunter Wigmore Hall London, Musikverein Wien, Konzerthaus Berlin, Théâtre des Champs-Elysées Paris, New Yorker Frick Collection, Seoul Art Center, Rudolfinum Prag u.a. Hinzu kommen Einladungen zu Festivals in Salzburg, Luzern, im Rheingau, nach Lockenhaus und zum Prager Frühling. Dabei arbeitet das Ensemble mit herausragenden internationalen Kollegen wie Jean-Yves Thibaudet, Alexander Melnikov, Vadim Gluzman, Isabel Charisius, Pietro de Maria, Reto Bieri oder Danjulo Ishizaka.

Das Bennewitz Quartett spielt besonders gerne in der heimischen tschechischen Musikszene. Besondere Highlights waren die Zusammenarbeit mit der Tschechischen Philharmonie und ihrem Dirigenten Jiří Bělohlávek für die Aufführung des Konzerts für Streichquartett und Orchester von Bohuslav Martinů. Das Ensemble hat beide Quartette von Leoš Janáček für das tschechische Fernsehen im einzigartigen Ambiente der Villa Tugend hat in Brünn aufgenommen. Regelmäßig zeichnet der tschechische Rundfunk Konzerte des Quartetts auf.

Aus ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Label Coviello Classics geht unter anderem eine Aufnahme der beiden Streichquartette von Leoš Janáček kombiniert mit dem 4. Streichquartett von Béla Bartók hervor, die von der Presse einhellig gelobt wird. So ist das Magazin Fono Forum beeindruckt von ihrem „feurigen Temperament“. Die zweite Aufnahme dieser Serie, 2010 erschienen, umfasst beide Quartette von Bedřich Smetana. Die Website Klassik.com nennt die Aufnahme „einfach phänomenal“. Das darauffolgende, beim Label Hänssler Classic erschienene Projekt ist Dvořáks vollständigem Zypressen-Zyklus gewidmet, 2015 gefolgt von seinen Streichquartetten op. 51 und op. 106 bei SWRmusic/Naxos. Diese Aufnahme wurde mit dem ‚Choice of the Harmonie Magazine‘ und ‚Editor’s Choice‘ des Magazins Gramophone ausgezeichnet.

Die Mitglieder des Quartetts legen großen Wert auf eine inspirierende und auch herausfordernde Auswahl des Konzertrepertoires. In den Jahren 2012 und 2015 spielte das Ensemble an einem einzigen Abend die kompletten sechs Streichquartette Bartóks beim Festival Maggio Musicale Fiorentino und im schwedischen Upsala. 2014 präsentierten die vier die Lieder der Einwanderer von Slavomír Hořínka im Konzerthaus Berlin. Im April 2019 erschien bei Supraphon, dem wichtigsten tschechischen Label, eine neue CD mit Musik der jüdischen Komponisten H. Krása, V. Ullmann, E. Schulhoff und P. Haas, die alle dem Nazi-Terror zum Opfer fielen. Anfang 2019 trat das Bennewitz Quartett mit einer Auswahl dieser Werke bei der offiziellen Gedenkstunde an die Opfer des Holocaust im Deutschen Bundestag Berlin auf.

Seit 1998 trägt das Bennewitz Quartett den Namen des Geigers und Direktors des Prager Musikkonservatoriums Antonín Bennewitz (1833-1926), der maßgeblich zur Gründung der tschechischen Violinschule beigetragen hat. Zu den bedeutendsten Musikern, die zu seinen Jüngern gerechnet werden, zählen vor allem Karel Hoffman, Josef Suk und Oskar Nedbal, die unter Bennewitz‘ Einfluss das berühmte Böhmische Quartett bildeten.

Das Programm  (gekürzt)

Joseph Haydn (1732-1809)
 Streichquartett G-Dur op. 17/5

Leoš Janáček (1854-1928)
Streichquartett Nr 1.
nach Leo Tolstois Novelle Die Kreutzersonate (1923)

1. Adagio – Con moto
2. Con moto
3. Con moto – Vivace – Andante
4. Con moto – Adagio – Più mosso

– kurze Lüftungspause –

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Streichquartett a-moll op. 132 (1825)

1. Assai sostenuto – Allegro
2. Allegro ma non tanto
3. Canzona di ringraziamento. Molto adagio (Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit in der lydischen Tonart)
4. Alla marcia, assai vivace
5. Allegro appassionato

Das Ensemble bedankte sich beim begeisterten Publikum mit dem 4. Satz „Alla Tango milonga“ aus Fünf Stücke für Streichquartett von Erwin Schulhoff (1899-1944)

1803 komponierte Ludwig van Beethoven seine berühmte „Kreutzersonate“ für Violine und Klavier. 1887-1889 schrieb der russische Dichter Leo Tolstoi eine Erzählung, in der jene Sonate eine Schlüsselrolle spielt. Er gab ihr den Titel „Die Kreutzersonate“. Unter dem Eindruck dieser Erzählung entwarf der tschechische Komponist Leoš Janáček seine Komposition  und gab dem Werk denselben Titel, obwohl es sich nicht um eine Sonate handelt, sondern um ein Streichquartett, das in seiner Dramatik an eine Oper erinnert. Seine Musik, „die alle Stadien der Emotionen von der rastlosen Suche über den Schmerzensschrei bis zur tödlichen Verzweiflung im Finale durchläuft“ (Max Brod), ist ein leidenschaftliches Plädoyer für eine unterdrückte Frau, die aus einer unglücklichen Ehe ausbrechen möchte, aber letztlich an den starren gesellschaftlichen Normen scheitert.

Bis heute sind die späten Streichquartette von Ludwig van Beethoven eine Herausforderung für Interpreten wie Publikum. Das a-Moll-Quartett op. 132, komponiert 1825, stellt die irritierenden Elemente im Spätstil Beethovens zurück gegenüber einer unmittelbar eingängigen Dramatik der Themen und des Formverlaufs. Eher unterschwellig kommen abstrakte Momente zum Tragen, so etwa in dem Viertonmotiv, das die langsame Einleitung in einem geheimnisvollen Kanon vorstellt und das dann auch dem Hauptthema des Allegros zugrunde liegt. Es handelt sich um eine Art Motto der späten Quartette Beethovens, das bis hin zur Großen Fuge op. 133 in immer neuer Gestalt wiederkehrt.

Der zweite Satz ist voll der satztechnischen Scherze, die auch andere Binnensätze der späten Quartette durchziehen.  Höhepunkt des Quartetts ist der langsame Satz, die berühmte „Heilige Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der lydischen Tonart“. Es handelt sich um einen Choral, der dank des lydischen Kirchentons und seiner altertümlichen Satztechnik an die Kirchenmotette der Palestrina-Zeit gemahnt. Zwei „moderne“ Episoden unterbrechen den Dankgesang; „neue Kraft fühlend“, sind sie von Tanzrhythmen und den typischen Motiven des späten Beethoven geprägt.

Auf den vierten Satz, einen ironischen Marsch in A-Dur,  folgt das Appassionato-Finale in a-moll, das auf die drängend-bewegten Finalsätze der Romantiker in dieser Tonart voraus weist. Das Tor nicht nur zur Romantik, sondern sogar zur Moderne hat Beethoven hier – wie so oft in den späten Quartetten – weit aufgestoßen.

Das Notos Quartett gilt als eine „der herausragenden Kammermusikformationen der Gegenwart“ (FONO FORUM 09/2017). Publikum wie Kritiker bewundern neben der „virtuosen Brillanz und technischen Perfektion“ des Ensembles besonders den „Sinn für die Balance und das Zusammenspiel, welcher jedes Detail der Komposition hörbar macht“, wobei es „die Zuhörer mit den innig gespielten Tönen direkt ins Herz trifft“.

Seit seiner Gründung im Jahr 2007 wurde das Notos Quartett bereits mit sechs 1. Preisen sowie zahlreichen Sonderpreisen bei internationalen Wettbewerben in Holland, Italien, England und China ausgezeichnet. 2017 wurde ihm darüber hinaus der zu diesem Zeitpunkt renommierte deutsche Musikpreis ECHO Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres verliehen, eine Auszeichnung, die nur in den seltensten Fällen an ein Ensemble vergeben wurde.

Als Reaktion auf die ECHO Pop-Verleihung im April 2018, in der ein Album mit antisemitischem und menschenverachtendem Gedankengut mit einem Preis ausgezeichnet wurde, gaben die Musiker des Notos Quartetts als erste Künstler ihren ECHO wieder zurück. Sie lösten damit eine Protestbewegung aus, der sich viele namhafte Künstler wie Igor Levit, Daniel Barenboim und Marius Müller-Westernhagen mit der Rückgabe ihrer Preise anschlossen. Infolgedessen entschied sich der Bundesverband Musikindustrie, die Marke ECHO komplett abzuschaffen.

Das Bestreben der Musiker, neben den bekannten Meisterwerken auch verschollene und vergessene Werke der Gattung Klavierquartett aufzuspüren und einem breiten Publikum zu präsentieren, spiegelt auch ihre Debüt-CD „Hungarian Treasures“ wider, die im Februar 2017 bei Sony Classical/RCA erschienen ist. Diese beinhaltet unter anderem die Weltersteinspielung des Klavierquartetts von Béla Bartók, für dessen Wiederentdeckung das Ensemble weltweit große Aufmerksamkeit und Anerkennung erlangte.

Das große Interesse am Notos Quartett und seinen außergewöhnlichen Programmen dokumentieren auch zahlreiche Konzertmitschnitte, Interviews und Portraits in Rundfunk- und Fernsehanstalten im In- und Ausland, wie dem ARD, ZDF, Deutschlandfunk, BR, SWR, WDR, MDR, NDR, RBB, SR, HR sowie dem BBC, France Musique, Radio4 Holland, ORF Österreich, P2 Schweden, IPR USA und verschiedenen Sendern in Japan und Vietnam.

Neben Auftritten in renommierten europäischen Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, dem Konzerthaus Wien, der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, der Tonhalle Zürich, dem BOZAR Brüssel, dem Teatro la Fenice Venedig und bei den großen Festivals im Rheingau, in Schwetzingen, Würzburg, Mecklenburg-Vorpommern, Usedom und Radio France, bereist das Quartett regelmäßig auch ferne Länder wie Russland, China, Japan und den südostasiatischen Raum.

Neben seiner Konzerttätigkeit setzt es sich auch für die Förderung junger Musiker ein und sieht darin einen weiteren wichtigen Aspekt seiner Arbeit. So unterrichtete das Ensemble bereits am Royal Northern College of Music in Manchester, leitete den Meisterkurs „Saigon Chamber Music“ in Vietnam und veranstaltet seit Herbst 2015 die von ihm gegründete und jährlich stattfindende „Notos Chamber Music Academy“, die seit dieser Saison in Zusammenarbeit mit der Jeunesses Musicales Deutschland in Weikersheim ausgetragen wird.

Zu den Wegbegleitern, Lehrern und Förderern des Quartetts zählen u.a. das Alban Berg Quartett, das Mandelring Quartett, Uwe-Martin Haiberg, Clemens Hagen, Menahem Pressler und András Schiff. Ermöglicht durch den „Merito String Instruments Trust“ spielt das Notos Quartett auf wertvollen alten italienischen Streichinstrumenten und als Pirastro-Artist ausschließlich auf Saiten der renommierten Saitenmanufaktur „Pirastro GmbH“.

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Klavierquartettsatz (1877/78) in a-moll

Nicht zu schnell – Mit Leidenschaft – Entschlossen

Johannes Brahms (1833 -1897)

Klavierquartett Nr. 2 A-Dur, op. 26 (1861)

Allegro non troppo – Poco Adagio

 Scherzo.Poco Allegro – Finale. Allegro

Das Ensemble bedankte sich beim begeisterten Publikum mit

Edward Elgars Opus 12 „Liebesgruß“

Das eigentlich noch vorgesehene Stück von Walton musste unter Corona-Bedingungen leider entfallen:

William Walton (1902-1983)

Klavierquartett (1924/1976)

Gustav Mahler schrieb den Quartettsatz a-moll mit sechzehn Jahren. Dass der Sinfoniker Mahler überhaupt Kammermusik geschrieben hat, war schon zu seinen Lebzeiten kaum bekannt. Das lag an seinem leichtsinnigen Umgang mit den Jugendwerken, die bereits 1896 weitgehend verloren gegangen waren. Darunter befanden sich mehrere preisgekrönte Stücke, z.B. eine Violinsonate und zwei Klavierquintette.

“Das beste davon war ein Klavierquartett”, berichtete Mahler selbst, “welches am Schluss der vierjährigen Konservatoriumszeit entstand und das großes Gefallen erregte”. Dabei handelte es sich um ein vollständiges viersätziges Klavierquartett, das ebenfalls verloren ging. Einzig erhalten ist ein einzelner Allegrosatz aus einem Klavierquartett in a-moll. Er ist ein einzigartiges Dokument für Mahlers kammermusikalischen Stil und seine frühe Begabung: “So negiert der in düsterem a-Moll versinkende Schluss des Sonatensatzes jede Konvention von Äußerlichkeit, die bei einem Sechzehnjährigen wohl zu erwarten gewesen wäre. Überhaupt darf diese Tonart, die im Werk Mahlers (und auch in einer der Jugend-Symphonien) eine bedeutsame Rolle spielte, durchaus als unbewusstes Antizipando des Kommenden gewertet werden. Besonders bewegend ist das verhalten-sordinierte Intermezzo vor Eintritt der Reprise, wie auch die ganz und gar ungewöhnliche, höchst exzessive Violinkadenz unmittelbar vor der Koda. Die thematische Erfindung gewinnt durchaus eigenpersönliches Profil; Form und Gestus weisen erkennbar auf die Wurzeln des damaligen musikalischen Bewusstseins Mahlers: auf Brahms, Schumann und Schubert.” (Peter Ruzicka)

1855, im Alter von 22 Jahren, begann Johannes Brahms mit der Komposition seiner drei Klavierquartette. Die ersten beiden in g-moll und A-Dur vollendete er 1861, das dritte ‒ ursprünglich in cis-moll geschrieben ‒ veröffentlichte er erst 1875 in der revidierten c-moll-Fassung.

Die Durchführungstechnik des ersten Satzes  des A-Dur Quartetts ist weniger von Melodik und Harmonik, sondern stark von Rhythmus geprägt. Das Klavierthema des Anfangs besteht aus Achteltriolen und Dreiergruppen von einfachen Achteln, und dieser Gegensatz bestimmt den gesamten Satz. Die gesanglichen Themen erinnern an Schumann, unter dessen starkem Einfluss Brahms damals stand. ‒ Das Poco Adagio hat durch seine düsteren Klavier-Arpeggien und das schmerzliche Zwischenthema oft zur biographischen Interpretation herausgefordert ‒ ähnlich wie beim dritten Klavierquartett, das später als „Werther-Quartett“ bezeichnet wurde und seine unerfüllte Liebe zu Clara Schumann widerspiegelt.

Das Scherzo könnte man wörtlich verstehen: als Scherz, denn es ist eine Zitatensammlung. Sein Thema stammt aus Bachs vierter Cembalo-Partita, ein Überleitungsmotiv aus Schuberts B-Dur-Klaviertrio, das zweite Thema aus Schumanns A-Dur-Streichquartett. Auf dieses heitere, kontrapunktisch meisterhafte Spiel mit Versatzstücken folgt ein wildes Trio. Das Finale ist, wie der entsprechende Satz des ersten Klavierquartetts, im ungarischen Stil gehalten.