Nach nun schon über 25-jähriger Konzerttätigkeit in unveränderter Besetzung kann man das Trio Lézard heute als eines der führenden Trio d’anches‘ weltweit bezeichnen. Die Kritik attestiert ihm »Virtuosität« (Klassik.com), »Klangschönheit« (FAZ) sowie »perfektes Zusammenspiel« (Fanfare). Mit dem Gewinn des »ECHO Klassik« 2015 für die Einspielung „Paris 1937“ wurde dies eindrucksvoll bestätigt. Das Trio Lézard ist zur Stunde das einzige Bläsertrio, welches jemals einen Schallplattenpreis erhielt.

Das „klassische“ Trio d’anches von Oboe, Klarinette und Fagott ist unsere Kernbesetzung, zu der wir immer wieder zurückkehren. Das „Trio d’anches de Paris“, etablierte diese in den 1930er Jahren zum ersten Mal in der Musikgeschichte als Ensemble und erhob sie so zur musikalischen „Gattung“. Diese damals begründete Tradition führen wir nun mit erweiterten klanglichen Ausdrucksmöglichkeiten fort. Nach und nach haben wir sowohl unser Instrumentarium als auch das Repertoire erweitert. Letzteres zählt mittlerweile über 200 Werke aus fünf Jahrhunderten, von der Renaissance bis zur Moderne. Um eine solche Zeitspanne klanglich darstellen zu können, greifen wir zusätzlich zu Nebeninstrumenten oder historischen Instrumenten aus dem 18. und 19. Jahrhundert, zu diesen gehören auch Saxophone und Sarrusophone. Alle diese Instrumente eint die Tonerzeugung mittels eines (einfachen oder doppelten) Rohrblatts. Drei von ihnen zusammen bilden immer ein Trio d’anches.

Das Trio Lézard am 7.9.2025 in Jülich

I love Paris (2024)
Le Trio Lézard au „Boeuf“

Eugene Bozza (1905-1991)
Fughette – Sicilienne – Rigaudon
für Oboe, Klarinette und Fagott

Pierre Wissmer (1915 – 1992)
Sérénade
für Oboe, Klarinette und Fagott

Darius Milhaud (1892-1974)
Suite d’après Corette op. 161b
für Oboe, Klarinette und Fagott

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonate  BWV 1027 G – Dur  („Gambensonate N° 1“)
für Klarinette, Bassoboe und Fagott

– Pause –

Johann Sebastian Bach
Sonate BWV 1030b g-moll
für Sopransaxophon, Altsarrusophon und Basssarrusophon

Darius Milhaud/Cole Porter
Suite „Le Boeuf sur le toit“
für Sopran-/Altsarrusophon, Sopransaxophon und Basssarrusophon

Francis Poulenc (1899-1963)
Tango (ex: l’invitation au chateau)
für Sopransaxophon, Sopransarrusophon und Basssarrusophon

…Oktober 1922, im „Le boeuf sur le toit“, dem legendären Pariser Künstlerlokal … 3 Clowns erscheinen, es sind die weltberühmten Fratellini, sehen Darius Milhaud und Jean Cocteau mit einem Glas Champagner beisammen stehen, setzen ihre Sarrusophone an und intonieren spontan eine Variation des „Tango des Fratellini“, den Milhaud ihnen kurz zuvor in die Orchestersuite, eben „Le boeuf sur le toit“, geschrieben hatte.

Tangos, seriöse Kammermusik, Swing, klassische Klaviermusik, Chansons … im „Boeuf“ klingt eines neben dem anderen völlig gleichberechtigt, Django Reinhardt neben Mozart, Wagner neben Cole Porter, Bach neben Barbirolli.

Genau ein Jahrhundert später ist die CD „Le Tango des Fratellini“ des Trio Lezard erschienen: mit Musik aus dem Paris der 20er und 30er Jahre. Und wie im „Boeuf“ steht auch hier „klassische“ Kammermusik gleichberechtigt neben Tango und Chanson. Aber nicht nur die Musik dieser schillernden Zeit erwecken wir zu neuem Leben, sondern auch die Instrumente: Sarrusophone, die längst vergessen geglaubten Cousins der Saxophone, lassen mit den Tangos der 20er Jahre diese Welt vor Ihren Augen und Ohren wieder auferstehen.

Nachdem es mehr als 100 Jahre geschwiegen hat, geben wir ihm seine Stimme zurück: dem Sarrusophon.

Dieses faszinierende Holzblasinstrument aus Metall ist um 1850 in Paris erfunden worden und hat den gleichen Ursprung wie das Saxophon. Das Sarrusophon gibt es, wie auch das Saxophon, in allen Stimmlagen, vom Sopranino bis zum Kontrabass. Klanglich beeindruckt es mit der Eleganz der Oboe, der Kraft des Saxophons und der Virtuosität der Querflöte.

Das Trio Lézard, als eines der renommiertesten und zugleich innovativsten Trio d’anches‘ weltweit, erweckt diese längst vergessen geglaubten Zeugen der schillernden Belle Epoque zu neuem Leben.

Jan Creutz

Das Minguet Quartett – gegründet 1988 – zählt heute zu den international gefragtesten Streichquartetten und gastiert in allen großen Konzertsälen der Welt, wobei seine so leidenschaftlichen wie intelligenten Interpretationen für begeisternde Hörerfahrungen sorgen – „denn die Klang- und Ausdrucksfreude, mit der das Ensemble die Werke zur Sprache bringt, belebt noch das kleinste Detail“ (Frankfurter Allgemeine Zeitung). Namenspatron ist Pablo Minguet, ein spanischer Philosoph des 18. Jahrhunderts, der sich in seinen Schriften darum bemühte, dem breiten Volk Zugang zu den Schönen Künsten zu verschaffen: Das Minguet Quartett fühlt sich dieser Idee mehr denn je verpflichtet.

Das Minguet Quartett war 2024 zum siebten Mal Gast bei den Salzburger Festspielen, nachdem es dort bereits 2004 debütierte. 2025 konzertiert das Ensemble u.a. im Robert-Schumann-Saal Düsseldorf, Diligentia Theater Den Haag und in der Fruchthalle Kaiserslautern, bei den Raderbergkonzerten des Deutschlandfunk Köln, der Société de Musique Contemporaine Lausanne, beim Bodenseefestival und Schwetzinger Mozartfest.
Highlights des Jahres 2024 waren: Wiener Konzerthaus, Festspielhaus Baden-Baden, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Tonhalle Düsseldorf, Festspiele Europäische Wochen Passau, Schleswig-Holstein Musik Festival, Flagey Brüssel Klarafestival und Fundação Calouste Gulbenkian Lissabon. Projekte in 2022 & 2023 umfassten u.a. Konzerte im Prinzregententheater München, Gewandhaus zu Leipzig, in der Meistersingerhalle Nürnberg, der Alten Oper Frankfurt, bei L’association Pour l’Art Lausanne, den Meister- und Kammerkonzerten Innsbruck, dem Schumannfest Düsseldorf, der Fondazione Prometeo Parma und dem Festival Spinacorona Napoli.
Vorangegangene Spielzeiten führten das Ensemble in die Kölner und Berliner Philharmonie, Elbphilharmonie Hamburg, Library of Congress und International Gallery Washington DC, das Konzerthaus Berlin, Wiener Konzerthaus, Concertgebouw Amsterdam, De Doelen Rotterdam, BOZAR Music Brüssel, Théâtre des Abbesses Paris, Lincoln Center New York, SouthBank Centre London und The University of Hong Kong, zum Festival d’Automne Paris, Grafenegg Festival, Beethovenfest Bonn, Mozartfest Würzburg, Internationalen Brucknerfest Linz, Rheingau Musik Festival, Tongyeong International Music Festival Korea, zu den Festspielen Herrenchiemsee, Schwetzinger Festspielen, zur Kammermusikwoche Schloss Elmau und Internationalen Stiftung Mozarteum Salzburg sowie zu weiteren Festivals und in große Konzertsäle innerhalb Europas, in Japan, Mittel- und Südamerika, Kanada und den USA.

Das Minguet Quartett konzentriert sich auf die klassisch-romantische Literatur sowie die Musik der Moderne gleichermaßen und engagiert sich durch zahlreiche Uraufführungen für Kompositionen des 21. Jahrhunderts. Begegnungen mit bedeutenden Komponisten unserer Zeit inspirieren die vier Musiker zu immer neuen Programmideen. Die erstmalige Gesamtaufnahme der Streichquartette von Wolfgang Rihm, Peter Ruzicka und Jörg Widmann zählen zu den bedeutenden Projekten, fortgesetzt durch die Tondokumentation des monumentalen 2. Streichquartetts von Manfred Trojahn und eine Portrait-CD der Komponistin und OPUS KLASSIK 2023-Preisträgerin Konstantia Gourzi beim Label ECM. Ein Höhepunkt der letzten Jahre war die Aufführung von Karlheinz Stockhausens Helikopter-Streichquartett im Rahmen eines Konzeptes des Dirigenten Kent Nagano.

Im Mittelpunkt der Programmgestaltung der Jahre 2024 und 2025 stehen die runden Geburtstage von Anton Bruckner, Josef Suk, Arnold Schönberg, Luigi Nono, Luciano Berio, Toshio Hosokawa und Maurice Ravel.

Aktuelle Partner des Minguet Quartetts sind u.a. die Sopranistin Anna Prohaska, die Pianisten Alexander Krichel, Gülru Ensari und Herbert Schuch, das Piano-Duo Yaara Tal & Andreas Groethuysen, der Klarinettist Matthias Schorn, die Geigerin Ioana Cristina Goicea, der Bratschist Matthias Buchholz, der Cellist Jens Peter Maintz sowie der Schauspieler Sabin Tambrea.
Als Solistenquartett musizierte das Ensemble mit dem WDR Rundfunkchor, den Rundfunksinfonieorchestern DSO, des SR, hr, WDR und ORF sowie dem Brucknerorchester Linz und den Nürnberger Symphonikern unter den Dirigenten Jukka-Pekka Saraste, Markus Stenz, Peter Ruzicka und Ilan Volkov.

Mit der CD-Gesamteinspielung der Streichquartettliteratur von Felix Mendelssohn Bartholdy, Josef Suk, Heinrich von Herzogenberg und Emil Nikolaus von Reznicek präsentiert das Minguet Quartett seine große Klangkultur und eröffnet dem Publikum die Entdeckung eindrucksvoller Musik der Romantik. 2022 erschien die vollständige Aufnahme der Werke für Streichquartett von Walter Braunfels und eine CD mit Klavierkammermusik von Ferdinand Hiller, 2023 folgte Musik von Heinrich Kaminski in Kombination mit dem einzigartigen Streichquartett von Glenn Gould. In den kommenden Jahren wird das Minguet Quartett u.a. Werke von Alberto Evaristo Ginastera und das Streichquartett von Maurice Ravel auf CD vorlegen.

2010 wurde das Minguet Quartett mit dem ECHO Klassik sowie 2015 mit dem renommierten französischen Diapason d’Or des Jahres ausgezeichnet, 2020 erhielt es das Stipendium RELOAD der Kulturstiftung des Bundes. Als relevanter Kulturträger wurde das Minguet Quartett 2022 ausgewählt, in Kooperation mit NEUSTART KULTUR – Die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien sein Projekt EifelKlang zu realisieren. 2024 war das Ensemble Schönberg150-Botschafter und Mitglied des künstlerischen Ehrenkomitees des Arnold Schönberg Center Wien. Langjähriger und regelmäßiger Kooperationspartner des Minguet Quartetts für zahlreiche innovative Projekte im In- und Ausland ist die Kunststiftung NRW.

Das Minguet Quartett am 5.10.2025 in Jülich

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Streichquartett Nr. 19 KV 465 in C-Dur „Dissonanzenquartett“

Jörg Widmann (*1973)
Streichquartett Nr. 2 „Choralquartett“ (2003)

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Streichquartett op. 51/1

Ein Höhepunkt in Mozarts Kammermusik ist das sogenannte „Dissonanzenquartett“, dessen langsame Einleitung die Kunst des chromatischen Vorhalts, das Changieren zwischen Dur und Moll ins Extrem treibt. Gestrenge italienische Zeitgenossen wie der Opernkomponist Giuseppe Sarti nahmen daran Anstoß. Sie sahen in dieser langsamen Einleitung eine einzige Ansammlung von Regelverstößen gegen den „reinen Satz“ oder glaubten gar an Fehler beim Setzen der Noten. Tatsächlich handelt es sich aber nur um eine Folge von besonders gewagten Vorhalten über dem langsam pochenden Bass, die sich jeweils überraschend in einen Mollakkord auflösen – Vorbote des Dualismus zwischen Dur und Moll, der das ganze Quartett prägt.
Jörg Widmann, Professor für Klarinette an der Freiburger Musikhochschule, ist
weltweit als Solist und erfolgreicher Komponist bekannt. Über sein „Choralquartett“ sagt Widmann: „Auf das sehr heterogene erste Streichquartett habe ich mit dem in sich kreisenden zweiten Quartett geantwortet – eine fast autistische, rätselhafte Musik, die nur Fragezeichen an die Wand malt. Es ist ein einziger langsamer Satz. Das Stück bezieht sich an keiner Stelle konkret auf Joseph Haydns «Sieben letzte Worte», wäre aber ohne das Wissen um dieses Werk undenkbar. Die Haydn’sche Satzfolge von ausschließlich (bis auf das abschließende Erdbeben) langsamen Sätzen ist nach wie vor von schockierender Eindringlichkeit. Noch verstörender ist für mich das gelassene zuversichtlich-heitere Annehmen des Todes bei Haydn (das «Lächeln» der A-Dur-Pizzicato-Terzen!). Bei der Beschäftigung mit der Kreuzigungsthematik waren für mich der «Weg», der «letzte Gang» die entscheidenden Begriffe. Mein Stück beginnt am Ende eines Weges. Es sind lauter letzte Klänge, die nirgendwoher kommen und nirgendwohin führen. Das entsetzliche Reiben und Schmirgeln von Haut auf Holz wird zum Thema gemacht und durch Stille verbunden mit tonal Choralhaftem. Mich interessiert daran, wie im Verlauf des Stückes Geräusch nicht mehr für Desolates, und Tonales nicht mehr für Zuversicht steht.“
Brahms fühlte sich dem hohen Anspruch der Streichquartett-Gattung erst nach
20jährigen Vorarbeiten gewachsen. Robert Schumann hatte zwar schon 1853 der
Musikwelt Streichquartette des jungen Hamburgers angekündigt, die „verschleierte
Sinfonien“ seien, doch der Komponist vernichtete diese wie alle anderen Jugendquartette.
Insgesamt hat er nach eigenen Angaben 20 frühe Streichquartette zerstört, bevor er 1873 sein erstes Opus mit zwei Quartetten publizierte. Schönberg analysierte die Quartette in einem Aufsatz und führte unter anderem den Kopfsatz des c-Moll-Quartetts auf ein einziges kurzes Motiv zurück, aus dem alle Themen des Satzes durch Techniken wie Vergrößerung, Umkehrung etc. ableitbar seien. So komplex solche Analysen auf den unbefangenen Konzertbesucher wirken mögen, so notwendig sind sie doch gerade zum Verständnis der Streichquartette von
Brahms. Denn deren enge motivische Verzahnung und kompakte Satztechnik
erschließen sich erst dem analytischen Hören. Der Biograph Heinrich Reimann
berichtete, man habe „an Brahms‘ Quartetten häufig getadelt, dass er über das Maß
dessen, was vier einzelne Instrumente an Kraft und Klangfülle leisten können,
hinausgehe, dass er unverhältnismäßige Mittel aufwende, und doch nicht die
beabsichtigte Wirkung erziele … Dafür bietet er reichen Lohn demjenigen, der ihm
auf diesem beschwerlichen Wege gefolgt ist, sei er ausübender Künstler oder
zuhörender Laie.“

„Das Duell │ Beethoven – Wölfl“

Große Symphonien – kleine Besetzung

Der zu seinen Lebzeiten höchst anerkannte Komponist und Pianist Joseph Wölfl und der drei Jahre ältere Ludwig van Beethoven haben sich in den Wintermonaten 1798/99 in Wien zu einem sogenannten Klavier–Duell getroffen. Der Ausgang des Duells war nicht ganz klar – es gab keinen Sieger, die Pianisten/Komponisten waren zu unterschiedlich. „Wölfls Spielweise erscheint als apollonisch– klar im Gegensatz zu Beethovens dionysisch–unberechenbarem Ausdruckspiel“, so ein zeitgenössischer Zuhörer. Das Wiener Publikum liebte derlei Gesellschaftsspiele, bei denen Künstler gegeneinander traten. Man hatte danach unendlichen Diskussionsstoff für die Gespräche im Salon. Nun haben die Mitglieder des Ensembles „Altera pars“ in der British Library die Transkriptionen des Zeitgenossen G. Masi von Symphonien Wölfls und Beethovens für sieben Spieler gefunden, die vermutlich seit dem Anfang des 19. Jahrhunderts nicht mehr aufgeführt wurden. Damals diente die Gepflogenheit, große symphonische Werke für kleinere Besetzungen zu adaptieren, einerseits dazu, diese Musik einer größeren Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Anderseits brachte der Wechsel vom orchestralen Musizieren hin zu kammermusikalischer Gestaltung neue Klangfarben und Ausdrucksmöglichkeiten hervor. In Fall der Bearbeitungen durch G. Masi sind die Transkriptionen keine Vereinfachung, sondern eher eine Verdichtung der musikalischen Tonsprache. „Der Name Beethoven ist heilig in der Kunst“ hat Fr. Liszt im gedruckten Vorwort zur Klavierpartitur der 5. Sinfonie geschrieben. Seiner Meinung und der vieler seiner Zeitgenossen nach sollte man also sehr überzeugt und wissend sein, um sich erlauben zu dürfen in das Heiligtum der Beethovenschen Schöpfungen einzugreifen. G. Masi hat in diesem Sinne sehr kreative Lösungen gefunden, wie man ohne ein großes Orchester symphonische Musik in kammermusikalischer Besetzung effektiv zum Leuchten bringen kann. In dem Konzert werden zwei Symphonien – eine von Woelfl und eine von Beethoven – erklingen. Ganz in der Tradition des Wiener Salon–Duells erhält das Publikum also die Gelegenheit, zwischen einem klingenden Apoll und einem musikalischen Dionysos abzuwägen.

Ensemble „Altera Pars“

Altera Pars am 2.11.2025 in der Jülicher Schlosskapelle

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)

Ouvertüre aus „Die Geschöpfe des Prometheus“ Op.43 (1801) in Transkription von Girolamo Masi (1825) für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Symphonie Nr.1, C–Dur, Op.21 (1799 – 1800) in Transkription von G.Masi für Flöte, Streichquintett und Kontrabass

Egmont Ouvertüre II, Op.84 (1809 – 1810) in Transkription von G.Masi für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Joseph Woelfl (1773 – 1812)

Symphonie D–dur („Troisieme symphonie“, op.45) (1807) in Transkription von G.Masi (1825) für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Stand 04.07.2025: noch keine Inhalte

Ins Blickfeld der internationalen Aufmerksamkeit gelangte Laurent Albrecht Breuninger zum ersten Mal 1997, als er beim renommierten ‚Concours Reine Elisabeth‘ den 2. Preis, den Prix Ysaÿe gewann und im selben Jahr für die Komposition seines ersten Streichquartetts den Kompositionspreis der Brandenburgischen Sommerkonzerte erhielt. Diese Auszeichnungen markieren den Höhepunkt einer langen Reihe von Preisen, die Breuninger zuvor in Brescia (1984), Belgrad (1986), Prag (1992), Wien (1992), Berlin und Montreal (1995) gewonnen hatte.

Als Solist debütierte Laurent Albrecht Breuninger im Alter von 12 Jahren mit dem Budapest Chamber Orchestra unter der Leitung von Vladimir Spivakov beim Musikfestival Tours. Seitdem konzertiert er als Solist regelmäßig mit Orchestern im In- und Ausland. In den letzten Jahren war er u.a. bei den Schwetzinger Festspielen,  Braunschweiger Classix, dem Bath International Music Festival, dem Kammermusik-Festival in Kuhmo/Finnland,  dem Kissinger Sommer, dem Schleswig-Holstein Musik Festival und dem Georges-Enesco-Festival in Bukarest zu hören.

Laurent Albrecht Breuninger ist deutsch-französischer Abstammung, studierte zunächst bei Thomas Füri in der Schweiz, später bei dem renommierten Violinpädagogen Josef Rissin in Karlsruhe. Dort hat Laurent Albrecht Breuninger seit 2003 selbst eine Professur inne.

Sibylle Mahni absolvierte ihr Studium bei Frau Professor Marie-Luise Neunecker an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt/Main und schloss dieses mit dem Konzertexamen ab.
Währenddessen war sie Stipendiatin bei der „Studienstiftung des Deutschen Volkes“ und der „Villa Musica“ und war Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe wie z.B. beim Internatinonalen Musikwettbewerb der ARD in München.

Von 1997 bis 2016 war sie als Solo-Hornistin im Frankfurter Opern-und Museumsorchester tätig. Nachdem sie neben ihrer Tätigkeit als Hornistin im Orchester schon als Lehrbeauftragte an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt/Main und als Professorin an den Hochschulen für Musik Mainz, Saarbrücken und Würzburg gelehrt hatte, wurde Sibylle Mahni zum Wintersemester 2020/21 als Professorin für Horn an die Hochschule für Musik Berlin „Hanns Eisler“ berufen und tritt damit die Nachfolge ihrer Lehrerin Prof.Marie-Luise Neunecker an dieser Stelle an.

Im Rahmen ihrer Lehrtätigkeit gab sie schon mehrfach Meisterkurse , so zum Beispiel beim Internationalen Hornsymposium in Kalamazoo/ Michigan, an der Jerusalem Music Academy, bei den Musiktagen Seefeld/ Tirol, bei der Villa musica, beim Forum artium u.a.

Sie trat als Solistin  mit einer Vielzahl bedeutender Orchester auf, wie dem SWR-Sinfonieorchester Stuttgart, den Münchener Sinfonikern, der Internationalen Bach Akademie Stuttgart, dem Württembergischen Kammerorchester und der Britten Sinfonia. Dabei arbeitete sie mit Dirigenten wie Oleg Caetani, Toshiyuki Kamioka und Hellmuth Rilling zusammen und ist auch international als Solistin gefragt. So gastierte sie z.B. in Ländern wie Schweden, Schweiz, Holland, Kroatien, China und den USA.

Mit großer Begeisterung widmet sie sich der Kammermusik. So gastierte sie bei namhaften Kammermusikfestivals wie zum Beispiel mehrfach beim Kammermusikfest „Spannungen“ in Heimbach, dem Moritzburg Festival,den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker und dem Albert Musikfest Jahrhundertklang, Freiburg.

Zu ihren Kammermusikpartnern zählen bedeutende Persönlichkeiten wie Christian Tetzlaff, Isabelle van Keulen, Kirill Gerstein, Lars Vogt (†), Sharon Kam.

Thomas Duis, 1958 in Frankfurt am Main geboren, gehört heute zu den renommierten Pianisten in Deutschland.
Während seiner Ausbildung in Wiesbaden, Hannover und Leeds, verbunden mit Meisterkursen und Anregungen namhafter Musiker, gewann Thomas Duis viele Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben. Als Stipendiat der Deutschen Studienstiftung und des Deutschen Musikrats wurde er u.a. in Amerika (Maryland, Salt Lake City,), Australien (Sydney), Südafrika (Pretoria), Israel (Tel Aviv) und in Europa (Athen, Köln, Leeds, Vercelli; Bordeaux, Senigallia, München) mit Preisen überhäuft.

Daraus resultierten Schallplattenverträge mit bekannten Labels wie EMI, Capriccio, Orfeo, MDG, CPO, Telos music und Konzertengagements weltweit.

Neben Konzerten als musikalischer Botschafter des Goethe-Instituts in Ankara, Athen, Atlanta, Bordeaux, Istanbul, London, Manchester, Toulouse und Warschau, sowie fast allen Ländern des nahen Ostens und Nordafrikas führten Einladungen u.a. in das Sydney Opera House, nach Melbourne, Neuseeland, Hongkong, Peking, Shanghai, Moskau, Jerusalem, Tel Aviv, Johannesburg, nach New York, Boston, Chicago, Miami, Salt Lake City, Vancouver, Dallas, Fort Worth, Paris, Bordeaux, Turin, Mailand, Athen und in die großen Deutschen Konzertsäle.

Konzerte bei Festivals wie Schleswig Holstein und Mecklenburg Vorpommern, Rheingau Musikfestival, Klavierfestival Ruhr, Ludwigsburg, Kissinger Sommer, Braunschweig Classix, Musikfestspiele Saar, Maifestspiele Dresden, Enesco Festival in Bukarest, Echternach, Harrogate, Auftritte als Solist namhafter Orchester, im Klavierrezital oder als Kammermusikpartner führten zu überschwenglichen Rezensionen. Die Süddeutsche Zeitung beschreibt ihn als legitimen Nachfolger von Wilhelm Backhaus, die Welt beschreibt Thomas Duis als einen der besten Pianisten seiner Generation, ebenso die Frankfurter Allgemeine Zeitung. Der Bonner Generalanzeiger sieht ihn gar auf dem „unbestreitbaren Weg zur Weltspitze“.

Konzerte mit herausragenden Musikern wie Frank Peter Zimmermann, Maxim Vengerov, Sergej Krylow, Reinhold Friedrich, Dieter Klöcker, Eduard Brunner,  Wolfgang Meyer, Laurent Albrecht Breuninger, Joshua Bell, Gustav Rivinius, den Mitgliedern des Mannheimer Streichquartetts, dem Auryn-Quartett, dem Tokyo String Quartet, dem Consortium Classicum, aber auch CD- und Rundfunkproduktionen, teilweise mit Auszeichnungen wie dem Deutschen Schallplattenpreis prämiert; dokumentieren seine musikalische Vielfalt. Diese wird wiederum durch Erfolge in der Lehrtätigkeit unterstrichen.

Thomas Duis wurde 1994 eine Professur im zentralen künstlerischen Hauptfach Klavier an der Musikhochschule Graz erteilt, 1998 folgte er dem Ruf nach Saarbrücken. Studenten seiner Klasse haben Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben gewonnen, wurden Stipendiaten namhafter Stiftungen und konzertieren im In- und Ausland.

Thomas Duis wurde 2007 zum Officier dans l`ordre des Palmes academiques ernannt. Von 2004 bis 2012 war Thomas Duis Rektor der Hochschule für Musik Saar.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Trio Es-Dur nach dem Hornquintett KV 407

Allegro
Andante
Allegro

César Franck (1822 – 1890)
Sonate A-Dur für Violine und Klavier

Allegretto moderato
Allegro
Recitativo – Fantasia. Moderato
Allegretto poco mosso

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Trio Es-Dur op. 40 für Violine, Horn und Klavier

Andante – Poco piú animato
Scherzo. Allegro – Molto meno
Adagio mesto
Finale. Allegro con brio

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb das Quintett für Horn und Streicher für seinen Freund Johann Leitgeb. Das Quintett zeichnet sich durch seine ungewöhnliche Streicherbesetzung mit nur einer Violine, aber zwei Bratschen aus. Die Besetzung erlaubte es dem Komponisten, die dunklen und weichen Schattierungen des Klangs auszuloten, was besonders im Andante-Mittelsatz geschieht. Das einleitende Allegro verbindet Marschrhythmus und konzertierende Passagen, das Finale erinnert mit seinem Kehraus-Thema im Tanzrhythmus an die Finali der Hornkonzerte. In der Bearbeitung für Klavier, Violine und Horn eröffnen sich neue klangliche Möglichkeiten.

César Franck hat seine Sonate dem berühmten Geiger Eugène Ysaie gewidmet, der sie im Dezember 1886 in Brüssel uraufführte und fortan in vielen seiner Konzert spielte. Damit wurde sie zu einer der bedeutendsten Violinsonaten des Fin de siècle. Die im Sommer 1886 komponierte Sonate folgt der Idee eines Motto-Themas, das sich zyklisch durch alle Sätze zieht. Alle Themen kreisen um das Motiv der fallenden Terzen, mit denen die Sonate beginnt. Tatsächlich ist in dem Beginn des Allegretto ben moderato schon das hochromantische Wesen der Sonate ausgeprägt: „in jenem weichen Nonakkord des Klaviers, aus dessen Stufen die Geige ein schönes, wiegendes Thema gewinnt. Eindrucksvoll ist dieses schwebende Klangbild…“ Der ganze Satz wirkt wie ein Vorspiel zu dem in leidenschaftlicher Bewegung sich entfaltenden zweiten Satz. Der dritte Teil der Sonate beginnt in träumerischer Versunkenheit mit einem ‚Recitativo‘, das in eine lichte, gesanglich fließende ‚Fantasia‘ von charakteristisch weichem, jedoch intensivem Ausdruck ausmündet. Dann folgt mit dem Finale der zweite bewegte Satz des Werks, in hellem A-Dur erstrahlend, frei von leidenschaftlichen Zügen, aber belebt von Rückerinnerungen an den zweiten Satz.“ (Anton Würz)

Zu den Instrumenten, die Johannes Brahms als Kind in Hamburg erlernt hatte, gehörte neben Klavier und Cello auch das Horn. Daher ist es nicht verwunderlich, dass er das Horn auch später in seiner Musik immer wieder prominent behandelte.

Der „Ruf“ in der freien Natur, der sich mit dem Horn in der romantischen Musik seit Carl Maria von Webers Freischütz verbindet, hatte auch für ihn seine tiefere Bedeutung. Ähnliches gelang Johannes Brahms zu Beginn seines Es-Dur-Trios. Alle vier Sätze beruhen auf dem Gegensatz zwischen der strahlenden „Naturtonart“ Es-Dur und ihrem düsteren Gegenstück es-Moll. Das Scherzo, dessen Thema die sprichwörtlichen „Hornquinten“ benutzt, hat ebenfalls eine dunkle Trio-Episode in as-Moll bzw. es-Moll. Das es-Moll-Adagio erinnert in der Form an eine Passacaglia: Das Klavier allein geht mit einem absteigenden Thema voraus, das dann von den beiden Soloinstrumenten frei variiert wird. Als zweites Thema stimmt das Horn einen Kanon an, den die anderen aufgreifen. Ausgelassen gibt sich das Finale, dessen Thema an ein rheinisches Volkslied erinnert.

Änderungen vorbehalten! Der Veranstalter übernimmt keine Haftung für eventuelle Modifizierungen!

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Anlässlich einer CD-Produktion mit Werken der Komponistin Dorothee Eberhardt fanden sich die Musiker erstmalig zusammen und gründeten aus dieser positiven Begegnung heraus 1999 das Gelius Trio, dessen Namensgeber der Pianist ist. Die Erfahrungen der beiden Streicher als Konzertmeister der Münchner Philharmoniker, die unter der Leitung der großen Dirigenten unserer Zeit musizieren, fließen in die Zusammenarbeit als große Bereicherung ein. Micael Gelius versteht es, den Flügel singen zu lassen, einfühlsam zu begleiten, aber auch seine pianistische Raffinesse auszuspielen.

Das Trio ist berühmt für den gemeinsamen Atem, der die Phrasierungen der Musiker durchzieht, für Klangschönheit, Leidenschaft und tiefe Empfindung. Michael Hell war von 2000 bis 2022 Cellist des Trios. Seit Oktober 2022 hat Floris Mijnders (Solocellist der Münchner Philharmoniker) diesen Part übernommen. Sreten Krstic spielt eine Geige von Nicolaus Gagliano. Floris Mijnders spielt ein Francesco Goffriller Cello, 1740 gefertigt in Udine.

Das Repertoire umfasst neben klassischen und romantischen Werken auch Ausflüge in die Welt des Tango und Jazz, wie die Musiker auf ihrer CD Oblivion unter Beweis stellen. Das Trio ist zu Gast bei großen Festivals, wie z.B. dem Schleswig-Holstein-Festival, Musiksommer zwischen Inn und Salzach, Milstätter Konzertwochen.

Johann Strauß, dem Walzerkönig, zum 200. Geburtstag

Franz Schubert (1797 – 1828)
Valses nobles

Anton Rubinstein (1829 – 1894)
Melodie op. 3 Nr. 1

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Ungarischer Tanz Nr. 6

Johann Strauß (Sohn) (1825 – 1899)
Tritsch-Tratsch-Polka op. 214

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Trio G-dur

Andante
Poco Adagio. Cantabile
Rondo all’Ongarese. Presto

– Pause –

Claude Debussy (1862 – 1918)
Trio G-dur
Andantino con moto allegro – Allegro appassionato – Tempo primo
(Scherzo) Intermezzo. Moderato con allegro
Andante espressivo
Finale. Appassionato

Paul Schoenfield (1947 – 2024)
Café music
Allegro
Rubato, andante moderato
Presto

Für den begeisterten Applaus bedankten sich die drei sympathischen Musiker mit „La muerte del angel“ von Astor Piazzolla

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Das Ensemble erinnert die Organisatoren der Schlosskonzerte an die Frustrationen des ersten Corona-Jahres. Mit dem Notos Quartett wagten wir im September 2020 nach mehreren verzweifelten Versuchen und Absagen den Neustart nach dem Lockdown in die neue Konzertsaison. Das obige Foto (noch mit Philip Graham am Cello) entstand im Pädagogischen Zentrum des Gymnasiums Zitadelle als Ausweichlösung. Abstand, Maskenpflicht, Impfkontrolle, Verzicht auf Pausenbewirtung bei verkürztem, aber zweizügigem Programm sind nur die wichtigsten der Hygienemaßnahmen, mit denen wir damals zu kämpfen hatten. Es lohnt sich durchaus, auch einmal die chaotische Saison 2019/20 aus dem Archiv aufzurufen..

Das Notos Quartett gilt als eine „der herausragenden Kammermusikformationen der Gegenwart“ (FONO FORUM 09/2017). Publikum wie Kritiker bewundern neben der „virtuosen Brillanz und technischen Perfektion“ des Ensembles besonders den „Sinn für die Balance und das Zusammenspiel, welcher jedes Detail der Komposition hörbar macht“, wobei es „die Zuhörer mit den innig gespielten Tönen direkt ins Herz trifft“.

Seit seiner Gründung im Jahr 2007 wurde das Notos Quartett bereits mit sechs 1. Preisen sowie zahlreichen Sonderpreisen bei internationalen Wettbewerben in Holland, Italien, England und China ausgezeichnet. 2017 wurde ihm darüber hinaus der zu diesem Zeitpunkt renommierte deutsche Musikpreis ECHO Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres verliehen, eine Auszeichnung, die nur in den seltensten Fällen an ein Ensemble vergeben wurde.

Als Reaktion auf die ECHO Pop-Verleihung im April 2018, in der ein Album mit antisemitischem und menschenverachtendem Gedankengut mit einem Preis ausgezeichnet wurde, gaben die Musiker des Notos Quartetts als erste Künstler ihren ECHO wieder zurück. Sie lösten damit eine Protestbewegung aus, der sich viele namhafte Künstler wie Igor Levit, Daniel Barenboim und Marius Müller-Westernhagen mit der Rückgabe ihrer Preise anschlossen. Infolgedessen entschied sich der Bundesverband Musikindustrie, die Marke ECHO komplett abzuschaffen.

Das Bestreben der Musiker, neben den bekannten Meisterwerken auch verschollene und vergessene Werke der Gattung Klavierquartett aufzuspüren und einem breiten Publikum zu präsentieren, spiegelt auch ihre Debüt-CD „Hungarian Treasures“ wider, die im Februar 2017 bei Sony Classical/RCA erschienen ist. Diese beinhaltet unter anderem die Weltersteinspielung des Klavierquartetts von Béla Bartók, für dessen Wiederentdeckung das Ensemble weltweit große Aufmerksamkeit und Anerkennung erlangte.

Das große Interesse am Notos Quartett und seinen außergewöhnlichen Programmen dokumentieren auch zahlreiche Konzertmitschnitte, Interviews und Portraits in Rundfunk- und Fernsehanstalten im In- und Ausland, wie dem ARD, ZDF, Deutschlandfunk, BR, SWR, WDR, MDR, NDR, RBB, SR, HR sowie dem BBC, France Musique, Radio4 Holland, ORF Österreich, P2 Schweden, IPR USA und verschiedenen Sendern in Japan und Vietnam.

Neben Auftritten in renommierten europäischen Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, dem Konzerthaus Wien, der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, der Tonhalle Zürich, dem BOZAR Brüssel, dem Teatro la Fenice Venedig und bei den großen Festivals im Rheingau, in Schwetzingen, Würzburg, Mecklenburg-Vorpommern, Usedom und Radio France, bereist das Quartett regelmäßig auch ferne Länder wie Russland, China, Japan und den südostasiatischen Raum.

Neben seiner Konzerttätigkeit setzt es sich auch für die Förderung junger Musiker ein und sieht darin einen weiteren wichtigen Aspekt seiner Arbeit. So unterrichtete das Ensemble bereits am Royal Northern College of Music in Manchester, leitete den Meisterkurs „Saigon Chamber Music“ in Vietnam und veranstaltet seit Herbst 2015 die von ihm gegründete und jährlich stattfindende „Notos Chamber Music Academy“, die seit dieser Saison in Zusammenarbeit mit der Jeunesses Musicales Deutschland in Weikersheim ausgetragen wird.

Zu den Wegbegleitern, Lehrern und Förderern des Quartetts zählen u.a. das Alban Berg Quartett, das Mandelring Quartett, Uwe-Martin Haiberg, Clemens Hagen, Menahem Pressler und András Schiff. Ermöglicht durch den „Merito String Instruments Trust“ spielt das Notos Quartett auf wertvollen alten italienischen Streichinstrumenten und als Pirastro-Artist ausschließlich auf Saiten der renommierten Saitenmanufaktur „Pirastro GmbH“.

Der Cellist Philip Graham musste bedauerlicherweise aus gesundheitlichen Gründen schon im Sommer das Quartett verlassen. Diese Tatsache wurde verschiedentlich in den Medien kommuniziert. Mit Benjamin Lai hat das Ensemble einen ebenfalls herausragenden Cellisten gewonnen und seit Sommer bereits zahlreiche erfolgreiche Konzerte in dieser Saison gespielt u.a. in der Elbphilharmonie Hamburg, im Beethovenhaus Bonn sowie in Italien, England, Holland und Ungarn.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Klavierquartett Es-Dur

Allegro
Larghetto
Allegretto

William Walton (1902 – 1983)
Klavierquartett

Allegramente
Allegro scherzando
Andante tranquillo
Allegro molto

– Pause –

Robert Schumann (1810 – 1856)
Klavierquartett Es-Dur

Sostenuto assai – Allegro ma non troppo
Scherzo. Molto vivace
Andante cantabile
Finale. Vivace

Das Ensemble bedankte sich für den begeisterten Applaus mit einer zum Jahresbeginn passenden Altwiener Tanzweise, dem Liebesleid von Fritz Kreisler als Zugabe.

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb seine beiden Klavierquartette in den Jahren 1785/86 in Wien. Sie sind die ersten bedeutenden Beispiele einer Gattung, die zu seiner Zeit dem Wiener Publikum wenig vertraut war. Dies mag erklären, warum der Verleger Franz Anton Hoffmeister, der den Komponisten ursprünglich um drei Klavierquartette zur Veröffentlichung gebeten hatte, von diesem Auftrag zurücktrat, als sich das erste von Mozart gelieferte Quartett in g-moll nur schlecht verkaufte. Das zweite in Es-Dur übernahm Hoffmeister nicht mehr in seinen Verlag, obwohl er die Violinstimme bereits in Kupfer hatte stechen lassen. Er verkaufte die fertigen Druckplatten an seinen Konkurrenten Artaria, bei dem das Werk 1786 erschien. Komponiert wurde das Es-Dur-Quartett unmittelbar nach dem Abschluss der Oper Le nozze di Figaro im Mai und Juni 1786.

Im ersten Satz gibt es fünf verschiedene, melodisch weit ausgesponnene Themen, in denen der lyrische Charakter überwiegt. Das Larghetto gehört zu Mozarts schönsten langsamen Sätzen.  Das Finale in der Form eines Sonaten-Rondos ist einer der großartigsten Versuche Mozarts, den Stil der Opera buffa mit dem anspruchsvollen Charakter klassischer Kammermusik zu verbinden.

Bereits 1918 vollendete der damals erst 16-jährige William Walton sein Klavierquartett. 1921 schickte er es von Italien aus nach England. Aber erst drei Jahre später kam das Paket mit der Partitur an. Walton, vom Wiederauftauchen seines sechs Jahre alten Jugendwerks überrascht, nutzte die Gelegenheit, es nach gründlicher Überarbeitung beim Wettbewerb um den Carnegie Award einzureichen, den er prompt gewann. Die Begründung der Jury ist eine schöne Zusammenfassung der Qualitäten, die das Quartett auch heute noch hörenswert machen: „Klar und transparent in der Textur, zurückgenommen im Gefühl, durchweg gut geschrieben, erhebt sich das Werk an Höhepunkten zu großer Schönheit und noblem Ausdruck. Es ist eine wahrhafte künstlerische Leistung!“

Robert Schumann komponierte sein Klavierquartett in Es-Dur op. 47 im Jahr 1842. Nach den frühen Klavierwerken und dem “Liederjahr” 1841 hatte sich der Komponist intensiv der Kammermusik zugewendet.  Die vier Sätze des Klavierquartetts sind in sich und untereinander thematisch eng verwoben. Die unbestimmte, gleichsam träumerische Atmosphäre der langsamen Introduktion wird zu Beginn des Allegros von einem kraftvollen rhythmischen Impuls verdrängt, der aber “sempre con molto sentimento” gespielt werden soll. Die drei auftaktigen Viertel dieses Themas tauchen im folgenden in immer neuer Gestalt auf. Als zweites Thema von eher episodischem Charakter tritt ihnen die Melodie des Chorals “Wer nur den lieben Gott läßt walten”, umspielt von Läufen, gegenüber. Das Scherzo, ein gespenstisches Nachtstück in Moll, wird von zwei Trios unterbrochen, von denen das erste singend und imitatorisch, das zweite zaghaft-tastend angelegt ist. Höhepunkt des Werks ist das Andante mit einem der schönsten Cellothemen der Romantik. Seine ausdrucksvollen Vorhalte und melodischen Wendungen erinnern an Schumanns schönste Lieder.