Ins Blickfeld der internationalen Aufmerksamkeit gelangte Laurent Albrecht Breuninger zum ersten Mal 1997, als er beim renommierten ‚Concours Reine Elisabeth‘ den 2. Preis, den Prix Ysaÿe gewann und im selben Jahr für die Komposition seines ersten Streichquartetts den Kompositionspreis der Brandenburgischen Sommerkonzerte erhielt. Diese Auszeichnungen markieren den Höhepunkt einer langen Reihe von Preisen, die Breuninger zuvor in Brescia (1984), Belgrad (1986), Prag (1992), Wien (1992), Berlin und Montreal (1995) gewonnen hatte.

Als Solist debütierte Laurent Albrecht Breuninger im Alter von 12 Jahren mit dem Budapest Chamber Orchestra unter der Leitung von Vladimir Spivakov beim Musikfestival Tours. Seitdem konzertiert er als Solist regelmäßig mit Orchestern im In- und Ausland. In den letzten Jahren war er u.a. bei den Schwetzinger Festspielen,  Braunschweiger Classix, dem Bath International Music Festival, dem Kammermusik-Festival in Kuhmo/Finnland,  dem Kissinger Sommer, dem Schleswig-Holstein Musik Festival und dem Georges-Enesco-Festival in Bukarest zu hören.

Laurent Albrecht Breuninger ist deutsch-französischer Abstammung, studierte zunächst bei Thomas Füri in der Schweiz, später bei dem renommierten Violinpädagogen Josef Rissin in Karlsruhe. Dort hat Laurent Albrecht Breuninger seit 2003 selbst eine Professur inne.

Sibylle Mahni absolvierte ihr Studium bei Frau Professor Marie-Luise Neunecker an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt/Main und schloss dieses mit dem Konzertexamen ab.
Währenddessen war sie Stipendiatin bei der „Studienstiftung des Deutschen Volkes“ und der „Villa Musica“ und war Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe wie z.B. beim Internatinonalen Musikwettbewerb der ARD in München.

Von 1997 bis 2016 war sie als Solo-Hornistin im Frankfurter Opern-und Museumsorchester tätig. Nachdem sie neben ihrer Tätigkeit als Hornistin im Orchester schon als Lehrbeauftragte an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt/Main und als Professorin an den Hochschulen für Musik Mainz, Saarbrücken und Würzburg gelehrt hatte, wurde Sibylle Mahni zum Wintersemester 2020/21 als Professorin für Horn an die Hochschule für Musik Berlin „Hanns Eisler“ berufen und tritt damit die Nachfolge ihrer Lehrerin Prof.Marie-Luise Neunecker an dieser Stelle an.

Im Rahmen ihrer Lehrtätigkeit gab sie schon mehrfach Meisterkurse , so zum Beispiel beim Internationalen Hornsymposium in Kalamazoo/ Michigan, an der Jerusalem Music Academy, bei den Musiktagen Seefeld/ Tirol, bei der Villa musica, beim Forum artium u.a.

Sie trat als Solistin  mit einer Vielzahl bedeutender Orchester auf, wie dem SWR-Sinfonieorchester Stuttgart, den Münchener Sinfonikern, der Internationalen Bach Akademie Stuttgart, dem Württembergischen Kammerorchester und der Britten Sinfonia. Dabei arbeitete sie mit Dirigenten wie Oleg Caetani, Toshiyuki Kamioka und Hellmuth Rilling zusammen und ist auch international als Solistin gefragt. So gastierte sie z.B. in Ländern wie Schweden, Schweiz, Holland, Kroatien, China und den USA.

Mit großer Begeisterung widmet sie sich der Kammermusik. So gastierte sie bei namhaften Kammermusikfestivals wie zum Beispiel mehrfach beim Kammermusikfest „Spannungen“ in Heimbach, dem Moritzburg Festival,den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker und dem Albert Musikfest Jahrhundertklang, Freiburg.

Zu ihren Kammermusikpartnern zählen bedeutende Persönlichkeiten wie Christian Tetzlaff, Isabelle van Keulen, Kirill Gerstein, Lars Vogt (†), Sharon Kam.

Thomas Duis, 1958 in Frankfurt am Main geboren, gehört heute zu den renommierten Pianisten in Deutschland.
Während seiner Ausbildung in Wiesbaden, Hannover und Leeds, verbunden mit Meisterkursen und Anregungen namhafter Musiker, gewann Thomas Duis viele Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben. Als Stipendiat der Deutschen Studienstiftung und des Deutschen Musikrats wurde er u.a. in Amerika (Maryland, Salt Lake City,), Australien (Sydney), Südafrika (Pretoria), Israel (Tel Aviv) und in Europa (Athen, Köln, Leeds, Vercelli; Bordeaux, Senigallia, München) mit Preisen überhäuft.

Daraus resultierten Schallplattenverträge mit bekannten Labels wie EMI, Capriccio, Orfeo, MDG, CPO, Telos music und Konzertengagements weltweit.

Neben Konzerten als musikalischer Botschafter des Goethe-Instituts in Ankara, Athen, Atlanta, Bordeaux, Istanbul, London, Manchester, Toulouse und Warschau, sowie fast allen Ländern des nahen Ostens und Nordafrikas führten Einladungen u.a. in das Sydney Opera House, nach Melbourne, Neuseeland, Hongkong, Peking, Shanghai, Moskau, Jerusalem, Tel Aviv, Johannesburg, nach New York, Boston, Chicago, Miami, Salt Lake City, Vancouver, Dallas, Fort Worth, Paris, Bordeaux, Turin, Mailand, Athen und in die großen Deutschen Konzertsäle.

Konzerte bei Festivals wie Schleswig Holstein und Mecklenburg Vorpommern, Rheingau Musikfestival, Klavierfestival Ruhr, Ludwigsburg, Kissinger Sommer, Braunschweig Classix, Musikfestspiele Saar, Maifestspiele Dresden, Enesco Festival in Bukarest, Echternach, Harrogate, Auftritte als Solist namhafter Orchester, im Klavierrezital oder als Kammermusikpartner führten zu überschwenglichen Rezensionen. Die Süddeutsche Zeitung beschreibt ihn als legitimen Nachfolger von Wilhelm Backhaus, die Welt beschreibt Thomas Duis als einen der besten Pianisten seiner Generation, ebenso die Frankfurter Allgemeine Zeitung. Der Bonner Generalanzeiger sieht ihn gar auf dem „unbestreitbaren Weg zur Weltspitze“.

Konzerte mit herausragenden Musikern wie Frank Peter Zimmermann, Maxim Vengerov, Sergej Krylow, Reinhold Friedrich, Dieter Klöcker, Eduard Brunner,  Wolfgang Meyer, Laurent Albrecht Breuninger, Joshua Bell, Gustav Rivinius, den Mitgliedern des Mannheimer Streichquartetts, dem Auryn-Quartett, dem Tokyo String Quartet, dem Consortium Classicum, aber auch CD- und Rundfunkproduktionen, teilweise mit Auszeichnungen wie dem Deutschen Schallplattenpreis prämiert; dokumentieren seine musikalische Vielfalt. Diese wird wiederum durch Erfolge in der Lehrtätigkeit unterstrichen.

Thomas Duis wurde 1994 eine Professur im zentralen künstlerischen Hauptfach Klavier an der Musikhochschule Graz erteilt, 1998 folgte er dem Ruf nach Saarbrücken. Studenten seiner Klasse haben Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben gewonnen, wurden Stipendiaten namhafter Stiftungen und konzertieren im In- und Ausland.

Thomas Duis wurde 2007 zum Officier dans l`ordre des Palmes academiques ernannt. Von 2004 bis 2012 war Thomas Duis Rektor der Hochschule für Musik Saar.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Trio Es-Dur nach dem Hornquintett KV 407

Allegro
Andante
Allegro

César Franck (1822 – 1890)
Sonate A-Dur für Violine und Klavier

Allegretto moderato
Allegro
Recitativo – Fantasia. Moderato
Allegretto poco mosso

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Trio Es-Dur op. 40 für Violine, Horn und Klavier

Andante – Poco piú animato
Scherzo. Allegro – Molto meno
Adagio mesto
Finale. Allegro con brio

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb das Quintett für Horn und Streicher für seinen Freund Johann Leitgeb. Das Quintett zeichnet sich durch seine ungewöhnliche Streicherbesetzung mit nur einer Violine, aber zwei Bratschen aus. Die Besetzung erlaubte es dem Komponisten, die dunklen und weichen Schattierungen des Klangs auszuloten, was besonders im Andante-Mittelsatz geschieht. Das einleitende Allegro verbindet Marschrhythmus und konzertierende Passagen, das Finale erinnert mit seinem Kehraus-Thema im Tanzrhythmus an die Finali der Hornkonzerte. In der Bearbeitung für Klavier, Violine und Horn eröffnen sich neue klangliche Möglichkeiten.

César Franck hat seine Sonate dem berühmten Geiger Eugène Ysaie gewidmet, der sie im Dezember 1886 in Brüssel uraufführte und fortan in vielen seiner Konzert spielte. Damit wurde sie zu einer der bedeutendsten Violinsonaten des Fin de siècle. Die im Sommer 1886 komponierte Sonate folgt der Idee eines Motto-Themas, das sich zyklisch durch alle Sätze zieht. Alle Themen kreisen um das Motiv der fallenden Terzen, mit denen die Sonate beginnt. Tatsächlich ist in dem Beginn des Allegretto ben moderato schon das hochromantische Wesen der Sonate ausgeprägt: „in jenem weichen Nonakkord des Klaviers, aus dessen Stufen die Geige ein schönes, wiegendes Thema gewinnt. Eindrucksvoll ist dieses schwebende Klangbild…“ Der ganze Satz wirkt wie ein Vorspiel zu dem in leidenschaftlicher Bewegung sich entfaltenden zweiten Satz. Der dritte Teil der Sonate beginnt in träumerischer Versunkenheit mit einem ‚Recitativo‘, das in eine lichte, gesanglich fließende ‚Fantasia‘ von charakteristisch weichem, jedoch intensivem Ausdruck ausmündet. Dann folgt mit dem Finale der zweite bewegte Satz des Werks, in hellem A-Dur erstrahlend, frei von leidenschaftlichen Zügen, aber belebt von Rückerinnerungen an den zweiten Satz.“ (Anton Würz)

Zu den Instrumenten, die Johannes Brahms als Kind in Hamburg erlernt hatte, gehörte neben Klavier und Cello auch das Horn. Daher ist es nicht verwunderlich, dass er das Horn auch später in seiner Musik immer wieder prominent behandelte.

Der „Ruf“ in der freien Natur, der sich mit dem Horn in der romantischen Musik seit Carl Maria von Webers Freischütz verbindet, hatte auch für ihn seine tiefere Bedeutung. Ähnliches gelang Johannes Brahms zu Beginn seines Es-Dur-Trios. Alle vier Sätze beruhen auf dem Gegensatz zwischen der strahlenden „Naturtonart“ Es-Dur und ihrem düsteren Gegenstück es-Moll. Das Scherzo, dessen Thema die sprichwörtlichen „Hornquinten“ benutzt, hat ebenfalls eine dunkle Trio-Episode in as-Moll bzw. es-Moll. Das es-Moll-Adagio erinnert in der Form an eine Passacaglia: Das Klavier allein geht mit einem absteigenden Thema voraus, das dann von den beiden Soloinstrumenten frei variiert wird. Als zweites Thema stimmt das Horn einen Kanon an, den die anderen aufgreifen. Ausgelassen gibt sich das Finale, dessen Thema an ein rheinisches Volkslied erinnert.

Änderungen vorbehalten! Der Veranstalter übernimmt keine Haftung für eventuelle Modifizierungen!

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Anlässlich einer CD-Produktion mit Werken der Komponistin Dorothee Eberhardt fanden sich die Musiker erstmalig zusammen und gründeten aus dieser positiven Begegnung heraus 1999 das Gelius Trio, dessen Namensgeber der Pianist ist. Die Erfahrungen der beiden Streicher als Konzertmeister der Münchner Philharmoniker, die unter der Leitung der großen Dirigenten unserer Zeit musizieren, fließen in die Zusammenarbeit als große Bereicherung ein. Micael Gelius versteht es, den Flügel singen zu lassen, einfühlsam zu begleiten, aber auch seine pianistische Raffinesse auszuspielen.

Das Trio ist berühmt für den gemeinsamen Atem, der die Phrasierungen der Musiker durchzieht, für Klangschönheit, Leidenschaft und tiefe Empfindung. Michael Hell war von 2000 bis 2022 Cellist des Trios. Seit Oktober 2022 hat Floris Mijnders (Solocellist der Münchner Philharmoniker) diesen Part übernommen. Sreten Krstic spielt eine Geige von Nicolaus Gagliano. Floris Mijnders spielt ein Francesco Goffriller Cello, 1740 gefertigt in Udine.

Das Repertoire umfasst neben klassischen und romantischen Werken auch Ausflüge in die Welt des Tango und Jazz, wie die Musiker auf ihrer CD Oblivion unter Beweis stellen. Das Trio ist zu Gast bei großen Festivals, wie z.B. dem Schleswig-Holstein-Festival, Musiksommer zwischen Inn und Salzach, Milstätter Konzertwochen.

Johann Strauß, dem Walzerkönig, zum 200. Geburtstag

Franz Schubert (1797 – 1828)
Valses nobles

Anton Rubinstein (1829 – 1894)
Melodie op. 3 Nr. 1

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Ungarischer Tanz Nr. 6

Johann Strauß (Sohn) (1825 – 1899)
Tritsch-Tratsch-Polka op. 214

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Trio G-dur

Andante
Poco Adagio. Cantabile
Rondo all’Ongarese. Presto

– Pause –

Claude Debussy (1862 – 1918)
Trio G-dur
Andantino con moto allegro – Allegro appassionato – Tempo primo
(Scherzo) Intermezzo. Moderato con allegro
Andante espressivo
Finale. Appassionato

Paul Schoenfield (1947 – 2024)
Café music
Allegro
Rubato, andante moderato
Presto

Für den begeisterten Applaus bedankten sich die drei sympathischen Musiker mit „La muerte del angel“ von Astor Piazzolla

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Das Ensemble erinnert die Organisatoren der Schlosskonzerte an die Frustrationen des ersten Corona-Jahres. Mit dem Notos Quartett wagten wir im September 2020 nach mehreren verzweifelten Versuchen und Absagen den Neustart nach dem Lockdown in die neue Konzertsaison. Das obige Foto (noch mit Philip Graham am Cello) entstand im Pädagogischen Zentrum des Gymnasiums Zitadelle als Ausweichlösung. Abstand, Maskenpflicht, Impfkontrolle, Verzicht auf Pausenbewirtung bei verkürztem, aber zweizügigem Programm sind nur die wichtigsten der Hygienemaßnahmen, mit denen wir damals zu kämpfen hatten. Es lohnt sich durchaus, auch einmal die chaotische Saison 2019/20 aus dem Archiv aufzurufen..

Das Notos Quartett gilt als eine „der herausragenden Kammermusikformationen der Gegenwart“ (FONO FORUM 09/2017). Publikum wie Kritiker bewundern neben der „virtuosen Brillanz und technischen Perfektion“ des Ensembles besonders den „Sinn für die Balance und das Zusammenspiel, welcher jedes Detail der Komposition hörbar macht“, wobei es „die Zuhörer mit den innig gespielten Tönen direkt ins Herz trifft“.

Seit seiner Gründung im Jahr 2007 wurde das Notos Quartett bereits mit sechs 1. Preisen sowie zahlreichen Sonderpreisen bei internationalen Wettbewerben in Holland, Italien, England und China ausgezeichnet. 2017 wurde ihm darüber hinaus der zu diesem Zeitpunkt renommierte deutsche Musikpreis ECHO Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres verliehen, eine Auszeichnung, die nur in den seltensten Fällen an ein Ensemble vergeben wurde.

Als Reaktion auf die ECHO Pop-Verleihung im April 2018, in der ein Album mit antisemitischem und menschenverachtendem Gedankengut mit einem Preis ausgezeichnet wurde, gaben die Musiker des Notos Quartetts als erste Künstler ihren ECHO wieder zurück. Sie lösten damit eine Protestbewegung aus, der sich viele namhafte Künstler wie Igor Levit, Daniel Barenboim und Marius Müller-Westernhagen mit der Rückgabe ihrer Preise anschlossen. Infolgedessen entschied sich der Bundesverband Musikindustrie, die Marke ECHO komplett abzuschaffen.

Das Bestreben der Musiker, neben den bekannten Meisterwerken auch verschollene und vergessene Werke der Gattung Klavierquartett aufzuspüren und einem breiten Publikum zu präsentieren, spiegelt auch ihre Debüt-CD „Hungarian Treasures“ wider, die im Februar 2017 bei Sony Classical/RCA erschienen ist. Diese beinhaltet unter anderem die Weltersteinspielung des Klavierquartetts von Béla Bartók, für dessen Wiederentdeckung das Ensemble weltweit große Aufmerksamkeit und Anerkennung erlangte.

Das große Interesse am Notos Quartett und seinen außergewöhnlichen Programmen dokumentieren auch zahlreiche Konzertmitschnitte, Interviews und Portraits in Rundfunk- und Fernsehanstalten im In- und Ausland, wie dem ARD, ZDF, Deutschlandfunk, BR, SWR, WDR, MDR, NDR, RBB, SR, HR sowie dem BBC, France Musique, Radio4 Holland, ORF Österreich, P2 Schweden, IPR USA und verschiedenen Sendern in Japan und Vietnam.

Neben Auftritten in renommierten europäischen Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, dem Konzerthaus Wien, der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, der Tonhalle Zürich, dem BOZAR Brüssel, dem Teatro la Fenice Venedig und bei den großen Festivals im Rheingau, in Schwetzingen, Würzburg, Mecklenburg-Vorpommern, Usedom und Radio France, bereist das Quartett regelmäßig auch ferne Länder wie Russland, China, Japan und den südostasiatischen Raum.

Neben seiner Konzerttätigkeit setzt es sich auch für die Förderung junger Musiker ein und sieht darin einen weiteren wichtigen Aspekt seiner Arbeit. So unterrichtete das Ensemble bereits am Royal Northern College of Music in Manchester, leitete den Meisterkurs „Saigon Chamber Music“ in Vietnam und veranstaltet seit Herbst 2015 die von ihm gegründete und jährlich stattfindende „Notos Chamber Music Academy“, die seit dieser Saison in Zusammenarbeit mit der Jeunesses Musicales Deutschland in Weikersheim ausgetragen wird.

Zu den Wegbegleitern, Lehrern und Förderern des Quartetts zählen u.a. das Alban Berg Quartett, das Mandelring Quartett, Uwe-Martin Haiberg, Clemens Hagen, Menahem Pressler und András Schiff. Ermöglicht durch den „Merito String Instruments Trust“ spielt das Notos Quartett auf wertvollen alten italienischen Streichinstrumenten und als Pirastro-Artist ausschließlich auf Saiten der renommierten Saitenmanufaktur „Pirastro GmbH“.

Der Cellist Philip Graham musste bedauerlicherweise aus gesundheitlichen Gründen schon im Sommer das Quartett verlassen. Diese Tatsache wurde verschiedentlich in den Medien kommuniziert. Mit Benjamin Lai hat das Ensemble einen ebenfalls herausragenden Cellisten gewonnen und seit Sommer bereits zahlreiche erfolgreiche Konzerte in dieser Saison gespielt u.a. in der Elbphilharmonie Hamburg, im Beethovenhaus Bonn sowie in Italien, England, Holland und Ungarn.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Klavierquartett Es-Dur

Allegro
Larghetto
Allegretto

William Walton (1902 – 1983)
Klavierquartett

Allegramente
Allegro scherzando
Andante tranquillo
Allegro molto

– Pause –

Robert Schumann (1810 – 1856)
Klavierquartett Es-Dur

Sostenuto assai – Allegro ma non troppo
Scherzo. Molto vivace
Andante cantabile
Finale. Vivace

Das Ensemble bedankte sich für den begeisterten Applaus mit einer zum Jahresbeginn passenden Altwiener Tanzweise, dem Liebesleid von Fritz Kreisler als Zugabe.

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb seine beiden Klavierquartette in den Jahren 1785/86 in Wien. Sie sind die ersten bedeutenden Beispiele einer Gattung, die zu seiner Zeit dem Wiener Publikum wenig vertraut war. Dies mag erklären, warum der Verleger Franz Anton Hoffmeister, der den Komponisten ursprünglich um drei Klavierquartette zur Veröffentlichung gebeten hatte, von diesem Auftrag zurücktrat, als sich das erste von Mozart gelieferte Quartett in g-moll nur schlecht verkaufte. Das zweite in Es-Dur übernahm Hoffmeister nicht mehr in seinen Verlag, obwohl er die Violinstimme bereits in Kupfer hatte stechen lassen. Er verkaufte die fertigen Druckplatten an seinen Konkurrenten Artaria, bei dem das Werk 1786 erschien. Komponiert wurde das Es-Dur-Quartett unmittelbar nach dem Abschluss der Oper Le nozze di Figaro im Mai und Juni 1786.

Im ersten Satz gibt es fünf verschiedene, melodisch weit ausgesponnene Themen, in denen der lyrische Charakter überwiegt. Das Larghetto gehört zu Mozarts schönsten langsamen Sätzen.  Das Finale in der Form eines Sonaten-Rondos ist einer der großartigsten Versuche Mozarts, den Stil der Opera buffa mit dem anspruchsvollen Charakter klassischer Kammermusik zu verbinden.

Bereits 1918 vollendete der damals erst 16-jährige William Walton sein Klavierquartett. 1921 schickte er es von Italien aus nach England. Aber erst drei Jahre später kam das Paket mit der Partitur an. Walton, vom Wiederauftauchen seines sechs Jahre alten Jugendwerks überrascht, nutzte die Gelegenheit, es nach gründlicher Überarbeitung beim Wettbewerb um den Carnegie Award einzureichen, den er prompt gewann. Die Begründung der Jury ist eine schöne Zusammenfassung der Qualitäten, die das Quartett auch heute noch hörenswert machen: „Klar und transparent in der Textur, zurückgenommen im Gefühl, durchweg gut geschrieben, erhebt sich das Werk an Höhepunkten zu großer Schönheit und noblem Ausdruck. Es ist eine wahrhafte künstlerische Leistung!“

Robert Schumann komponierte sein Klavierquartett in Es-Dur op. 47 im Jahr 1842. Nach den frühen Klavierwerken und dem “Liederjahr” 1841 hatte sich der Komponist intensiv der Kammermusik zugewendet.  Die vier Sätze des Klavierquartetts sind in sich und untereinander thematisch eng verwoben. Die unbestimmte, gleichsam träumerische Atmosphäre der langsamen Introduktion wird zu Beginn des Allegros von einem kraftvollen rhythmischen Impuls verdrängt, der aber “sempre con molto sentimento” gespielt werden soll. Die drei auftaktigen Viertel dieses Themas tauchen im folgenden in immer neuer Gestalt auf. Als zweites Thema von eher episodischem Charakter tritt ihnen die Melodie des Chorals “Wer nur den lieben Gott läßt walten”, umspielt von Läufen, gegenüber. Das Scherzo, ein gespenstisches Nachtstück in Moll, wird von zwei Trios unterbrochen, von denen das erste singend und imitatorisch, das zweite zaghaft-tastend angelegt ist. Höhepunkt des Werks ist das Andante mit einem der schönsten Cellothemen der Romantik. Seine ausdrucksvollen Vorhalte und melodischen Wendungen erinnern an Schumanns schönste Lieder.

Die amerikanische Pianistin Claire Huangci, Gewinnerin des ersten Preises sowie des Mozartpreises beim Concours Géza Anda 2018, überzeugt ihr Publikum durch „glitzernde Virtuosität, gestalterische Souveränität, hellwache Interaktion und feinsinnige Klangdramaturgie“ (Salzburger Nachrichten). Von einem unbändigen Entdeckergeist beseelt, beweist sie ihre Wandlungsfähigkeit mit einem ungewöhnlich breiten Repertoire von Bach und Scarlatti über die deutsche und russische Romantik bis hin zu Bernstein, Gulda oder Corigliano.

Gestartet hat Claire Huangci ihre internationale Karriere bereits im Alter von neun Jahren mit Konzertauftritten und Wettbewerbserfolgen. Wichtige Impulse erhielt sie von ihren Lehrern Eleanor Sokoloff und Gary Graffman am renommierten Curtis Institute of Music in Philadelphia, bevor sie 2007 zu Arie Vardi nach Hannover wechselte. Besonders als ausdrucksstarke Chopin-Interpretin fiel sie zu Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn auf, nicht zuletzt durch erste Preise bei den Chopin-Wettbewerben in Darmstadt und Miami (2009/2010). Zudem gewann sie als jüngste Teilnehmerin den 2. Preis beim Internationalen ARD Musikwettbewerb 2011. Im Jahr 2019 erhielt sie den Jury-Preis der „Paris Play-Direct Academy“ unter Vorsitz von Lars Vogt. Der Preis wird in Zusammenarbeit des Orchestre de chambre de Paris mit der Philharmonie de Paris und Steinway & Sons vergeben.

In Solorezitalen und als Partnerin internationaler Orchester konzertierte Claire Huangci bereits in bedeutenden Konzertsälen wie der Carnegie Hall New York, der Suntory Hall Tokyo, dem NCPA Beijing, der Philharmonie de Paris, dem Gasteig München, dem Gewandhaus Leipzig, der Elbphilharmonie Hamburg und der Franz Liszt Akademie Budapest sowie bei renommierten Festivals wie dem Lucerne Festival, dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Rheingau Musik Festival oder dem Klavierfestival Ruhr. Orchester wie die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, das Mozarteumorchester Salzburg, das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, das Tonhalle-Orchester Zürich, das ORF Radio-Symphonieorchester Wien, das Iceland Symphony Orchestra und die Symphonieorchester von Vancouver und Québec, das Pacific und National Symphony Orchestra sowie Dirigenten wie Elim Chan, Michael Francis, Howard Griffiths, Thomas Guggeis, Pietari Inkinen, Jun Märkl, Cornelius Meister, Sir Roger Norrington, Eva Ollikainen, Alexander Shelley, Markus Stenz, Mario Venzago und Christian Zacharias zählen zu ihren geschätzten Partnern.

Seit der Saison 2023/24 vertieft Claire Huangci ihr pädagogisches Engagement in Zusammenarbeit mit der Schweizer Animato-Stiftung. Als Leiterin der Orchester-Akademie wird sie im Rahmen einer Europa-Tournee als Solistin und Dirigentin unter anderem im Wiener Konzerthaus und dem Mozarteum Salzburg auftreten. Neben ihren Engagements bei verschiedenen nationalen und internationalen Orchestern  gibt Claire Huangci Klavierabende im Rahmen der Berner Meisterkonzerte, beim Liszt Festival Raiding, im Casa de Musica Porto, im Auditorio Nacional de Música Madrid sowie im Münchner Prinzregententheater.

Ihre umfangreiche Diskographie spiegelt ebenfalls Claires künstlerische Vielseitigkeit wider. Ihr jüngstes Album mit Mozart-Konzerten zusammen mit dem Mozarteum-Orchester Salzburg und Howard Griffiths (Alpha Classics) wurde von der Kritik hoch gelobt. Im Herbst 2023 erscheint zu ihrem 10-jährigen Jubiläum bei Berlin Classics eine 3-CD-Box mit Schuberts späten Sonaten, den Drei Klavierstücken und einer Auswahl von Liedern aus dem Schwanengesang mit Bariton Thomas E. Bauer. Nach ihrer Debüt-CD im Jahr 2013 mit Solowerken von Tschaikowsky und Prokofjew folgte ihr Doppelalbum mit Scarlatti-Sonaten, das mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik und dem Grammophone Editor’s Choice-Preis ausgezeichnet wurde.

Neben einer Gesamtaufnahme von Chopins Nocturnes und den Préludes von Rachmaninow, sind in ihrer Diskographie auch Raritäten wie zum Beispiel das Klavierkonzert von Paderewski sowie eine Gesamtaufnahme der Bach-Toccaten zu finden. Claire Huangci ist Botschafterin des Henle Verlags.

Franz Schubert (1797 – 1828)
 Sonate A-Dur D959  
Allegro
Andantino
Scherzo. Allegro vivace
Rondo. Allegretto

– Pause –

Samuel Barber (1910 – 1981)
Sonate op. 26
Allegro energico
Allegro vivace e leggero
Adagio mesto
Allegro con spirito

George Gershwin (1898 – 1937)
Rhapsody in Blue

Claire Huangci bedankte sich für die standing ovations mit zwei Gershwin-Themen: „the Man I love“ und die Étude No. 7 über „Fascinatin´ Rhythm“ (von Earl White)

Franz Schuberts Sonate A-Dur ist eines der drei letzten Klavierwerke, die als Krönung seiner lebenslangen Auseinandersetzung mit dieser Gattung gelten.  Es “ist wohl keine Sonate in der ganzen Satzweise so reich und sorgfältig, pianistisch so feinsinnig durchgestaltet wie diese” (Klaus Wolters). Schon der Beginn mit seinen dominanten Oktaven in der linken Hand und der fast barocken Rhythmik zeigt ein kraftvolles, an Beethoven gemahnendes Profil. “Der herrische Effekt weicht jedoch rasch einem einfachen, bezaubernden Seitenthema, das Schubert zum Hauptmotiv des Satzes erhob” (Melvin Berger), wobei die Melodik gelegentlich frühere Liedkompositionen zitiert. Wesentlich ist jedoch in diesem Satz, wie im folgenden Andantino, der Einbruch eines düster-fatalistischen Tons in die scheinbar so lichte Umgebung.

Das fis-moll-Andantino wurde als “Klagelied” und als “Lamento” bezeichnet. Den ruhigen Fluss der Außenteile unterbricht im Mittelteil ein rhapsodisches Rezitativ, das bis zu einer Art Katastrophe gesteigert wird. Danach kehrt der Beginn, noch melancholischer, variiert wieder.

In den beiden letzten Sätzen tritt die Hintergründigkeit der Komposition zutage: im Scherzo durch groteske Züge, im Finale durch ein erschreckendes Spiel mit Generalpausen, die ganz am Ende das Rondothema fast zusammenhanglos erscheinen lassen.

Typisch für Samuel Barber ist in vielerlei Hinsicht ein  erkennbarer Versuch der Integration von Tradition und Avantgarde: Die Sonate ist traditionell viersätzig aufgebaut, allerdings mit starken Abweichungen in der Form der einzelnen Sätze. Sie ist von einer freitonalen Tonsprache geprägt, größtenteils sind trotz der Verwendung von Zwölftonreihen bestimmte Tonarten erkennbar. Jeder Satz hat zwar eine Haupt-Taktart, es gibt aber auch viele ungewöhnliche Taktwechsel.

George Gershwin begann seine pianistische Ausbildung auf kuriose Weise: Als Zehnjähriger ließ er bei einem Freund, der ein mechanisches Klavier besaß, eine der Klavierrollen langsam abspielen und setzte die Finger in die durch den Mechanismus herunter gedrückten Tasten. So lernte er einige populäre Songs, die er seinen völlig überraschten Eltern vorspielte, als sie für seinen Bruder Ira ein Klavier kauften. Trotz späterer klassischer Ausbildung blieb er als Komponist der Popular-Musik treu, mit der er äußerst erfolgreich war. Die „Rhapsody in blue“ verbindet allgemeine Jazz- und spezielle Blues-Elemente. Ursprünglich für Klavier und Orchester geschrieben, erklingt heute eine Version für Soloklavier, die den Instrumental- mit dem Pianopart verbindet.

(Wegen des Ausfalls der 1. Violine musste das Ensemble simply quartet leider kurzfristig absagen. Sein Konzert soll im nächsten oder übernächsten Jahr nachgeholt werden.)

Das 2014 gegründete Eliot Quartett zählt zu den vielversprechendsten Streichquartetten der neuen Generation. Das internationale Ensemble – die Mitglieder stammen aus Russland, Kanada und Deutschland – ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe (Mozart-Wettbewerb Salzburg, Melbourne International Chamber Music Competition, Deutschen Musikwettbewerb, Karol Szymanowski-Wettbewerb). In seiner Heimatstadt Frankfurt am Main ist das Eliot Quartett fester Bestandteil des Konzertlebens und war dort 2019 erstes „Streichquartett in Residence“ der Frankfurter Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen. 2022 gestaltete er sein eigenes Festival „Eliots am Main“. Das Quartett war zu Gast beim Bachfest Leipzig, den Kasseler Musiktagen, der Styriarte Graz, dem Mozartfest Würzburg, dem Rheingau Musik Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen sowie der Schubertiade Schwarzenberg.

Seine Ausbildung erhielt das Eliot Quartett an der Musikhochschule Frankfurt am Main bei Hubert Buchberger und Tim Vogler sowie an der Escuela Superior de Musica Madrid in der Meisterklasse von Günter Pichler. Weitere Impulse erhält das Ensemble in der gemeinsamen Arbeit mit Alfred Brendel und dem Belcea Quartett. Das Eliot Quartett ist nach dem US-amerikanischen Schriftsteller T. S. Eliot benannt, der sich von den innovativen, späten Streichquartetten Ludwig van Beethovens zu seinem letzten großen poetischen Werk „Four Quartets“ inspirieren ließ. Mehrere Einspielungen des Eliot Quartetts sind beim Label Genuin erschienen.

Das Eliot Quartett:

Maryana Osipova (1.Violine) studierte am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium bei Prof. Keselman und Prof. Glesarova, an der Hochschule für Musik Karlsruhe bei Prof. Breuninger, an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main bei Hubert Buchberger und Tim Vogler sowie an der Escuela Superior de Musica Madrid in der Meisterklasse von Günter Pichler.
Sie ist Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe wie dem Yankelevich‘ Wettbewerb 2013 und China International Violin Competition in Qingdao.
Maryana Osipova war zu Gast bei vielen internationalen Festivals wie beim Bachfest Leipzig, den Kasseler Musiktagen, der Styriarte Graz, dem Mozartfest Würzburg, dem Rheingau Musik Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen, der Schubertiade Schwarzenberg.
Maryana Osipova nahm an Meisterkursen bei Boris Kuschnir (Sankt-Petersburg), Mihaela Martin (Kronberg Academy), Igor Ozim (Weimarer Meisterkurse), Boris Belkin (Accademia Chigiana).

Alexander Sachs (2.Violine) wurde 1990 in Vancouver, Kanada geboren. Er begann seine musikalische Ausbildung an der Vancouver Academy of Music und erhielt Unterricht bei Prof. Taras Gabora. Alexander studierte an der Hochschule für Musik Mainz bei Prof. Anne Shih und an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Frankfurt am Main bei Prof. Sophia Jaffé. Er nahm an Meisterkursen bei Prof. Rainer Kussmaul, Prof. Tanja Becker-Bender und Prof. Gerhard Schulz (International Musicians Seminar in Prussia Cove, England) teil. Von 2011 bis 2015 war er Stipendiat des Neumeyer Consorts und spielte mit dem Ensemble bei wichtigen Konzertreihen und Festivals für Alte Musik (Göttinger Händelfestspiele, Magdeburger Telemanntage, Forum Alte Musik im Kaisersaal Frankfurt). Als Mitglied des Goethe-Streichtrios wurde er von Yehudi Menuhin Live Music Now Frankfurt am Main e.V. gefördert. Nach einem absolvierten Praktikum in den 2. Violinen hatte Alexander einen Zeitvertrag in den 1. Violinen im Staatsorchester Darmstadt inne. Seit 2014 ist er Dozent für Violine am Emanuel Feuermann Konservatorium an der Kronberg Academy.

Dmitry Hahalin (Viola) wurde 1988 geboren und erhielt seine musikalische Ausbildung am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium und an der Musikhochschule Mainz bei Prof. Anne Shih. Er wechselte danach zur Viola und studierte an der Musikhochschule Frankfurt am Main in der Klasse von Prof. Roland Glassl. Dmitry erhielt ein Stipendium der internationalen Vladimir-Spivakov-Stiftung, ein Stipendium für Barockvioline/Barockviola des Neumeyer Consorts und war von der Stiftung Yehudi Menuhin Live Music Now gefördert. Von 2014 bis 2019 war Dmitry Hahalin Stipendiat der Villa Musica Rheinland Pfalz. Er gewann den Kammermusikwettbewerb S. Vainiunas (Litauen) 2010 und den Kammermusikpreis der Polytechnischen Gesellschaft 2013. Weitere Kammermusikalische Erfahrungen konnte er in Zusammenarbeit mit Eduard Brunner, Nils Mönkemeyer, Manuel Fischer-Dieskau und Talich Quartet sammeln. Seit 2010 widmet sich Dmitry Hahalin auch verstärkt dem Bereich der historischen Aufführungspraxis. Er studierte Barockvioline bei Prof. Petra Müllejans, wurde zu den Telemann-Festtagen Magdeburg, den Göttinger Händelfespielen sowie zum Forum Alte Musik Frankfurt am Main eingeladen und arbeitete u.a. mit Ton Koopman, Konrad Junghänel, Michael Hofstetter und Andreas Scholl zusammen.
Als Gründungsmitglied des Eliot Quartetts, hat er viele internationale Preise gewonnen, darunter den Deutschen Musikwettbewerb und den Karol Szymanowski-Wettbewerb in Katowice. Dmitry Hahalin hat mehrere CDs eingespielt und ist international konzertant tätig.

Michael Preuß (Violoncello) wurde 1985 in Leipzig geboren. Seine musikalische Ausbildung begann er als Jungstudent an der Hochschule für Musik und Theater in Leipzig. 2004 begann Michael sein Studium an der Hochschule für Musik und Theater in Rostock in der Klasse von Prof. Joseph Schwab. 2008 wechselte er in die Klasse von Prof. Michael Sanderling an die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main, wo er sein Studium nach Ablegen der Diplom – Prüfung im Wintersemester 2012 mit dem Konzertexamen im Wintersemster 2015 abschloss. Michael war Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie, Praktikant am Staatstheater Darmstadt, Akademist im Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, als Inhaber eines Gastvertrages Solocellist im Sinfonieorchester des Staatstheater Giessen und hatte einen Zeitvertrag beim MDR – Sinfonieorchester in Leipzig inne. Er ist zweimaliger erster Preisträger des Wettbewerbs „HMT Interdisziplinär“ der HMT Rostock, sowie Preisträger des Wettbewerbs der „Peter Pirazzi“-Stiftung und nahm an Meisterkursen von Gustaf Rivinius, Wen-Sinn Yang, dem Tokio String Quartet, dem Mandelring Quartett, dem Verdi Quartett und Gerhard Schulz teil.

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Streichquartett op. 33 nr. 5 in G-Dur `Wie geht es Dir?`
Vivace assai
Largo cantabile
Scherzo (Allegro)
Allegretto – Presto

Dimitri Schostakowitsch (1906- 1975)
Streichquartett nr. 5 in B-Dur op. 92
Allegro non troppo
Andante
Moderato

– Pause –

Franz Schubert (1797 – 1828)
Streichquartett a-moll D.804 `Rosamunde`
Allegro ma non troppo
Andante
Menuetto. Allegretto
Allegro moderato

*****

Das Ensemble bedankte sich mit dem Poco Adagio aus op. 20 Nr. 3 g-moll von Joseph Haydn

Joseph Haydn gilt als „Vater des Streichquartetts“ und seine sechs Quartette op. 33 als der Beginn der Wiener Klassik.  Man kann die neue Schreibweise als Versöhnung des Gelehrten mit dem Galanten begreifen: als Synthese zwischen Melodik und Kontrapunkt, thematisch-motivischer Arbeit und einer Periodenbildung, die jedem Motiv eine eindeutige Funktion zuschreibt.

So beginnt der Kopfsatz des G-Dur-Quartetts paradoxerweise mit einer Kadenzformel, also einem Schlussgedanken. Diese Verkehrung nutzte Haydn als Bindeglied zwischen allen Teilen der Sonatenform. Der langsame Satz ist im Stil einer pathetischen Opern-Cavatina geschrieben, wobei die erste Violine auch die Verzierungen damaliger Opernsänger nachahmt. Im gesamten Opus 33 hat Haydn die Menuette durch Scherzi ersetzt, hier ein Stück mit raffinierten Akzentverschiebungen. Das Finale ist eine Forlane, also ein Tanzsatz.

Nach Stalins Tod, am 5. März 1953 wurde das 5. Streichquartett von Dimitrij Schostakowitsch uraufgeführt. Der Komponist hatte das dem russischen „Beethoven-Quartett“ gewidmete Werk im September 1952 begonnen und am 1. November vollendet. In dieser Zeit galten noch fast alle seine Werke in der Sowjetunion als unerwünscht. Einerseits wurden der Komponist und seine Werke denunziert und wenig gespielt, andererseits reiste er häufig ins Ausland, um sein Land zu repräsentieren, da er bereits Berühmtheit erlangt hatte.

Das dreisätzige Werk wird durch Überleitungen in eine einheitliche Großform gegossen. Die Komposition ist herber, impulsiver und sinfonischer als das 4. Quartett, obwohl reich an leisen, verinnerlichten Tönen. Es soll sich in ihr ein Thema von Schostakowitschs erfolgreicher Schülerin und Komponistin Galina Ustwolskaja finden, die er zeitweise, wenn auch erfolglos, umworben hatte.

Im Jahr 1824 schrieb der 27jährige Franz Schubert seine Streich-Quartette für das Ensemble des großen Wiener Primarius Ignaz Schuppanzigh. Schubert wollte sich nach eigenem Bekenntnis mit den drei im Februar begonnenen Quartetten “den Weg zur großen Symphonie” bahnen. Diese Äußerung verweist auf den hohen inhaltlichen und formalen Anspruch, den er mit dem Genre nun verband. In der Tat sind seine drei letzten Quartette mit ihren orchestralen Klangballungen, ihren monumentalen Proportionen und ihren extremen Kontrasten kammermusikalische Gegenstücke zur großen Symphonie. Die Themen aller vier Sätze suggerieren gleichzeitig das Vertraute und Eingängige des Liedes in seiner unverstellten Emotionalität.