Der Pianist und ECHO Klassik-Preisträger Alexander Krichel ist bekannt für seine fesselnden Interpretationen der anspruchsvollsten Werke der Klavierliteratur – von Beethoven über Liszt bis Rachmaninoff und Prokofiev. Der 1989 in Hamburg geborene Tastenvirtuose fasziniert durch die Gegensätze, die er in sich vereint – in seinem Spiel verbindet er analytische Klarheit mit feurigen Emotionen.

Mit zwei der größten russischen Pianisten der Gegenwart als Lehrer hat die russische Schule Alexander Krichel besonders beeinflusst. Nachdem er Vladimir Krainevs letzter Student in Hannover war, zog es ihn nach London, wo er am Royal College of Music bei Dmitri Alexeev mit höchstem Prädikat abschloss. Die besondere Beziehung des Künstlers zu Sergej Rachmaninoff ist hervorzuheben. Die Klavierkonzerte des russischen Komponisten sind ein wichtiger Teil seines Repertoires. Die Live-Aufnahme des 2. Klavierkonzertes mit den Dresdner Philharmonikern unter Michael Sanderling gehört zusammen mit der Einspielung der drei großen Klavierzyklen von Maurice Ravel zu den Höhepunkten seiner Diskographie, die insgesamt sieben Alben umfasst. Mit seinem letzten Album “Enescu & Mussorgsky” feierte Alexander Krichel seinen Einstand bei Berlin Classics.

Alexander Krichel ist sowohl auf nationalem als auch internationalem Podium zu Hause: Er gab Konzerte in der Philharmonie Berlin, der Elbphilharmonie Hamburg, der Kölner Philharmonie, im Konzerthaus und Musikverein Wien oder in der Tonhalle Zürich. Ebenso war er in London, New York City, Hongkong, Shanghai, Tokio, Kyoto, St. Petersburg, Mexico City, Oslo, Warschau, Bukarest und vielen weiteren Städten eingeladen. Neben Auftritten mit dem hr-Sinfonieorchester, den Bamberger Symphonikern, der Dresdner Philharmonie, der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und den Bremer Philharmonikern ist er ebenso ein gern gesehener Gast beim Tokyo Symphony Orchestra, beim Kyoto Symphony Orchestra, der Hong Kong Sinfonietta, den Festival Strings Lucerne, dem Polish Chamber Philharmonic Orchestra, dem St. Petersburg Symphony Orchestra und anderen. Ebenso konzertiert er kammermusikalisch mit dem Shanghai String Quartet, dem Goldmund Quartett sowie dem Amaryllis Quartett.

Während des Corona-Lockdowns fand der Künstler mit dem  weltweit ersten Klassik-Konzert in einem Autokino den Weg zu seinem Publikum.

Alexander Krichel ist Mitbegründer und künstlerischer Leiter des Festivals „Kultur rockt“ sowie künstlerischer Leiter der Konzertreihe „Kammermusik am Hochrhein“. Seit 2018 ist er außerdem Jurymitglied des Fanny Mendelssohn Förderpreises.

Drei Wochen nach seinem Auftritt in Jülich, am 16. Mai 2024 ist Alexander Krichel wieder in der Elbphilharmonie Hamburg zu hören..

Frédérik Chopin (1810 – 1849)
Nocturne Des-Dur op. 27/2
Lento sostenuto

Ballade Nr. 2 F-Dur op. 38
Andantino
Presto con fuoco

Sonate Nr. 2 b-moll op. 35
Grave – Agitato
Scherzo
Marche funèbre
Finale. presto

– Pause –

Sergei Rachmaninow (1873 – 1943)
Moments musicaux
Nr.1  b-moll: Andantino
Nr.2  es-moll: Allegretto
Nr.3  h-moll: Andante cantabile
Nr.4  e-moll: Presto
Nr.5  Des-Dur: Adagio sostenuto
Nr.6  C-Dur: Maestoso

Der erste Teil des Konzerts steht ganz im Zeichen von Frédérik Chopin, der nicht nur als Komponist, sondern auch als  Klaviervirtuose in seiner Zeit eine Berühmtheit war. Seine Nocturnes, Balladen und Walzer sind eingängige, kürzere Werke, die bis heute in kaum einem Klavierabend fehlen.

Seine b-moll- Sonate ist eine komplexe Komposition, die hohe Ansprüche an den Pianisten und den Zuhörer stellt.

„So fängt nur Chopin an und so schließt nur er: mit Dissonanzen durch Dissonanzen in Dissonanzen.“ Mit diesen Sätzen begann Robert Schumann seine Rezension des Werkes, das 1840 im Druck erschienen war. Zum Verständnis ihrer vier „tollen“ Sätze genügt es, Schumann zu zitieren, denn eine treffendere Charakterisierung der Sonate gibt es kaum: „Nach jenem „hinlänglich Chopin’schen Anfange folgt einer jener stürmischen leidenschaftlichen Sätze, wie deren von Chopin schon viele kennen. Aber auch schönen Gesang bringt dieser Theil des Werkes; ja es scheint, als verschwände der nationelle polnische Beigeschmack, der den meisten der früheren Chopin’schen Melodien anhing, mit der Zeit immer mehr, als neige er sich (über Deutschland hinüber) gar manchmal Italien zu… Aber, wie gesagt, nur ein leises Hinneigen nach südlicher Weise ist es; sobald der Gesang geendet, blitzt wieder der ganze Sarmate in seiner trotzigen Originalität aus den Klängen heraus.“ Heute ist Chopins Opus 35 vor allem wegen des Trauermarschs berühmt. In unzähligen Bearbeitungen, besonders für Blaskapelle zu Beerdigungen und Prozessionen, scheint die Melodie dieses Satzes so verbraucht, dass man sich ihrem Original doppelt aufmerksam zuwendet. Von diesem „Marche funèbre“ aus erschließen sich die übrigen Sätze des Werkes, die allerdings keinen Anspruch auf „ordentlichen Sonatenstil“ erheben. Schumann hielt es für eine „Caprice“, dass Chopin dieses Stück eine „Sonate“ nannte, ja gar „einen Uebermuth, dass er gerade vier seiner tollsten Kinder zusammenkoppelte“. Zum letzten Satz dieses Werkes – dem geisterhaft vorüberhuschenden, zweiminütigen Finale in rasenden Oktaven ohne erkennbaren tonalen Zusammenhang – meinte Schumann zusammenfassend: „So schließt die Sonate, wie sie angefangen, rätselhaft, einer Sphinx gleich mit spöttischem Lächeln.“

Die „Six moments musicaux“ op. 16 von Sergei Rachmaninow entstanden1896. In diesem Jahr hatte Rachmaninow große finanzielle Probleme. Darüber hinaus wurde er während einer Zugreise komplett ausgeraubt, so dass er einerseits unter enormen Druck stand, der andererseits aber auch seine Schaffenskraft beflügelte. Er konzipierte die 6 Klavierstücke als zusammenhängende Werke für Bühne und Konzert, doch steht jedes Stück individuell für sich. Das erste Stück entwickelt sich von einer langen reflektiven Melodie zu einer rapiden Klimax. Nr.2 ist ein Beleg für die frühe Meisterschaft der Klaviertechnik des Komponisten. Nr.3 kontrastiert mit Nr.2 und 4 durch seinen Trauermarsch und den Lamento-Charakter. In der Nr.4  zeigen sich Inspirationen durch unterschiedliche Vorlagen, u.a. der Préludes Chopins. Nr.5 verweist auf die Form der Barcarole, während das abschließende dreiteilige Stück mit allen Facetten pianistischer Virtuosität eine Art glorreicher Synthese darstellt.

Das Ensemble wird von den Brüdern Jonathan und Lukas Schwarz an erster Violine und Cello gerahmt, während Amelie Wallner an der zweiten Violine und Mayu Konoe an der Bratsche die Mittelstimmen bilden. Leonkoro, aus dem Esperanto: Löwenherz, spielt nicht zufällig auf Astrid Lindgrens Kinderbuch über zwei Brüder an, ein Buch, das der schwerwiegenden Tatsache des Sterbens eine herzliche Portion Trost gegenüberstellt – ein Zusammenhang, dem sich auch an vielen Stellen das Streichquartett-Repertoire widmet.

Im Jahr 2022 erhielt das Leonkoro Quartett eine Reihe renommierter Auszeichnungen und Preise, die seinen Platz unter den gefragtesten Ensembles seiner Generation festigen. Im März wurde es mit dem renommierten Musikpreis der Jürgen-Ponto-Stiftung ausgezeichnet, der alle zwei Jahre für herausragende Streichquartette vergeben wird. Anschließend triumphierte das Quartett beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in der Londoner Wigmore Hall und gewann den 1. Preis sowie eine Reihe von 9 Sonderpreisen, darunter Interpretation-, Residenz- und Konzertpreise.

Im Mai knüpfte das Quartett daran an und errang den 1. Preis beim Concours International de Quatuor à Bordeaux. Ihre Darbietung beeindruckte nicht nur die hochkarätige Jury, sondern zog auch das Publikum in ihren Bann, so dass das Quartett sowohl den Publikumspreis als auch den Preis des jungen Publikums erhielt. Kurz darauf erfolgte die Ernennung in das prestigeträchtige BBC Radio 3 New Generation Artists Programm, dessen Teil das Quartett von 2022 – 2024 sein wird.

Im November 2022 folgte dann die Auszeichnung mit dem MERITO String Quartet Award. Anders als bei einem klassischen Wettbewerb, wissen die fünf ausgewählten Ensembles nicht, dass sie über ein Jahr von einer Jury aus namhaften Streichquartett-Musikern bewertet werden und ihr Können in Konzerten unter Beweis stellen. Der MERITO String Instrument Trust wird das Ensemble für vier Jahre unterstützen, u.a. mit einem Kompositionsauftrag.

Internationale Aufmerksamkeit erlangte das Quartett im Sommer 2021, als es als jüngstes Ensemble den zweiten Preis (bei Nichtvergabe eines ersten Preises) und den begehrten Publikumspreis beim renommierten internationalen Streichquartett-Wettbewerb Premio Paolo Borciani gewann.

Neben dem Studium der Kammermusik bei Heime Müller (Artemis Quartett) an der Musikhochschule Lübeck studiert das Quartett seit 2020 bei Günter Pichler (Primarius Alban Berg Quartett) am Kammermusikinstitut der Escuela Superior de Música Reina Sofía Madrid. Zu den namhaften Mentoren des Ensembles zählen Eckart Runge und Gregor Sigl (Artemis Quartett) sowie der Pianist Alfred Brendel, mit dem das Leonkoro Quartett eine regelmäßige Zusammenarbeit pflegt.

Im Herbst 2023 erschien bei Mirare das erste Album des Ensembles mit Maurice Ravels Streichquartett und Robert Schumanns Streichquartett op. 41, Nr. 3.

Die Saison 2023/2024 ist voller großartiger Debüts, unter anderem in der Berliner Philharmonie, der Kölner Philharmonie, im Flagey Brüssel, dem Concertgebouw Amsterdam, dem Konzerthaus Wien. Das Leonkoro Quartett wird bei Festivals wie dem Rheingau Musik Festival, der Streichquartett-Biennale Paris und dem Heidelberger Frühling auftreten und seine Residenz in Leeds fortsetzen.

Das Leonkoro Quartett ist Pirastro-Artist und Henle App Ambassador.

 

Die Musikerinnen und Musiker

Amelie Wallner wurde in München geboren und erhielt im Alter von vier Jahren ihren ersten Violinunterricht. Sie ist mehrfache Preisträgerin des Wettbewerbs „Jugend musiziert“ und trat als Mitglied und Konzertmeisterin des Bundesjugendorchesters in vielen verschiedenen Ländern auf. Zu ihren Lehrern gehören Harald Christian, Prof. Petru Munteanu, Prof. Mo Yi und Prof. Nora Chastain an der Universität der Künste Berlin, bei der sie sich derzeit im Bachelorstudium befindet. Weitere kammermusikalische Impulse erfuhr sie unter anderem von Eberhard Feltz, Ernö Sebestyen, Anthea Kreston, Tim Vogler und Konstantin Heidrich. 2019 wurde sie mit ihrem einem Streichsextett beim Kammermusikwettbewerb der Alice-Samter-Stiftung mit dem ersten Preis ausgezeichnet. Amelie spielt regelmäßig in Sinfonie- und Kammerorchestern, wie dem Sinfonieorchester Liechtenstein, dem Ensemble Esperanza und der Kammerakademie Potsdam.

Amelie Wallner spielt eine Geige von Vicenzo Postiglione, die ihr großzügierweise von einer Privatperson zur Verfügung gestellt wird.

Jonathan Schwarz, geboren 1996 in Lübeck, erhielt seinen ersten Geigenunterricht bei Vladislav Goldfeld bevor er 2009 seine Ausbildung als Jungstudent an der Musikhochschule Lübeck in der Klasse von Heime Müller fortsetzte. 2015 nahm er das Studium an der Universität der Künste Berlin bei Nora Chastain auf, welches er bei ihr seit dem Frühjahr 2020 im Masterstudiengang fortführt.

Jonathan Schwarz sammelte früh Orchestererfahrung und war Konzertmeister als Mitglied des Bundesjugendorchesters und infolgedessen an CD-Produktionen bei der Deutschen Grammophon sowie an Rundfunkaufnahmen der deutschen Rundfunksender beteiligt. Weitere Orchestererfahrung sammelte er unter anderem im Festivalorchester des Pacific Music Festival, Eroica Berlin, Anima Eterna Brugge, der Kammerakademie Potsdam und insbesondere in den Jahren 2020 bis 2022 als Mitglied der Karajan-Akademie bei den Berliner Philharmonikern.

Jonathan Schwarz ist Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und spielt eine Geige von Giovanni Battista Guadagnini, die ihm freundlicherweise von der Beare’s International Violin Society zur Verfügung gestellt wird.

Die japanisch-niederländische Bratscherin Mayu Konoe wurde 1997 in Amsterdam geboren. Ihre erste Ausbildung erhielt sie an der Sweelinck Academy des Konservatoriums Amsterdam in der Klasse von Coosje Wijzenbeek. 2016 nahm sie ihr Studium an der Universität der Künste Berlin bei Mark Gothóni auf und seit 2022 studiert sie in der Violaklasse von Walter Küssner an der Hochschule für Musik Hanns Eisler.

Mayu sammelte schon in jungen Jahren Erfahrung in der Kammermusik. So spielte sie bereits im Alter von 9 Jahren mit ihrem Quartetto Piccolo im Concertgebouw Amsterdam und bildete zudem ein Duo mit ihrem Zwillingsbruder Takehiro Konoe. Weitere KammermusikpartnerInnen waren u.a. Menahem Pressler, Lucas Jussen, Lars Anders Tomter und Noa Wildschut.

Sie war Mitglied des Ensembles Esperanza und sammelte zusätzliche Orchestererfahrung als Aushilfe bei der Kammerakademie Potsdam und den Berliner Philharmonikern. Mayu Konoe spielt eine Viola aus privatem Besitz.

Im Alter von zehn Jahren wurde der 1998 geborene Cellist Lukas Schwarz Jungstudent an der Musikhochschule Lübeck in der Klasse von Prof. Troels Svane. 2016 begann er sein Studium in der Klasse von Peter Bruns an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig, welches er im Frühjahr 2021 mit Höchstnote abschloss. Zurzeit führt er sein Studium im Master bei Prof. Bruns fort. Er besuchte Meisterkurse von David Geringas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Jens-Peter Maintz, Jan Vogler, Stephan Forck und anderen.
Bereits im jungen Alter konnte Lukas Schwarz mit Auszeichnungen auf sich aufmerksam machen. So erhielt er neben zahlreichen 1. Bundespreisen beim Jugendwettbewerb Jugend musiziert den 1. Preis beim Lions Jugend Musikpreis und einem 2. Preis beim 9. Internationalen Cellowettbewerb Antonio Janigro (Kroatien). Außerdem wurde ihm der NDR Kultur Förderpreis verliehen, verbunden mit einer Studioproduktion.
Als Mitglied des Bundesjugendorchesters unternahm er Tourneen im In- und Ausland und war an CD-Produktionen bei der Deutschen Grammophon sowie an Rundfunkaufnahmen der deutschen Rundfunksender beteiligt.
Weitere Orchester-Erfahrung sammelte er im Verbier Festival Music Camp Orchestra und als Mitglied des Kammerorchesters Eroica Berlin, des Orchester im Treppenhaus und bei der Jungen Norddeutschen Philharmonie.

Lukas Schwarz spielt ein Cello von Carlo Tononi, Venedig (ca. 1720), welches ihm von der Beare’s International Violin Society zur Verfügung gestellt wird.

Anton Webern (1883 – 1945)
Langsamer Satz für Streichquartett

Dimitri Schostakowich (1906 – 1975)
Streichquartett Nr. 3 in F-Dur
Allegretto
Moderato con moto
Allegro non troppo
Adagio
Moderato

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Streichquartett Nr. 1 in c-moll, op. 51/1
Allegro
Romanze. Poco adagio
Allegro molto moderato e comodo
Allegro

Für die standing ovations bedankte sich das Ensemble mit Entr´acte {minuet & trio} von Caroline Shaw.

Anton Webern, seit 1904 Schüler Arnold Schönbergs, schrieb seinen Langsamen Satz für Streichquartett im Jahr 1905. Obwohl zeitgenössische Kritiker Schönbergs Klasse als die “hohe Schule der Dissonanz” diffamierten und Weberns frühen Arbeiten “wilde Konfusion” vorwarfen, ahnten sie das Genie des jungen Komponisten doch bereits.

Während man Weberns langsamen Satz für Streichquartett damals als neuartig empfand, wird heute meist seine Nähe zu Brahms unterstrichen. Tatsächlich bewegt sich das einsätzige Stück an der Grenze zwischen früher Moderne und der Brahms-Tradition.

Dimitrij Schostakowitchs drittes Streichquartett wirkt fast heiter, wenn man den tragischen Hintergrund bedenkt, vor dem es entstand. Komponiert 1946, ein Jahr nach dem Sieg der Sowjetunion über Nazideutschland, hätte man hier eine Triumphpartitur erwarten können, wie sie der Komponist in seiner 9. Symphonie pflichtgemäß abgeliefert hatte, oder ein tragisches Fanal für die Opfer, wie er es erst viel später in seinem berühmten 8. Quartett komponieren sollte. Stattdessen „hat er hier seinem schweren und ernsten Humor freien Lauf gelassen, indem er den Schmerz über den Krieg in souveräne Kunst verwandelte, in einer fast mozartischen Mutation.“ (Pierre-Émile Barbier)

Johannes Brahms fühlte sich dem hohen Anspruch der Gattung Streichquartett erst nach 20jährigen Vorarbeiten gewachsen. Robert Schumann hatte zwar schon 1853 der Musikwelt Streichquartette des jungen Hamburgers angekündigt, die „verschleierte Sinfonien“ seien, doch der Komponist vernichtete diese wie alle anderen Jugendquartette. Insgesamt hat er nach eigenen Angaben 20 frühe Streichquartette zerstört, bevor er 1873 sein erstes Opus mit zwei Quartetten publizierte. Sein Freund Theodor Billroth meinte zu den Werken: „Sie enthalten sehr viel schönes in knapper Form; doch sind sie nicht nur technisch enorm schwer, sondern auch sonst nicht leichten Gehaltes.“ Der Biograph Heinrich Reimann berichtete, man habe „an Brahms‘ Quartetten häufig getadelt, dass er über das Maß dessen, was vier einzelne Instrumente an Kraft und Klangfülle leisten können, hinausgehe, dass er unverhältnismäßige Mittel aufwende, und doch nicht die beabsichtigte Wirkung erziele … Dafür bietet er reichen Lohn demjenigen, der ihm auf diesem beschwerlichen Wege gefolgt ist, sei er ausübender Künstler oder zuhörender Laie.“ Ludwig Finscher charakterisiert die vier Sätze mit «dramatisch zerklüftet» (Kopfsatz), «melancholisch» (Romanze in As-dur), «nachdenklich-versponnen» (Allegretto-Intermezzo in f-moll anstelle eines Scherzos) und «emotionale Hochspannung» (Finale). Vor allem der Kopfsatz des Quartetts ist das krasseste Beispiel einer solchen alle Grenzen überschreitenden Quartettmusik. Seine Maßlosigkeit in klanglicher wie affektiver Hinsicht macht ihn zu einem der erschütterndsten Bekenntnisse des Melancholikers Brahms, die wir besitzen.

Die Musiker

Roger Morelló Ros (*Katalonien 1993) ist ein engagierter, ausdrucksstarker und fantasievoller Cellist mit einer immensen Fähigkeit, sich mit anderen zu verbinden, was ihn zu einem Kommunikationskanal macht, der Schöpfer, Kreation und Publikum vereint. Er erschafft Erlebnisse, die seine Leidenschaft, Authentizität und Spontaneität ausstrahlen, die sowohl das Publikum als auch die Veranstalter aus ganz Europa ansprechen. So ist er beispielsweise in der Berliner Philharmonie und im Palau de la Música Catalana sowie in der von Antoni Gaudí erbauten Casa Milà in Barcelona aufgetreten, wo er in der Saison 2018/19 Residenzkünstler war.

Er hat über dreißig internationale Preise bzw. Förderungen erhalten, spielt oft als Solist mit Orchestern und gastierte inzwischen bei einer Reihe bedeutender Festivals (Verbier Festival, Euregio Musikfestival, MozArte Festival sowie dem Rheinhessen Musikfestival u.a.).

Vor kurzem veröffentlichte er sein Album The Voice of Casals (Ibs Classical – SWR), ein hommage an Pau Casals. Ein sorgfältiges und präzises Werk, welches gleichzeitig voller Leben und Emotion steckt. Seine Interpretation, so die Kritiker, bringt dabei gerade dieses Gleichgewicht zum Ausdruck.

Roger Morelló studierte zunächst in seiner Heimat bei David Blay und Damian Martínez, bevor er bevor er – unterstützt durch ein Deutschlandstipendium sowie die Humboldt- und die Güell-Stiftung – seine Ausbildung bei Maria Kliegel an der Kölner Musikhochschule fortsetzte, wo er seinen Master und sein Konzertexamen mit Auszeichnung erwarb.

Sein Wunsch, ein breiteres Publikum anzusprechen, resultierte 2022 in einer CD mit dem Titel Schumann goes Tango. Er war künstlerischer Leiter des Festivals Bach to Basics in Málaga, das aus 6 Cellisten, 6 Bach-Suiten und 6 Auftragskompositionen bestand. Mit seinen Interpretationen ist er häufig im spanischen Nationalradio, im katalanischen Rundfunk sowie beim WDR, beim SWR und in der BBC zu hören.

 

Anna Khomichko kommt aus einer belarussisch-ukrainischen Familie und ist im Norden Russlands aufgewachsen. Sie begann im Alter von vier Jahren mit dem Klavierspiel. Im Juni 2015 schloss sie ihr Studium an der russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau ab, wo sie Schülerin des renommierten russischen Professors Vladymyr Tropp war. Gleichzeitig hat sie ihren Bachelor-Abschluss an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar bei Professor Grigory Gruzman und danach ihren Master-Abschluss bei Professor Claudio Martinez Mehner an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln erworben.

​Kammermusik war schon immer ein besonderer Schwerpunkt in Annas Karriere. Zurzeit spielt sie im Duo zusammen mit dem katalanischen Cellisten Roger Morelló Ros. Das Duo konzentriert sich darauf, die Musik sowohl von weiblichen als auch von lebenden Komponisten und Komponistinnen populärer zu machen. In dieser Saison präsentieren sie ihr Programm „Liebesgeschichte“ mit Werken von J. Brahms, Clara und Robert Schumann und einem extra für das Duo geschriebenen und diesem auch gewidmeten Werk der katalanischen/amerikanischen Komponistin Elisenda Fábregas.

​Anna Khomichko ist Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe. Dazu zählen der 1. Preis beim Internationalen Musikfestival Valencia 2013 Music Award (Spanien, 2013), 1. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Citta di Pesaro“ (Italien, 2007), 1. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Theacher-Pupil“ (Moskau, 2003), 2. Preis beim Internationalen Anton-Rubinstein-Klavierwettbewerb (Düsseldorf, 2018), 2. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Musik ohne Grenzen“, 2. Preis beim Internationalen Zodiac-Musikwettbewerb (USA, 2019), 3. Preis beim Internationalen Musikwettbewerb Malta (Malta, 2013), 6. Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb Palma d’Oro und viele andere. Sie ist auch Preisträgerin und Gewinnerin von 11 Sonderpreisen des Münchner Klavierpodiums (München, 2013).

​Ihre Begeisterung für das Repertoire der Klassik hat sich in der Aufnahme ihrer Debüt-CD „Mozart and his Europe“ mit den Werken von W. A. Mozart, C. P. E. Bach, J. C. Bach und M. Clementi manifestiert. Die CD ist in Kooperation mit dem SWR – Südwestrundfunk aufgenommen worden und ist bei dem Label GENUIN erschienen. Das Album erhielt sehr positive Kritiken und wurde vom RONDO Magazin mit 5/5 Punkten bewertet sowie vom Schale Kultur-Blog als „ein beeindruckendes Debüt“ bezeichnet.

In Anerkennung ihrer Leistungen hat Anna Khomichko verschiedene Stipendien von unterschiedlichen Mäzenen und Organisationen erhalten; darunter befinden sich die Yehudi-Menuhin-Stiftung, die DOMS-Stiftung, die Anna-Ruths-Stiftung und die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien.

​Anna kommuniziert mit der jüngeren Generation in der Sprache, die diese am besten versteht – die der Onlinemedien. Deshalb hat Anna es sich zur Aufgabe gemacht, für ihre schnell wachsenden Blogs über klassische Musik auf YouTube und Instagram stets qualitativ hochwertige Inhalte zu produzieren. Sie möchte dabei ein Vorbild für eine junge weibliche Musikergeneration sein, zugleich aber nicht nur Teenager, sondern Menschen jeden Alters und jeder Herkunft inspirieren.

„Liebesgeschichte“

Clara Schumann (1819 – 1896)
Drei Romanzen für Violoncello und Klavier, Op. 22
Andante molto
Allegretto. Mit zartem Vortrage.
Leidenschaftlich schnell

Elisenda Fábregas (* 1955)
„Uphill“ (from Clara to Robert) für Violoncello und Klavier

Robert Schumann (1810 – 1856)
Fantasiestücke für Violoncello und Klavier, Op. 73
Zart und mit Ausdruck
Lebhaft leicht
Rasch und mit Feuer

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Sonate für Klavier und Violoncello Nr. 2 F-Dur, op. 99
Allegro vivace
Adagio affettuoso
Allegro passionato
Allegro molto 

 

Mit dem Liebestraum Nr. 3 von Franz Liszt bedankte sich das sympathische Duo bei seinem begeisterten Publikum..

Aufgrund krankheitsbedingter Ausfälle beider ursprünglich eingeplanter Interpreten musste das Programm kurzfristig – am Vorabend des Konzertabends – geändert werden. Das ursprünglich vorgesehene Programmblatt finden Sie unter „Downloads“ nun ausschließlich zu dokumentarischen Zwecken.

Nachholkonzert-Konzert vom 12. Februar

 

40 Singphonic Years – Gesänge, Lieder, Songs aus Folk, Pop und Jazz

Ein musikalisches Vergnügen ist garantiert, wenn die sechs charismatischen Herren die Bühne betreten und der ensembleeigene Pianist am Flügel Platz nimmt. Jeder Einzelne von Ihnen ein sängerischer Brillant, gemeinsam bilden sie ein einzigartiges Vokalensemble mit einem unverwechselbar bestechenden Sound – spontan, mitreißend und voller Energie.

„Mit diesen fünf wunderbaren Musikern auf internationalen Bühnen zu stehen und eine enorme Bandbreite an Ensemble-Literatur zu präsentieren, gehört für mich zu den schönsten Momenten meines Sängerlebens.“

Der Countertenor Johannes Euler ist seit 2014 Mitglied der Singphoniker und darüber hinaus als freiberuflicher Sänger tätig.

Er studierte bis 2016 Gesang an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover bei Ralf Popken. Ergänzt wurde sein Studium durch Meisterkurse bei Michael Chance (Countertenor), Evelyn Tubb (Sopran) und Maria Husmann (Schauspiel, zeitgenössische Musik).

Sein Operndebüt gab Johannes Euler 2013 in Georg Philipp Telemanns „Der aus der Löwengrube errettete Daniel“ am Theater Osnabrück. In einer Produktion der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover sang er im Frühjahr 2015 die Rolle des Oberon im Sommernachtstraum von Benjamin Britten. Im September 2016 gab er sein Debüt an der Staatsoper Berlin mit der Partie des Jörg Jannings in der Uraufführung der Oper „Comeback“ von Oscar Strasnoy.

Auch im Konzert-Fach ist Johannes Euler ein gefragter Solist – neben dem barocken Repertoire seines Fachs, wie z.B. den Kantaten und Oratorien von Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel gilt sein besonderes Interesse der modernen Musik – was sich durch inzwischen zahlreiche für ihn komponierte Uraufführungen bemerkbar macht.

Mit den Singphonikern hat er erfolgreiche CDs produziert und Konzertreisen ins europäische Ausland, sowie nach Taiwan und Japan unternommen.

„Die Singphoniker sind zu meiner musikalischen Familie geworden. Hier mit Gleichgesinnten die Grenzen des stimmlich Machbaren auszuloten, ohne Scheu vor Genre oder Epoche, bedeutet für mich die Erfüllung eines Lebenstraumes.“

Der Tenor Daniel Schreiber ist international ein gefragter Solist und Ensemblesänger. Herausragende stimmliche Fähigkeiten, gepaart mit musikalischem Einfühlungsvermögen, machen ihn zu einem gern gesehenen Gast bei den Rundfunkchören des SWR und des BR. Seine Leidenschaft gilt der Musik der Barockzeit. Bedeutende Stationen seiner künstlerischen Tätigkeit sind neben den Evangelistenpartien der großen Oratorien Johann Sebastian Bachs auch regelmäßige Auftritte mit dem Ensemble Stimmkunst im Rahmen der Reihe Bach:vokal in Stuttgart, Konzerte mit La Chapelle Rhénane sowie Projekte mit La Petite Bande.

Offenheit und Neugier prägen das musikalische Wirken des Tenors. Wichtige Impulse erhält er während des Studiums der Fächer Schulmusik und Gesang an der staatlichen Hochschule für Musik und darstellende Kunst von seinen Lehrern Prof. Bruce Abel und Prof. Francisco Araiza. Seine Vielseitigkeit und Stilsicherheit wird von Dirigenten wie Marcus Creed, Sigiswald Kuijken, Peter Dijkstra, Benoît Haller und Frieder Bernius geschätzt.

Das Singen im Chor- und Ensemble begleitet Daniel Schreiber seit frühester Kindheit. Wegweisende Weichen wurden im Chor des Max-Slevogt-Gymnasiums Landau, der evangelischen Jugendkantorei der Pfalz und dem Hochschulvokalensemble Circus Musicus in Stuttgart gestellt. Seit 2009 singt Daniel Schreiber bei dem renommierten Vokalensemble Die Singphoniker

„Diese Chance bekommt man nur einmal im Leben – als Pianist ein Teil der Singphoniker zu sein und die Sänger unterstützend begleiten zu dürfen. Ganz Besonders, weil die Singphoniker das einzige Ensemble dieser Formation sind, die ihren eigenen Pianisten haben.“

Kammermusik ist sein Metier. Speziell im Klavier-Trio und bei Liederabenden fühlt sich der Pianist Berno Scharpf beheimatet.

Als Pianist im Vokalensemble Die Singphoniker reist er seit 1990 durch Europa, die USA, Afrika und Asien.

Er unterrichtet am Gymnasium Klavier, Orgel und Violine, sowie Kammermusik und dient Studenten und Schülern als Korrepetitor bei Prüfungen.

Bereits als Schüler hat der Pianist reichlich Gelegenheit, in Veranstaltungen solistisch wie auch kammermusikalisch aufzutreten. Nach dem Abitur studiert er Klavier bei Maria Landes-Hindemith, während des Schulmusik-Studiums an der Musikhochschule München bei Erik Then-Bergh und Rolf Koenen.

„Mitglied bei den Singphonikern zu sein ist für mich die Erfüllung eines Traumes. Ich bin sehr glücklich über die Möglichkeit mit so hochkarätigen und gleichzeitig so netten Kollegen arbeiten, singen und Erfahrungen sammeln zu dürfen. Die wörtliche Bedeutung der Bezeichnung „Ensemble“ ist hier Programm: ein gemeinsames Erarbeiten von Repertoire, um es dann als Einheit auf die Bühne zu bringen – ohne dabei die charakteristischen Eigenheiten der einzelnen Sänger zu verstecken.“

Seine Leidenschaft für das Singen entdeckte der Bass Florian Drexel in Kindheit und Jugend in erster Linie als Chorsänger, und so spielt der Ensemblegesang nach wie vor eine zentrale Rolle in seinem Schaffen;
schon während seines Studiums war er Mitglied diverser Profi-Ensembles in und um München und ist seit 2017 Teil des Konzertchores des Bayerischen Rundfunks.

Er studierte Gesang an der Hochschule für Musik und Theater München und erlangte Diplom- und Masterabschlüsse in Konzertgesang, Liedgestaltung und Gesangspädagogik.

Auf der Opernbühne war Florian bisher u.a. als Melisso in Händels „Alcina“, Bartolo in Mozarts „le nozze di Figaro“ und Kalchas in Offenbachs „die schöne Helena“ zu erleben.
Auch im Konzertrepertoire fühlt er sich zuhause und soliert regelmäßig in Messen sowie großen Vokalwerken.

Florian Drexel ist Leiter des Münchner Chores „Vollton“ und seit 2020 stolzes Mitglied der Singphoniker.

Marlo Honselmann ist seit 2022 Mitglied bei den Singphonikern.

Davor war er zwei Spielzeiten als Solist im internationalen Opernstudio am Staatstheater Nürnberg engagiert, wo er Rollen seines Fachs unter anderem in den Opern Carmen, Peter Grimes und L’Orfeo verkörperte und mit J. Mallwitz, G. Rumstadt und L. de Veer zusammenarbeitete. Sein Operndebüt gab er 2018 am Theater Fürth als Mordax in der Oper Scherz, Satire, Ironie und tiefere Bedeutung von D. Glanert.

Seit dem Studienjahr 22/23 ist er Lehrbeauftragter für besondere Aufgaben an der Universität Augsburg. Zuvor war er zwei Jahre Gesangslehrer an der BFSM Plattling.

Er studierte Gesangspädagogik bei Prof. Schmidt- Timmermann und Doppelfach Schulmusik mit Hauptfach Klavier in Regensburg, in Nürnberg schloss sich ein künstlerischer Master in Gesang bei Prof. Hammar an. Die Qualifikation zum nebenberuflichen Kirchenmusiker rundet seine Ausbildung ab.

Bereits während seiner Studienzeit war er als Solist insbesondere im Oratorienfach gefragt. Den Grundstein legten solistische Verpflichtungen während seiner Mitgliedschaft in der Audi Jugendchorakademie unter der Leitung von Prof. Steidler. So konnte er früh wichtige chorische und solistische Erfahrungen z.B unter K. Nagano, zusammen mit Akamus Berlin, bei der Eröffnung der Elbphilharmonie Hamburg oder im Maison Symphonique de Montréal sammeln.

Sein Repertoire besteht aus allen gängigen Oratorienpartien seines Fachs, Liedern und ausgewählten Opernpartien.

Er ist außerdem Mitglied im Vokalensemble StimmGold.

„Unsere lebendige Neugier motiviert uns zu immer neuen Höchstleistungen, mit dem Ziel, unser Publikum charmant zu unterhalten. In nunmehr acht Jahren als Mitglied der Singphoniker sind mir Routine und Langeweile ein Fremdwort. Engagement, beste Unterhaltung und Originalität – dafür stehen die Singphoniker.“

Seine erste musikalische Ausbildung erhielt der Tenor Henning Jensen im Knabenchor collegium iuvenum Stuttgart. Noch während des Studiums der Fächer Gesang und Lied bei Prof. Bernhard Jaeger-Böhm und Prof. Cornelis Witthoefft wurde er Anfang 2009 festes Mitglied des renommierten Vokalensembles Die Singphoniker, und konnte zu diesem Zeitpunkt bereits auf eine rege Konzerttätigkeit als Solist und im Ensemble im In- und Ausland zurückblicken. Als ständiger Gast bei den herausragendsten europäischen Chören und Vokalensembles, wie dem Kammerchor Stuttgart oder den Rundfunkchören des SWR und BR, ist die Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Mariss Jansons, Andris Nelsons, Riccardo Muti, Marcus Creed oder Frieder Bernius eine Bereicherung seines musikalischen Werdegangs. Zahlreiche CD-Einspielungen belegen seine große Bandbreite und die Vielseitigkeit seiner Arbeit.

Comedian Harmonists – Ouvertüre zu Wilhelm Tell

Trad./ Arr.: Ludwig Thomas (*1957) – O Tannenbaum / O Christmas Tree

Thomas Weelkes (1576-1623) – Hark, all ye lovely saints above

Max Beckschäfer (*1952) – Il fé degli occhi porta

Hans Schanderl (*1960) – Whispers of heavenly death

Franz Schubert (1797-1828) – Sehnsucht

Simon & Garfunkel – Cecilia

Friedrich Silcher (1789-1860) – Loreley

Pharell Williams (*1963)/ Ludwig Thomas (*1957) – Happy

– Pause –

Comedian Harmonists – Ouvertüre zu Barbier von Sevilla

Orlando di Lasso (1532-1594) – Nasen-Madrigal

Billy Joel (*1949) – Honesty

Volkslied Giesinger Mond

Javier Busto Sagrado (*1949) – Ave Maria

Comedian Harmonists – Night and Day

Martin Carbow (*1965) – Christmas Song

M/T: J. Styne, T: S. Cahn – Let it snow

Johnny Marks (1909-1985) – Rudolph, the red-nosed reindeer  

In den 40 Jahren ihres Bestehens sind die Singphoniker – in ihrer aktuellen, jungen Besetzung – keinen Tag älter geworden! Seit vier Jahrzehnten setzt das wohl renommierteste deutsche Vokalensemble Maßstäbe und startet mit frischer Energie, voller Tatendrang und vielen neuen Projekten in die fünfte Dekade.

Das Geburtstags-Programm präsentiert die Glanzstücke des singphonischen Repertoires: von Lasso über Schubert und die Romantik hin zu Orff, aber auch Jazz und Pop – und natürlich die Comedian Harmonists, mit denen alles begann! Freuen Sie sich auf eine Gala mit dem Besten aus 40 Jahren!

Die Legende des Flöte spielenden Satyrs Marsyas handelt von Leidenschaft, Mut, Talent, grausamer Rache und einem musikalischen Duell..

Auch die vier Musikerinnen von Marsyas Baroque haben sich aus Anlass eines Wettstreits zusammengefunden: Ohne zuvor miteinander musiziert zu haben, entschlossen sie sich 2019 kurzerhand, beim Deutschen Musikwettbewerb des Jahres teilzunehmen – mit vollem Erfolg. Sie erhielten nicht nur ein Stipendium des Deutschen Musikrats, verbunden mit der Aufnahme in die BAKJK (Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler), und den Sonderpreis der Ensembleakademie Freiburg, sondern gewannen kurze Zeit später auch den 1. Preis des renommierten Biagio-Marini-Wettbewerbs in Neuburg an der Donau.

Schwerpunktmäßig spielt Marsyas Baroque virtuose Werke des 17. und 18. Jahrhunderts auf Originalklanginstrumenten in eigenen Arrangements und stellt diese zeitgenössischen Werken gegenüber. Ein besonderes Interesse des Ensembles liegt in der Entwicklung von Konzertprogrammen, die das Publikum auf verschiedenen Ebenen ansprechen: Neben interdisziplinären Konzertformaten, Kinder- und Familienkonzerten, Konzerten an außergewöhnlichen Orten und Dunkelkonzerten lädt Marsyas Baroque auch gerne musikalische Gäste ein, um mit ihnen einzigartige Programme zu erarbeiten.

Marsyas Baroque konzertiert regelmäßig auf nationalen und internationalen Bühnen. In den letzten drei Jahren haben Paula Pinn (Blockflöten), María Carrasco Gil (Barockvioline), Konstanze Waidosch (Barockcello) und Sara Johnson Huidobro (Cembalo) in über 40 Konzerten Publikum in ganz Deutschland erreicht und sie waren auf zahlreichen Festivals, etwa den Thüringer Bachwochen, dem Trigonale Festival oder dem Festival Winter in Schwetzingen zu erleben.

Die Musikerinnen

Die Musikerinnen

 

Paula Pinn wurde 1998 im westfälischen Münster geboren. Nach einem Jungstudium bei Jeremias Schwarzer und Maurice Steger an der Hochschule für Musik Nürnberg absolvierte sie ihr Bachelorstudium bei Dorothee Oberlinger an der Universität Mozarteum Salzburg. 2022 schloss ihr Masterstudium bei Michael Form an der Hochschule der Künste Bern erfolgreich ab.

​Musikalische Anregungen erhielt sie außerdem in Meisterkursen bei Erik Bosgraaf, Sabrina Frey, Shunske Sato, Mieneke van der Velden, Veronika Skuplik, Hille Perl, Jed Wentz, Lars Ulrik Mortensen und weiteren Alte-Musik-Spezialisten.

​Paula wurde mit einer Vielzahl von Preisen ausgezeichnet, u.a. als mehrfache 1. Bundespreisträgerin bei Jugend Musiziert, beim Moeck/SRP International Solo Recorder Competition, beim Deutschen Musikwettbewerb, mit dem 1. Preis des Biagio Marini Wettbewerbs, mit dem 1. Liebenberger Publikumspreis sowie mit dem GWK Förderpreis für Musik 2016. Die DKB-Stiftung verlieh ihr 2014 ein Stipendium und unterstützte sie durch zahlreiche Konzertauftritte. Sonderpreise wurden ihr u.a. von der Deutschen Stiftung Musikleben, von der Ensemble Akademie Freiburg, vom Bundesministerium für Familie, Senioren, Frauen und Jugend, vom Verband Deutscher Musikschulen sowie vom Verlag Neue Musik verliehen. Zuletzt wurde ihr Ensemble Marsyas Baroque mit einem Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs ausgezeichnet und in die BAKJK (Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler) aufgenommen.

​Ihre internationale Konzerttätigkeit führte sie u.a. nach Frankreich, Spanien, Italien, Belgien, Österreich, Deutschland, in die Schweiz, die Niederlande sowie nach Russland.

​Paula ist Stipendiatin der Werner Richard – Dr. Carl Dörken Stiftung, der Deutschen Stiftung Musikleben sowie der Studienstiftung des deutschen Volkes. (www.paulapinn.com)

 

Maria Carrasco Gil begann ihre musikalische Ausbildung im Alter von 8 Jahren in Tarazona, ihrer Heimatstadt. Am Conservatorio Superior de Música in Aragón studierte sie Bachelor KA Violine bei Juan Luis Gallego. Es folgte ein Pädagogik-Master an der Universität in Zaragoza. Sie erhielt Barockvioline-Unterricht bei Elsa Ferrer in Madrid, welche sie zum Alte Musik Studium außerhalb Spaniens motivierte. Seit 2015 studiert sie bei Veronika Skuplik an der Hochschule für Künste Bremen, Deutschland.

​Sie besuchte Meisterkurse bei Latica Honda-Rosenberg, Erez Offer, Haim Taub und Tabea Zimmermann, sowie Vera Martínez Mehner (Cuarteto Casals) und Aitor Hevia (Cuarteto Quiroga). Ihr Interesse für die Alte Musik führte sie mit dem Jeune Orchestre de l’Abbey zu verschiedenen Kursen nach Frankreich und zur Spezialisierung auf der Barockvioline hat sie an verschiedenen masterclasses mit Hiro Kurosaki, François Fernandez, Enrico Onofri, Shunske Sato und Rachel Podger teilgenommen.

​In 2019 gewinnt sie mit ihrem Ensemble Marsyas Baroque das Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs (Saison 2020-2022) und den Sonderpreis des Freiburger Barockorchesters sowie den ersten Preis des “XX Biagio-Marini-Wettbewerbs”. Mit dem Ensemble I Zefirelli gewinnt sie den Sonderpreis des West Deutschland Radios bei dem H. I. F. Biber Wettbewerb 2019. Im Jahr 2021 erhielt I Zefirelli den Bärenreiter-Preis beim Internationalen Händel-Wettbewerb und wurde in das Europäische Förderprogramm für junge Ensembles von Eeemerging+ aufgenommen.

​Sie machte Aufnahmen für NDR, WDR und Deutschlandradio sowohl als Solistin als auch mit kleinen Kammerensembles und trat bei Festivals wie der Oude Muziek in Utrecht, bei den Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, beim Musikfest Bremen oder der Trigonale in Österreich auf.

​Zurzeit konzertiert sie mit mehreren Kammermusik-Ensembles wie dem Bremer Barock Orchester, dem Ensemble Urgent Music (Veronika Skuplik), dem Ensemble Weser-Renaissance, der Akademie für Alte Musik Berlin oder Oltremontano u.a.

Neben ihrer Konzerttätigkeit, arbeitet sie als Geige Lehrerin an der Musikschule Cuxhaven. (www.mariacarrascogil.com)

 

 

Aufgewachsen in einem Geigen- und Lautenbauer-Haushalt im ländlichen Niederbayern wurde Konstanze Waidosch schon von Kindesbeinen an mit der Geschichte und den Geschichten alter Instrumente vertraut gemacht.

Geprägt und inspiriert von Viola de Hoog, Gaetano Nasillo, Job der Haar, Hille Perl und Mieneke van der Velden, spezialisierte sie sich auf historische Celli sowie Viola da Gamba an der Hochschule für Künste Bremen sowie am Conservatorium van Amsterdam.

Als Continuospielerin und Solistin experimentiert sie mit den Klangfarben der verschiedenen Bass- und Tenor-Instrumente, wie etwa dem Basse de Violon oder dem fünfsaitigen Violoncello Piccolo.

Als Mitglied und zu Gast bei Ensembles wie der Academia Montis Regalis, der Collegium Vocale Gent Academy, dem Amsterdam Baroque Orchestra, dem Händelfestspielorchester Halle, der Nieuwe Philharmonie Utrecht, dem Bremer Barockorchester, dem Göttinger Barockorchester, dem Barockwerk Hamburg, dem Elbipolis Barockorchetser Hamburg, dem Ensemble Tabatiére und Marsyas Baroque bewegt sie sich vielseitig zwischen dem Repertoire des frühen 17. Jahrhunderts und der Romantik. Auf internationalen Konzertbühnen und Festivals konzertierte sie unter anderen mit Musikern wie Dorothee Oberlinger, Christoph Prégardien, Rachel Podger, Ton Koopman, Pieter Wispelway, Michael Form und Shunske Sato.

Konstanze lebt derzeit in Bremen und absolviert dort ihr zweites Masterstudium der Viola da Gamba und Pädagogik bei Prof. Hille Perl. Neben ihrer Konzerttätigkeit unterrichtet sie Cello und ist regelmäßige Dozentin bei Lehrgängen für Alte Musik, Consort und Musiktheater für Kinder und Erwachsene am Jugendhof Vlotho, Schiermonnikoog, Burg Sternberg und der Burg Rothenfels. (www.konstanze-waidosch.de)

 

 

Die Cembalistin und Organistin Sara Johnson Huidobro (1992, León – Spanien) konzertiert in ganz Europa. Als Solistin und Continuo-Spielerin trat sie im Rahmen renommierter Festivals auf, darunter die „Trigonale“ (Autria, 2018 – 2020), das ON-Festival für Zeitgenössische Musik in Köln (Deutschland, 2018) und das Festival für Alte Musik der Pyrenäen (Spanien, 2014). Darüber hinaus war sie von 2016 bis 2017 Mitglied des Barockorchesters der Europäischen Union.

​Johnson Huidobro erhielt Cembalounterricht bei Delia Manzano am Konservatorium von León. Ihren Bachelor absolvierte sie bei Silvia Márquez an der Musikhochschule von Aragón (Abschluss mit „Summa cum Laude“), ihren Master bei Prof. Carsten Lohff an der Hochschule für Künste Bremen, wo sie ein Orgelstudium bei Dr. Roland Dopfer anschloss. Bei ihm absolvierte sie auch ihren Orgelmaster an der „Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover“, wo sie zusätzlich Hammerklavierunterricht bei Prof. Zvi Meniker erhielt.

​Sie wurde mit mehreren Preisen und Sondernennungen ausgezeichnet, unter anderem mit dem zweiten Preis beim Nationalen Orgelwettbewerb „Francisco Salinas“ (Burgos, Spanien, 2019), dem zweiten Preis beim Internationalen Wettbewerb für Alte Musik „Maurizio Pratola“ (mit dem „Cancrizans Duo“, l’Aquila, Italien, 2017) und dem zweiten Preis beim „Torneo Internazionale di Musica“ (Turin, 2016).

​Sie musizierte unter der Leitung renommierter Musiker wie Lars Ulrik Mortensen, Alfredo Bernardini, Konrad Junghänel und Manfred Cordes, ferner mit Orchestern wie „L ‚Arte dei Suonatori“ (2019) und dem Barockorchester „Simón Bolívar“ aus Venezuela (2015).

​Mit “Weser Renaissance” (2021), dem „Kammerensemble Konsonanz“ (2018 mit dem internationalen Trompetisten Fabio Brum; 2017 mit Solisten des Simón Bolívar Orchesters von Venezuela), mit demselben Ensemble und renommierten Solisten des Simón Bolívar Orchesters von Venezuela und mit dem Bremer Barock Consort (2018, unter der Leitung von Manfred Cordes) spielte sie Tonträger ein (www.sarajohnsonhuidobro.com).

I. Bach in de Light

Triosonate in G-Dur (BWV 1039)
Largo – Vivace

Sonata in G-Dur (BWV 1019)
Adagio

Schmücke dich, o liebe Seele (BWV 654)

Ouvertüre nach französischer Art (BWV 831)
Echo

Fuge nach einem Thema von Corelli (BWV 579)

Concerto in D-Dur (nach BWV 1032)
Vivace – Largo e dolce – Allegro

– Pause –

II. Bach in the Dark

*** ^Intro ***

Triosonate in G-Dur (BWV 1039)
Adagio e piano – Presto

*** ^{Überraschung} ***

Contrapunctus (aus Kunst der Fuge, BWV 1080)
Largo – Vivace

Pasticcio-Suite mit Sätzen aus Solowerken

*** ^{Überraschung} ***

Canon (aus Musikalisches Opfer, BWV 1079)
Largo – Vivace

Hatte Johann Sebastian Bach einmal besonders großen Bedarf an Musik, komponierte er nicht nur neue Werke, sondern griff auch auf schon vorhandenes Repertoire zurück, das er kunstvoll für neue Besetzungen umarbeitete. Die Musik wurde häufig also anlassgebunden, ausgehend von Instrumentarium und Musikern in Form gesetzt.

In diesem Konzert setzt sich Marsyas Baroque mit einer persönlichen Kombination aus originalen und transkribierten Werken des Thomaskantors auseinander. Populäres sowie unbekannteres Repertoire erscheint hier in neuem Licht und lädt durch eine große Bandbreite an Klangfarben zu einem besonderen Hörerlebnis ein.

Die erste Hälfte Bach in deLight findet im üblichen Konzertformat statt. Als Kontrapunkt dazu wird das Publikum in der zweiten Hälfte Bach in the Dark zu einem ganz neuen Hörerlebnis eingeladen: Bach in völliger Dunkelheit – erreicht durch größtmögliche Raumverdunklung – verändert die Wahrnehmung jedes Einzelnen. Ohne visuelle Ablenkung geht die Musik in der Dunkelheit auf Wanderschaft. Bachs komplexe Fugen, beschwingte Tänze, klagende Melodien und virtuosen Sonatensätze können so in ganz anderer Dimension und Präsenz gehört und erlebt werden.

„Eine lebenslange Reise“

Eine musikalische Reise in unbekannte Welten! Mit einem besonderen Symphonie-Konzert des Kölner Kammerorchesters „Altera pars“ erklingen wiederentdeckte Werke europäischer Komponisten aus ukrainischen Archiven.

Die Musiker des Ensembles für Alte Musik „Altera Pars“ (zu Deutsch: Andere Seite) kommen aus Deutschland, Holland, Spanien, USA, Japan, Österreich, Russland und Ungarn und sind nicht nur führende Solisten europäischer Orchester auf historischen Instrumenten, sondern auch musikwissenschaftlich tätig. Das Credo des Ensembles ist die Erforschung und Aufführung verlorener oder vergessener Werke von Komponisten des 18. – 19. Jahrhunderts.

Entsprechend findet viel Vorarbeit in Archiven und Manuskriptstudium statt. In den vier Jahren seit seiner Gründung hat das Ensemble bereits 2 CDs mit Ersteinspielungen produziert, eine viel gelobte Konzertreihe im Oldenburger Schloss initiiert und zahlreiche Konzerte u.a. beim renommierten Festival in Estland, Österreich, den Niederlanden und Deutschland gegeben. Seit 2020 ist der Hauptsitz des Ensembles in Köln.

Sebastian George (ca.1740 – 1796)
Sinfonie in F-Dur für 2 fl, 2 cor, str (Moskau, ca. 1775)

 

Sebastian George
Sinfonia concertante in D-Dur für 2 Violino principali, 2 Fl oblig, Violoncello, Alto Obligati und Orchester (Moskau, ca 1775)

Quartett  für Flöte, Violine, Violoncello und Bass in B-Dur (Moskau, ca 1770)

Streichquartett in d-moll (Moskau, ca 1770)

Arnošt Vančura (1750 – 1802)
„Ukrainische“ Sinfonie in C-Dur, op 1 Nr. 1
Rekonstruktion von der erste Version 1784. (Moscau-St.Petersburg)

Der in Mainz geborene Sebastian George (ca.1740 – 1796) übersiedelte ca. 1766 nach Moskau. In den frühen 1770er Jahren verbanden ihn seine Aufgaben als Kapellmeister mit der Moskauer Universität und den Privatkapellen der Sheremetevs und Razumovskys. Er betätigte sich auch als Kaufmann und leitete 1776-79 in St. Petersburg ein Musikgeschäft, das Noten, verschiedene Musikinstrumente und … Wein verkaufte! 1783 verließ die Familie Georges Russland; der genaue Weg ihrer Reise ist nicht bekannt, aber 1790 war die Tochter des Komponisten in Karlsruhe und hat dort Glasharmonika-Spiel bei Kapellmeister Schmittbaur gelernt.

Für die Wiederentdeckung der Musik von George war es ganz wesentlich, dass Larisa Ivchenko, die Leiterin der Musikabteilung der Wernadskyi-Nationalbibliotek der Ukraine in Kiew,  im Rahmen ihrer wissenschaftlichen Arbeiten einen Katalog der Sammlung des Grafen Razumovsky veröffentlichte. Dieser Katalog listet zwar insgesamt zehn George-Sinfonien für verschiedene Orchesterbesetzungen auf. Doch nur noch zwei davon wurden im Bibliotheksbestand in Form von handschriftlichen Orchesterstimmen gefunden. Beide Sinfonien sprechen von der Meisterschaft des Komponisten in der klassischen Orchestrierung, einem brillanten Verständnis dafür, wie und warum man Orchestermusik komponiert.

Außerdem konnten die Manuskripte einer Konzertsinfonie für 6 Soloinstrumente und Orchester sowie ein Streichquartett, ein Quartett (Fl, Vl, Vc, Bass) und ein Quintett (2 Fl, 2 Vl, Bass) gerettet werden.

Das Programm des Konzerts umfasst gleich 4 Werke des Komponisten. Voller Anmut und Schwung steht die Orchestersinfonie in F-Dur stilistisch nah an Haydns Sinfonien, folgt jedoch der dreiteiligen italienischen Zyklusstruktur ohne Menuett. Ein Merkmal der Orchestrierung sind die kontrastierenden Soli zweier Flöten im Echo mit dem Tutti des Orchesters. Vermutlich wurde die Symphonie für die Feierlichkeiten der Moskauer Universität geschrieben und konnte von deren Studenten aufgeführt werden, zumal der Unterricht der Traversflöte bei den Studenten besonders beliebt war. Teilweise gilt dies auch für die Konzertsinfonie in D-Dur für sechs Solisten: zwei Flöten, zwei Violinen, Bratsche und Cello, begleitet von Streichern und zwei Hörnern ad libitum. Ihre Form ist etwas untypisch – die Sätze werden ohne Unterbrechung aufgeführt und gehen ineinander über.

Das umfangreiche Kammermusikerbe von George wird im Konzert durch zwei Quartette repräsentiert. Das Streichquartett ist in dramatischem d-moll geschrieben und steht stilistisch dem Sturm und Drang nahe; sein langsamer Teil erinnert an C.P.E. Bachs Streichersinfonien und nimmt teilweise Schuberts Stil vorweg. Das zweite Quartett wurde für eine originelle Instrumentenbesetzung geschrieben – Flöte, Violine, obligates Solocello und Bass. Dieses Werk entstand wahrscheinlich im Auftrag eines Moskauer Cellisten, dem aus Wien stammenden Michail Ekkel. Die Freiheit der Melodielinien der Soloinstrumente kann nur Bewunderung hervorrufen.

Der zweite Komponist unseres Konzerts, der böhmische Baron Arnošt Vančura bzw. Ernst Wanzhura (ca.1750 – 1802), war mit George persönlich bekannt, sein Schicksal als Komponist war jedoch ein anderes. Wanzura interessierte sich schon in jungen Jahren für Musik und hat wahrscheinlich autodidaktisch Klavierspiel gelernt. Er lernte an einem tschechischen Kollegium, wo Musik schon immer als angesehenes und notwendiges Fach galt. Nachdem Wanzhura zum Korporal der österreichischen Armee aufgestiegen war, beschloss er sich zurückzuziehen und sich dem Musiktheater zu widmen. 1779 kam er dank der Protektion von Graf Semyon Zorich, eines Günstlings Katharinas II., nach Russland und wurde Direktor dessen Privattheaters in Schklov. Dort wurde selbst die Kaiserin 1780 auf Wanzhura aufmerksam und der Musiker machte eine schwindelerregende Karriere am Hof ​​und wurde Unterdirektor der Direktion des kaiserlichen Theaters. Jacob von Staehlin bezeichnete ihn 1782 als einen Mann mit „außergewöhnlichen Talenten in Musik und Theater“. Wanzhura komponierte viel: u.a. erhielt er 1787 den Auftrag für die fabelhafte Oper „Akhrideich“ nach dem Libretto von Katharina selbst.

Er interessierte sich aber auch für Instrumentalmusik. So schrieb er mindestens 6 Sinfonien. Drei davon wurden 1798 als „Nationalsinfonien“ mit russischen, ukrainischen und polnischen Liedern veröffentlicht. Später überarbeitete, aktualisierte und orchestrierte Wanzhura seine Sinfonien wiederholt. Es ist uns gelungen, eine frühe Version der ukrainischen Sinfonie zu finden und ihre ursprüngliche Orchestrierung zu rekonstruieren. Eine frühe Version im Klavierauszug wurde von Wanzhura selbst im sogenannten „Journal de Clavecin“ (einer vom Komponisten selbst herausgegebenen Monatszeitschrift, die ebenfalls in der Nationalbibliothek der Ukraine aufbewahrt wird) veröffentlicht. Die ursprüngliche Orchestrierung des ersten Satzes wurde bekannt durch die Ouvertüre zur berühmten russischen komischen Oper „Heiratsvermittler“; der zweite und dritte Teil wurde nach der Fassung von 1798 und dem Klavierauszug des Autors rekonstruiert. In der Sinfonie verwendet und bearbeitet Wanzhura originale Volkslieder. Seine Liebe zu diesen ist in seinem kompletten Oeuvre erkennbar.

Wanzhura war einer der exzentrischsten Musiker der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Sein Werdegang – vom Offizier im österreichischen Bundesheer bis in den engeren Kreis von Kaiserin Katharina II. Der ursprünglich böhmische Wanzhura war musikalisch begabt und zeigte sich als nicht trivialer Komponist. Zu unserem großen Bedauern verschwanden viele seiner Kompositionen spurlos, und diejenigen, die überlebten, erforderten besonders sorgfältige Arbeit, um die Originalpartituren wiederherzustellen. Als bemerkenswert in seiner Musik gilt die breite Verwendung von Original-Volksliedern. Sie begegnen sich im Zyklus der Nationalsymphonien. Wanzhura gelang es Ende des 18. Jahrhunderts russische, ukrainische und polnische Volksliedelemente im Rahmen dreier klassischer Symphonien organisch zu verbinden.

Seine „Ukrainische Symphonie“ wurde 1790 von Wanzhura auch in Form eines Klavierauszugs veröffentlicht, aber er kündigte ihre Veröffentlichung bereits 1785 an. Das Orchestermaterial der frühen Fassung ist nicht erhalten, aber der erste Teil der Sinfonie ist in der ursprünglichen Bearbeitung und mit der Originalmusik in Form der Ouvertüre zu Oper „Der Müller – der Zauberer, der Betrüger und der Heiratsvermittler“ überliefert. Dadurch wurde die Restaurierung des ersten Teils vereinfacht und die Rekonstruktion des zweiten und dritten Teils wurde auf der Grundlage aller vorhandenen Quellen durchgeführt. Die Symphonie basiert stark auf ukrainischer Volksmusik so, dass sie als ein Meilenstein in der Geschichte der ukrainischen Klassischen Musik gilt.

1983 wurde das gesamte Werk der „Nationalen Symphonien“ in Kiew veröffentlicht und 1985 vom Dirigenten Nikonenko auf einer Schallplatte aufgenommen. Die Nationalen Symphonien wurden jedoch nie auf historischen Instrumenten gespielt. Mit Ausnahme der „Pratum Integrum“-Aufnahme einer frühen Version der Russischen Symphonie. Für unser Projekt haben wir die Partitur der „Polnischen Symphonie“ und „Ukrainischen Symphonie“ neu erstellt, so wie sie den modernen Anforderungen an die Veröffentlichung von Originalmusiktexten entspricht, und versucht, alle Merkmale von Wanzhuras Notation und Orchestrierung sorgfältig zu bewahren.

Fünf Werke in diesem Programm – nur ein kleiner Ausschnitt all des Wertvollen, was in den letzten Jahren entdeckt wurde. Daher hoffen wir sehr, dass das Interesse am Erbe emigrierter Komponisten auch in Zukunft nicht nachlässt und wir neue Orchester- und Kammerkompositionen wiederbeleben können.

(Pavel Serbin)

Konstanze Jarczyk entlockt ihrer Harfe unglaubliche Emotionen. Mit so viel Hingabe haben viele die als Soloinstrument so oft unterschätzte Harfe ganz sicher noch nie gehört…“ So schrieben die „Badischen Neuesten Nachrichten“  aus Karlsruhe zum Auftakt ihrer Deutschlandtournee mit Heribert Beissel und seiner Klassischen Philharmonie Bonn.

Konstanze Jarczyk erhielt ihre Ausbildung an der Musikhochschule Köln bei Teresa Rieu, Han An Liu und bei Susan McDonald, USA. 15 Jahre lang war sie regelmäßiger Gast im WDR-Sinfonieorchester und spielte unter Dirigenten wie Semyon Bychkov, Günther Wand und Eliahu Inbal. Dort wirkte sie bei Funk- und Fernsehproduktionen sowie bei Konzerten, u.a. in der Carnegie Hall (New York), im Musikvereinssaal (Wien) und der Kölner Philharmonie mit.

Ihre Karriere kennzeichnen zahlreiche Solo-Auftritte, u.a. im Konzerthaus Berlin, in der Laeiszhalle Hamburg, in der Kölner Philharmonie und in großen deutschen und europäischen Kirchen, wie Sankt Michaelis in Hamburg, der Thomaskirche Leipzig, der Abteikirche von Amorbach, der Kathedrale von Barcelona, Saint Sauveur in Aix en Provence und im Kölner Dom. Mit der Klassischen Philharmonie Bonn absolvierte sie eine von der Presse gefeierte Solotournee auf den großen Bühnen Deutschlands, 2016 spielte sie ihr Solodebüt im Maison de l´asie du Sud-Est in Paris.

Auch die Kammermusik und die Zusammenarbeit mit Chören nehmen einen wichtigen Platz im Schaffen Konstanze Jarczyks ein. Dazu gehören Produktionen mit dem ZDF, MDR, BR, WDR und dem Deutschlandfunk. Viele Jahre spielte sie im Duo mit dem Pianisten, Cembalisten und Organisten Stefan Horz, u.a. in der Münchner Residenz, beim Beethovenfest 2015 (Livemitschnitt des WDR), im Altenberger Dom und zum wiederholten Male das Neujahrskonzert der Stadt Leverkusen.

Sie ist Mitglied des Ensembles BOIS DE COLOGNE, das sich auf Alte Musik spezialisiert hat.

 

Heike Gorny, geboren in Leverkusen, erhielt im Alter von sieben Jahren ihren ersten Querflötenunterricht. Einige Zeit später übernahm Prof. Hans-Jürgen Möhring die flötistische Ausbildung. Von 1988 bis 1992 war sie Mitglied des Jugendsinfonieorchesters NRW. Das Studium bei Prof. Wolfgang Siggemann und Carin Levine an der Musikhochschule Detmold, Abt. Dortmund (Flöte und Instrumentalpädagogik) schloss sich an.
1996 Diplom Künstlerische Reifeprüfung 1998 Diplom Staatliche Prüfung für Musikschullehrer und selbständige Musiklehrer Es folgten weiterführende Studien bei Prof. Michael Achilles, Prof. Peter-Lukas Graf und Prof. Konrad Hünteler. Im Jahr 2000 legte Heike Gorny das Konzertexamen an der Robert – Schumann – Musikhochschule in Düsseldorf ab.

Sie war Stipendiatin und Preisträgerin verschiedener Wettbewerbe. 1985 begann sie ihre solistische Tätigkeit mit Prof. Werner Kämmerling. Seitdem konzertiert Heike Gorny in unterschiedlichsten Besetzungen und bestreitet zahlreiche Duo- und Kammermusikabende u.a. mit Prof. Michael Schmoll, Prof. Paul Wißkirchen, Prof. Albert Richenhagen, Prof. Martin Schumann.

Konzertreisen im In-und Ausland führten Heike Gorny in die USA, Schweiz, Italien, Österreich, CSR, Irland, Türkei, Brasilien, Polen und Portugal.
Heike Gorny ist seit 1991 Dozentin für Querflöte an der Städtischen Musikschule Wipperfürth.

,,REIGEN SELIGER GEISTER“

Michael Amorosi
Zwei mittelalterliche Tänze
Molto Adagio
Allegro deciso

Anonymus
Lauda por Santa Maddalena & Alfonso Xll el Sabio
(für Harfe solo)

Anonymus
Greensleeves to a Ground
(um 1600)

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787)
Szene aus der Oper,,Orpheus‘,
Reigen seliger Geister

Émile Pessard (1843 – 1917)
Andalouse op. 20

Marin Marais (1656 – 1728)
Les Folies d’Espagne
für Flöte solo

Gaetano Donizetti (1797 – 1848)
Sonate für Flöte und Harfe
Larghetto – Allegro

– Pause –

Georges Bizet (1838 – 1875)
Entr’acte
(aus dem Vorspiel Dritter Akt ,,Carmen“)

Frédérick Chopin (1810 – 1849)
Variationen über ein Thema von Rossini

Barry McKimm (*1941)
,,Air“ aus dem Piccolo Concerto für FIöte und Harfe

Michio Miyagi (1894 – 1956)
Haru No Umi (The sea in spring)

Alphonse Hasselmans (1845 – 1912)
La Source op. 44 (Die Quelle) für Harfe solo

Camille Saint-Saens (1835 – 1921)
Fantasie op. 124

Jacques lbert (1890 – 1962)
Entr’acte

Mozarts Opern waren schon im 18. Jahrhundert nicht nur dem Adel vorbehalten, auch das Volk sang und pfiff Melodien seiner Werke auf den Straßen. Im 19. Jahrhundert kamen dann Bearbeitungen in Mode, die dem gebildeten Bürgertum ermöglichten, Ouvertüren auf dem Klavier zu vier Händen oder Symphonien mit kleinster Besetzung im häuslichen Kreis zu spielen.

Mozart hat die Klarinette sehr geschätzt und neben seinem Klarinettenkonzert und dem Klarinettenquintett 8 Serenaden für drei Bassetthörner komponiert (eine Klarinettenart, die in der historischen Aufführungspraxis oft zum Einsatz kommt). So liegt es nahe, Teile aus Mozarts Werken für diese Besetzung zu bearbeiten und aufzuführen.

Die ungarischen Tänze von Brahms sind ursprünglich für Klavier zu vier Händen geschrieben worden. Auch sie wurden in vielfältiger Weise bearbeitet – unter anderem für großes Orchester, für Violine und Klavier, für Klaviertrio und hier für zwei Klarinetten und Bassklarinette.

Die Uraufführung der „Rhapsody in Blue“ war am 12. Februar 1924 in New York. Angekündigt wurde das Konzert unter dem Titel An Experiment in Modern Music und Gershwin selbst spielte den Klavierpart. Dieses Werk verbindet erfolgreich Jazz, Blues und konzertante Symphonik. Seine Melodien sind mittlerweile weltberühmt.

Moon River ist ein 1961 von Johnny Mercer getextetes und von Henry Mancini komponiertes Lied für den Film „Frühstück bei Tiffany“, in dem es von Audrey Hepburn gesungen wird. Sie erhielten hierfür 1962 den Oscar für den besten Filmsong.

Dave Brubeck und sein Quartett hatten eine Vorliebe für ungerade Taktarten entwickelt, und Take Five mit seinem 5⁄4- oder Blue Rondo ala Turk mit einem 9⁄8-Takt sind Beispiele dafür. Neben dem Rhythmus lebt das Stück von der eingängigen Melodie des Saxophonisten Paul Desmond.

Libertango zeigt Piazzollas Entwicklung von der klassischen Tangomusik zum Tango Nuevo. Auch dieses Werk wurde vielfältig instrumentiert. Um nur einige zu nennen: der Cellist YoYo Ma veröffentlichte es in seinem Album „Soul of the Tango“. Im Jahr 2002 erschien Libertango als klassisches Crossover des australisch/britischen Streichquartetts BOND auf dessen zweitem Album „Shine“. 2017 nahm es die japanische Jazzpianistin Hiromi zusammen mit dem kolumbianischen Harfenisten Edma Castaneda in Montreal auf.

Die Klarinette war das Lieblingsinstrument von Wolfgang Amadeus Mozart. Der Meister schwärmte von ihrer wunderbar wandlungsfähigen Stimme. Überraschend vielseitig zeigt sich die Klarinette denn auch im Konzert des Klarinettentrios. Die breite Palette an Ausdrucksmöglichkeiten reicht von der Klassik über Jazz bis zu Klezmer-Musik.

Das Klarinettentrio Schmuck – mit Sayaka Schmuck, Johann-Peter Taferner sowie Kristóf Dömötör – findet in dieser außergewöhnlichen Kombination Klarinette/Bassetthorn/Bass-Klarinette besondere Beliebtheit.  Die Presse schreibt über das Trio von einem „absoluten Hochkaräter“ – das „Trio gehört zum Feinsten, was es auf diesem Gebiet gibt“. Nicht zuletzt durch Prätorius-Preisträgerin Sabine Meyer und ihrem Trio di Clarone ist diese Besetzung bekannt geworden, aber dennoch selten vorzufinden. Aufgrund der virtuosen Beherrschung ihrer Instrumente, verbunden mit inniger Liebe zur Kammermusik, verzaubern die drei preisgekrönten Musiker immer wieder ihr Publikum. Sprudelnde Spielfreude, magischer Dialog und homogenes Zusammenspiel treffen bei diesen Musikern aufeinander.

Das Programm des Trios reicht von Klassik über Jazz bis zur Moderne. Es ist mit rund 40 Konzerten im Jahr deutschlandweit präsent und die musikalischen Darbietungen werden durch eine informative und humorvolle Moderation ergänzt.

 

Sayaka Schmuck, geb. in Bad Waldsee, studierte an den Musikhochschulen Weimar bei Prof. Martin Spangenberg, Hannover bei Prof. Johannes Peitz und „Hanns Eisler“ Berlin bei Prof. Wenzel Fuchs. Sie ist Preisträgerin verschiedenster Wettbewerbe; u.a. gewann sie den „Concursul International de Muzica Jeunesses Musicales“ in Bukarest, erhielt im selben Jahr einen Preis bei den Internationalen Stockhausen-Meisterkursen und im Jahr 2000 den „Hans-Sikorski-Gedächtnispreis“ der „Deutschen Stiftung Musikleben“ für die Interpretation zeitgenössischer Musik. Nach Engagements im Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Cairo Symphony Orchestra, Staatsoper Hannover, Komische Oper Berlin, Sinfonieorchester Wuppertal war sie bis u.a. Solo-Es-Klarinettistin im Gewandhausorchester Leipzig und im NDR Hannover und spielt außerdem Aushilfe in renommierten Orchestern, wie Münchner Philharmoniker, Bayerische Staatsoper München, Gürzenich Orchester Köln, Bamberger Symphoniker, SWR Freiburg Baden-Baden u.v.m. Sie widmet sich in ihrer Freizeit dem Sport, der Natur und der Reiselust bei Radtouren und Wandern. www.sayakaschmuck.com.

Johann-Peter Taferner wurde in Hamburg geboren und musikalisch initial von seiner Mutter, einer Sängerin, geprägt. Sein Musikstudium absolvierte JPT bei Prof. Ralph Manno in Köln. Weitere klarinettistische Impulse erhielt er bei den Professoren Martin Spangenberg, Hans-Dietrich Klaus und Johannes Peitz. Das Studium der Kammermusik vertiefte er bei Renate Greiss-Armin, Georg Klütsch, Christian Wetzel, Robert Winn, Eberhard Feltz, Anthony Spiri und Roglit Ishay. JPT ist Vorstand und Solo-Klarinettist der Hamburger Camerata, Mitglied des Ensemble Obligat und Leiter des Bad Neuenahrer QuAHRtetts — ein auf Salonmusik spezialisiertes Ensemble mit eigener Konzertreihe am namensgebenden Ort. Verschiedenste Projekte als Solist und Kammermusiker führten ihn darüber hinaus mit namhaften Künstler*innen wie Martina Gedeck, Matthias Brandt, Hanns Zischler, Simone Young, Martin Stadtfeld, Joanna Kamenarska, Gustav Frielinghaus, Marianna Shirinyan, Kiveli Dörken, Harri Mäki und Helge Slaatto zusammen. Er wirkte als Solo-Klarinettist im Kölner Kammerorchester, dem Gürzenich Orchester sowie den Orchestern der Bühnen von Essen, Wuppertal, Solingen, Remscheid, Recklinghausen und Gelsenkirchen mit und arbeitete unter Dirigenten wie Lothar Zagrosek, Kristjan Järvi, Michael Sanderling, Stefan Soltesz, Simon Gaudenz, Helmut Müller-Brühl und Ralf Gothóni. Er folgte Einladungen in die USA, den Nahen Osten und quer durch Europa. In Deutschland war er unter anderem beim Rheingau Musik Festival, dem Hohenloher Musiksommer, den Ludwigsluster Schlosskonzerten und dem IMF Buxtehude zu hören. Regelmäßig konzertiert er in der Hamburger Elbphilharmonie.

Kristóf Dömötör studierte Klarinette an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln (Klasse Prof. Ralph Manno). Währenddessen widmete er sich ebendort der Saxofon-Kammermusik und nahm Unterricht bei Prof. Daniel Gauthier. Darauf folgte ein Jazz-Saxofon-Studium an der Folkwang Universität der Künste in Essen (Prof. Hugo Read und Prof. Matthias Nadolny). Als passionierter Lehrer an verschiedenen Musikschulen führte es ihn auch für einige Semester als Dozent an die Hochschule Arnheim. Bevor er 2020 Tenorsaxofonist im Musikkorps der Bundeswehr in Siegburg wurde, hatte er dieselbe Position in der Bigband der Polizei des Saarlandes inne. Er ist ein gern gesehener Solist/Gast in verschiedenen Orchestern. Mitwirkung u.a.: WDR-Funkhausorchester, Orchester der Bühnen von Recklinghausen/Gelsenkirchen, Wuppertal, Bochum, Dortmund, Essen, Hagen, Mönchengladbach, Münster, Osnabrück, Solingen/Remscheid, Bonn und Kassel sowie Palast Orchester (Max Raabe) und Kasalla. Seine größte Leidenschaft ist aber die Kammermusik. Dazu gehören folgende Ensembles: Sirocco Saxofon Quartett, Bad Neuenahrer QuAHRtett und das Klarinettentrio Schmuck. Neben verschieden Stipendien ist er einer der wenigen, die sowohl in der Klassik wie auch im Jazz Wettbewerbe gewinnen konnten.

„Von Klassik bis Jazz“

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
aus “Die Zauberflöte“ für 2 Klarinetten und Bassetthorn
Ouverture
Dies Bildnis ist bezaubernd schön
Das klinget so herrlich
Der Hölle Rache

Johannes Brahms (1833-1897)
Ungarische Tänze 1 & 5 für 2 Klarinetten und Bass-Klarinette

A. Mozart (1756-1791)
aus „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“ für 2 Klarinetten und Bassetthorn
Voi che sapete (Sagt, holde Frauen)
Là ci darem la mano (Reich mir die Hand mein Leben)

– Pause –

George Gershwin (1898-1937)
Rhapsody in Blue

Henry Mancini (1924-1994)
Moon River

Paul Desmond (1924-1977)
Take Five

Astor Piazzolla (1921-1992)
Libertango für 2 Klarinetten und Bass-Klarinette

Mozarts Opern waren schon im 18. Jahrhundert nicht nur dem Adel vorbehalten, auch das Volk sang und pfiff Melodien seiner Werke auf den Straßen. Im 19. Jahrhundert kamen dann Bearbeitungen in Mode, die dem gebildeten Bürgertum ermöglichten, Ouvertüren auf dem Klavier zu vier Händen oder Symphonien mit kleinster Besetzung im häuslichen Kreis zu spielen.

Mozart hat die Klarinette sehr geschätzt und neben seinem Klarinettenkonzert und dem Klarinettenquintett 8 Serenaden für drei Bassetthörner komponiert (eine Klarinettenart, die in der historischen Aufführungspraxis oft zum Einsatz kommt). So liegt es nahe, Teile aus Mozarts Werken für diese Besetzung zu bearbeiten und aufzuführen.

Die ungarischen Tänze von Brahms sind ursprünglich für Klavier zu vier Händen geschrieben worden. Auch sie wurden in vielfältiger Weise bearbeitet – unter anderem für großes Orchester, für Violine und Klavier, für Klaviertrio und hier für zwei Klarinetten und Bassklarinette.

Die Uraufführung der „Rhapsody in Blue“ war am 12. Februar 1924 in New York. Angekündigt wurde das Konzert unter dem Titel An Experiment in Modern Music und Gershwin selbst spielte den Klavierpart. Dieses Werk verbindet erfolgreich Jazz, Blues und konzertante Symphonik. Seine Melodien sind mittlerweile weltberühmt.

Moon River ist ein 1961 von Johnny Mercer getextetes und von Henry Mancini komponiertes Lied für den Film „Frühstück bei Tiffany“, in dem es von Audrey Hepburn gesungen wird. Sie erhielten hierfür 1962 den Oscar für den besten Filmsong.

Dave Brubeck und sein Quartett hatten eine Vorliebe für ungerade Taktarten entwickelt, und Take Five mit seinem 5⁄4- oder Blue Rondo ala Turk mit einem 9⁄8-Takt sind Beispiele dafür. Neben dem Rhythmus lebt das Stück von der eingängigen Melodie des Saxophonisten Paul Desmond.

Libertango zeigt Piazzollas Entwicklung von der klassischen Tangomusik zum Tango Nuevo. Auch dieses Werk wurde vielfältig instrumentiert. Um nur einige zu nennen: der Cellist YoYo Ma veröffentlichte es in seinem Album „Soul of the Tango“. Im Jahr 2002 erschien Libertango als klassisches Crossover des australisch/britischen Streichquartetts BOND auf dessen zweitem Album „Shine“. 2017 nahm es die japanische Jazzpianistin Hiromi zusammen mit dem kolumbianischen Harfenisten Edma Castaneda in Montreal auf.