Nach nun schon über 25-jähriger Konzerttätigkeit in unveränderter Besetzung kann man das Trio Lézard heute als eines der führenden Trio d’anches‘ weltweit bezeichnen. Die Kritik attestiert ihm »Virtuosität« (Klassik.com), »Klangschönheit« (FAZ) sowie »perfektes Zusammenspiel« (Fanfare). Mit dem Gewinn des »ECHO Klassik« 2015 für die Einspielung „Paris 1937“ wurde dies eindrucksvoll bestätigt. Das Trio Lézard ist zur Stunde das einzige Bläsertrio, welches jemals einen Schallplattenpreis erhielt.

Das „klassische“ Trio d’anches von Oboe, Klarinette und Fagott ist unsere Kernbesetzung, zu der wir immer wieder zurückkehren. Das „Trio d’anches de Paris“, etablierte diese in den 1930er Jahren zum ersten Mal in der Musikgeschichte als Ensemble und erhob sie so zur musikalischen „Gattung“. Diese damals begründete Tradition führen wir nun mit erweiterten klanglichen Ausdrucksmöglichkeiten fort. Nach und nach haben wir sowohl unser Instrumentarium als auch das Repertoire erweitert. Letzteres zählt mittlerweile über 200 Werke aus fünf Jahrhunderten, von der Renaissance bis zur Moderne. Um eine solche Zeitspanne klanglich darstellen zu können, greifen wir zusätzlich zu Nebeninstrumenten oder historischen Instrumenten aus dem 18. und 19. Jahrhundert, zu diesen gehören auch Saxophone und Sarrusophone. Alle diese Instrumente eint die Tonerzeugung mittels eines (einfachen oder doppelten) Rohrblatts. Drei von ihnen zusammen bilden immer ein Trio d’anches.

Das Trio Lézard am 7.9.2025 in Jülich

I love Paris (2024)
Le Trio Lézard au „Boeuf“

Eugene Bozza (1905-1991)
Fughette – Sicilienne – Rigaudon
für Oboe, Klarinette und Fagott

Pierre Wissmer (1915 – 1992)
Sérénade
für Oboe, Klarinette und Fagott

Darius Milhaud (1892-1974)
Suite d’après Corette op. 161b
für Oboe, Klarinette und Fagott

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Sonate  BWV 1027 G – Dur  („Gambensonate N° 1“)
für Klarinette, Bassoboe und Fagott

 

– Pause –

 

Johann Sebastian Bach
Sonate BWV 1030b g-moll
für Sopransaxophon, Altsarrusophon und Basssarrusophon

Darius Milhaud/Cole Porter
Suite „Le Boeuf sur le toit“
für Sopran-/Altsarrusophon, Sopransaxophon und Basssarrusophon

Francis Poulenc (1899-1963)
Tango (ex: l’invitation au chateau)
für Sopransaxophon, Sopransarrusophon und Basssarrusophon

…Oktober 1922, im „Le boeuf sur le toit“, dem legendären Pariser Künstlerlokal … 3 Clowns erscheinen, es sind die weltberühmten Fratellini, sehen Darius Milhaud und Jean Cocteau mit einem Glas Champagner beisammen stehen, setzen ihre Sarrusophone an und intonieren spontan eine Variation des „Tango des Fratellini“, den Milhaud ihnen kurz zuvor in die Orchestersuite, eben „Le boeuf sur le toit“, geschrieben hatte.

Tangos, seriöse Kammermusik, Swing, klassische Klaviermusik, Chansons … im „Boeuf“ klingt eines neben dem anderen völlig gleichberechtigt, Django Reinhardt neben Mozart, Wagner neben Cole Porter, Bach neben Barbirolli.

Genau ein Jahrhundert später ist die CD „Le Tango des Fratellini“ des Trio Lezard erschienen: mit Musik aus dem Paris der 20er und 30er Jahre. Und wie im „Boeuf“ steht auch hier „klassische“ Kammermusik gleichberechtigt neben Tango und Chanson. Aber nicht nur die Musik dieser schillernden Zeit erwecken wir zu neuem Leben, sondern auch die Instrumente: Sarrusophone, die längst vergessen geglaubten Cousins der Saxophone, lassen mit den Tangos der 20er Jahre diese Welt vor Ihren Augen und Ohren wieder auferstehen.

Nachdem es mehr als 100 Jahre geschwiegen hat, geben wir ihm seine Stimme zurück: dem Sarrusophon.

Dieses faszinierende Holzblasinstrument aus Metall ist um 1850 in Paris erfunden worden und hat den gleichen Ursprung wie das Saxophon. Das Sarrusophon gibt es, wie auch das Saxophon, in allen Stimmlagen, vom Sopranino bis zum Kontrabass. Klanglich beeindruckt es mit der Eleganz der Oboe, der Kraft des Saxophons und der Virtuosität der Querflöte.

Das Trio Lézard, als eines der renommiertesten und zugleich innovativsten Trio d’anches‘ weltweit, erweckt diese längst vergessen geglaubten Zeugen der schillernden Belle Epoque zu neuem Leben.

Jan Creutz

Das Minguet Quartett – gegründet 1988 – zählt heute zu den international gefragtesten Streichquartetten und gastiert in allen großen Konzertsälen der Welt, wobei seine so leidenschaftlichen wie intelligenten Interpretationen für begeisternde Hörerfahrungen sorgen – „denn die Klang- und Ausdrucksfreude, mit der das Ensemble die Werke zur Sprache bringt, belebt noch das kleinste Detail“ (Frankfurter Allgemeine Zeitung). Namenspatron ist Pablo Minguet, ein spanischer Philosoph des 18. Jahrhunderts, der sich in seinen Schriften darum bemühte, dem breiten Volk Zugang zu den Schönen Künsten zu verschaffen: Das Minguet Quartett fühlt sich dieser Idee mehr denn je verpflichtet.

Das Minguet Quartett war 2024 zum siebten Mal Gast bei den Salzburger Festspielen, nachdem es dort bereits 2004 debütierte. 2025 konzertiert das Ensemble u.a. im Robert-Schumann-Saal Düsseldorf, Diligentia Theater Den Haag und in der Fruchthalle Kaiserslautern, bei den Raderbergkonzerten des Deutschlandfunk Köln, der Société de Musique Contemporaine Lausanne, beim Bodenseefestival und Schwetzinger Mozartfest.
Highlights des Jahres 2024 waren: Wiener Konzerthaus, Festspielhaus Baden-Baden, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Tonhalle Düsseldorf, Festspiele Europäische Wochen Passau, Schleswig-Holstein Musik Festival, Flagey Brüssel Klarafestival und Fundação Calouste Gulbenkian Lissabon. Projekte in 2022 & 2023 umfassten u.a. Konzerte im Prinzregententheater München, Gewandhaus zu Leipzig, in der Meistersingerhalle Nürnberg, der Alten Oper Frankfurt, bei L’association Pour l’Art Lausanne, den Meister- und Kammerkonzerten Innsbruck, dem Schumannfest Düsseldorf, der Fondazione Prometeo Parma und dem Festival Spinacorona Napoli.
Vorangegangene Spielzeiten führten das Ensemble in die Kölner und Berliner Philharmonie, Elbphilharmonie Hamburg, Library of Congress und International Gallery Washington DC, das Konzerthaus Berlin, Wiener Konzerthaus, Concertgebouw Amsterdam, De Doelen Rotterdam, BOZAR Music Brüssel, Théâtre des Abbesses Paris, Lincoln Center New York, SouthBank Centre London und The University of Hong Kong, zum Festival d’Automne Paris, Grafenegg Festival, Beethovenfest Bonn, Mozartfest Würzburg, Internationalen Brucknerfest Linz, Rheingau Musik Festival, Tongyeong International Music Festival Korea, zu den Festspielen Herrenchiemsee, Schwetzinger Festspielen, zur Kammermusikwoche Schloss Elmau und Internationalen Stiftung Mozarteum Salzburg sowie zu weiteren Festivals und in große Konzertsäle innerhalb Europas, in Japan, Mittel- und Südamerika, Kanada und den USA.

Das Minguet Quartett konzentriert sich auf die klassisch-romantische Literatur sowie die Musik der Moderne gleichermaßen und engagiert sich durch zahlreiche Uraufführungen für Kompositionen des 21. Jahrhunderts. Begegnungen mit bedeutenden Komponisten unserer Zeit inspirieren die vier Musiker zu immer neuen Programmideen. Die erstmalige Gesamtaufnahme der Streichquartette von Wolfgang Rihm, Peter Ruzicka und Jörg Widmann zählen zu den bedeutenden Projekten, fortgesetzt durch die Tondokumentation des monumentalen 2. Streichquartetts von Manfred Trojahn und eine Portrait-CD der Komponistin und OPUS KLASSIK 2023-Preisträgerin Konstantia Gourzi beim Label ECM. Ein Höhepunkt der letzten Jahre war die Aufführung von Karlheinz Stockhausens Helikopter-Streichquartett im Rahmen eines Konzeptes des Dirigenten Kent Nagano.

Im Mittelpunkt der Programmgestaltung der Jahre 2024 und 2025 stehen die runden Geburtstage von Anton Bruckner, Josef Suk, Arnold Schönberg, Luigi Nono, Luciano Berio, Toshio Hosokawa und Maurice Ravel.

Aktuelle Partner des Minguet Quartetts sind u.a. die Sopranistin Anna Prohaska, die Pianisten Alexander Krichel, Gülru Ensari und Herbert Schuch, das Piano-Duo Yaara Tal & Andreas Groethuysen, der Klarinettist Matthias Schorn, die Geigerin Ioana Cristina Goicea, der Bratschist Matthias Buchholz, der Cellist Jens Peter Maintz sowie der Schauspieler Sabin Tambrea.
Als Solistenquartett musizierte das Ensemble mit dem WDR Rundfunkchor, den Rundfunksinfonieorchestern DSO, des SR, hr, WDR und ORF sowie dem Brucknerorchester Linz und den Nürnberger Symphonikern unter den Dirigenten Jukka-Pekka Saraste, Markus Stenz, Peter Ruzicka und Ilan Volkov.

Mit der CD-Gesamteinspielung der Streichquartettliteratur von Felix Mendelssohn Bartholdy, Josef Suk, Heinrich von Herzogenberg und Emil Nikolaus von Reznicek präsentiert das Minguet Quartett seine große Klangkultur und eröffnet dem Publikum die Entdeckung eindrucksvoller Musik der Romantik. 2022 erschien die vollständige Aufnahme der Werke für Streichquartett von Walter Braunfels und eine CD mit Klavierkammermusik von Ferdinand Hiller, 2023 folgte Musik von Heinrich Kaminski in Kombination mit dem einzigartigen Streichquartett von Glenn Gould. In den kommenden Jahren wird das Minguet Quartett u.a. Werke von Alberto Evaristo Ginastera und das Streichquartett von Maurice Ravel auf CD vorlegen.

2010 wurde das Minguet Quartett mit dem ECHO Klassik sowie 2015 mit dem renommierten französischen Diapason d’Or des Jahres ausgezeichnet, 2020 erhielt es das Stipendium RELOAD der Kulturstiftung des Bundes. Als relevanter Kulturträger wurde das Minguet Quartett 2022 ausgewählt, in Kooperation mit NEUSTART KULTUR – Die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien sein Projekt EifelKlang zu realisieren. 2024 war das Ensemble Schönberg150-Botschafter und Mitglied des künstlerischen Ehrenkomitees des Arnold Schönberg Center Wien. Langjähriger und regelmäßiger Kooperationspartner des Minguet Quartetts für zahlreiche innovative Projekte im In- und Ausland ist die Kunststiftung NRW.

Das Minguet Quartett am 5.10.2025 in Jülich

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Streichquartett Nr. 19 KV 465 in C-Dur „Dissonanzenquartett“

Jörg Widmann (*1973)
Streichquartett Nr. 2 „Choralquartett“ (2003)

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Streichquartett op. 51/1

Ein Höhepunkt in Mozarts Kammermusik ist das sogenannte „Dissonanzenquartett“, dessen langsame Einleitung die Kunst des chromatischen Vorhalts, das Changieren zwischen Dur und Moll ins Extrem treibt. Gestrenge italienische Zeitgenossen wie der Opernkomponist Giuseppe Sarti nahmen daran Anstoß. Sie sahen in dieser langsamen Einleitung eine einzige Ansammlung von Regelverstößen gegen den „reinen Satz“ oder glaubten gar an Fehler beim Setzen der Noten. Tatsächlich handelt es sich aber nur um eine Folge von besonders gewagten Vorhalten über dem langsam pochenden Bass, die sich jeweils überraschend in einen Mollakkord auflösen – Vorbote des Dualismus zwischen Dur und Moll, der das ganze Quartett prägt.
Jörg Widmann, Professor für Klarinette an der Freiburger Musikhochschule, ist
weltweit als Solist und erfolgreicher Komponist bekannt. Über sein „Choralquartett“ sagt Widmann: „Auf das sehr heterogene erste Streichquartett habe ich mit dem in sich kreisenden zweiten Quartett geantwortet – eine fast autistische, rätselhafte Musik, die nur Fragezeichen an die Wand malt. Es ist ein einziger langsamer Satz. Das Stück bezieht sich an keiner Stelle konkret auf Joseph Haydns «Sieben letzte Worte», wäre aber ohne das Wissen um dieses Werk undenkbar. Die Haydn’sche Satzfolge von ausschließlich (bis auf das abschließende Erdbeben) langsamen Sätzen ist nach wie vor von schockierender Eindringlichkeit. Noch verstörender ist für mich das gelassene zuversichtlich-heitere Annehmen des Todes bei Haydn (das «Lächeln» der A-Dur-Pizzicato-Terzen!). Bei der Beschäftigung mit der Kreuzigungsthematik waren für mich der «Weg», der «letzte Gang» die entscheidenden Begriffe. Mein Stück beginnt am Ende eines Weges. Es sind lauter letzte Klänge, die nirgendwoher kommen und nirgendwohin führen. Das entsetzliche Reiben und Schmirgeln von Haut auf Holz wird zum Thema gemacht und durch Stille verbunden mit tonal Choralhaftem. Mich interessiert daran, wie im Verlauf des Stückes Geräusch nicht mehr für Desolates, und Tonales nicht mehr für Zuversicht steht.“
Brahms fühlte sich dem hohen Anspruch der Streichquartett-Gattung erst nach
20jährigen Vorarbeiten gewachsen. Robert Schumann hatte zwar schon 1853 der
Musikwelt Streichquartette des jungen Hamburgers angekündigt, die „verschleierte
Sinfonien“ seien, doch der Komponist vernichtete diese wie alle anderen Jugendquartette.
Insgesamt hat er nach eigenen Angaben 20 frühe Streichquartette zerstört, bevor er 1873 sein erstes Opus mit zwei Quartetten publizierte. Schönberg analysierte die Quartette in einem Aufsatz und führte unter anderem den Kopfsatz des c-Moll-Quartetts auf ein einziges kurzes Motiv zurück, aus dem alle Themen des Satzes durch Techniken wie Vergrößerung, Umkehrung etc. ableitbar seien. So komplex solche Analysen auf den unbefangenen Konzertbesucher wirken mögen, so notwendig sind sie doch gerade zum Verständnis der Streichquartette von
Brahms. Denn deren enge motivische Verzahnung und kompakte Satztechnik
erschließen sich erst dem analytischen Hören. Der Biograph Heinrich Reimann
berichtete, man habe „an Brahms‘ Quartetten häufig getadelt, dass er über das Maß
dessen, was vier einzelne Instrumente an Kraft und Klangfülle leisten können,
hinausgehe, dass er unverhältnismäßige Mittel aufwende, und doch nicht die
beabsichtigte Wirkung erziele … Dafür bietet er reichen Lohn demjenigen, der ihm
auf diesem beschwerlichen Wege gefolgt ist, sei er ausübender Künstler oder
zuhörender Laie.“

„Das Duell │ Beethoven – Wölfl“

Große Symphonien – kleine Besetzung

Der zu seinen Lebzeiten höchst anerkannte Komponist und Pianist Joseph Wölfl und der drei Jahre ältere Ludwig van Beethoven haben sich in den Wintermonaten 1798/99 in Wien zu einem sogenannten Klavier–Duell getroffen. Der Ausgang des Duells war nicht ganz klar – es gab keinen Sieger, die Pianisten/Komponisten waren zu unterschiedlich. „Wölfls Spielweise erscheint als apollonisch– klar im Gegensatz zu Beethovens dionysisch–unberechenbarem Ausdruckspiel“, so ein zeitgenössischer Zuhörer. Das Wiener Publikum liebte derlei Gesellschaftsspiele, bei denen Künstler gegeneinander traten. Man hatte danach unendlichen Diskussionsstoff für die Gespräche im Salon. Nun haben die Mitglieder des Ensembles „Altera pars“ in der British Library die Transkriptionen des Zeitgenossen G. Masi von Symphonien Wölfls und Beethovens für sieben Spieler gefunden, die vermutlich seit dem Anfang des 19. Jahrhunderts nicht mehr aufgeführt wurden. Damals diente die Gepflogenheit, große symphonische Werke für kleinere Besetzungen zu adaptieren, einerseits dazu, diese Musik einer größeren Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Anderseits brachte der Wechsel vom orchestralen Musizieren hin zu kammermusikalischer Gestaltung neue Klangfarben und Ausdrucksmöglichkeiten hervor. In Fall der Bearbeitungen durch G. Masi sind die Transkriptionen keine Vereinfachung, sondern eher eine Verdichtung der musikalischen Tonsprache. „Der Name Beethoven ist heilig in der Kunst“ hat Fr. Liszt im gedruckten Vorwort zur Klavierpartitur der 5. Sinfonie geschrieben. Seiner Meinung und der vieler seiner Zeitgenossen nach sollte man also sehr überzeugt und wissend sein, um sich erlauben zu dürfen in das Heiligtum der Beethovenschen Schöpfungen einzugreifen. G. Masi hat in diesem Sinne sehr kreative Lösungen gefunden, wie man ohne ein großes Orchester symphonische Musik in kammermusikalischer Besetzung effektiv zum Leuchten bringen kann. In dem Konzert werden zwei Symphonien – eine von Woelfl und eine von Beethoven – erklingen. Ganz in der Tradition des Wiener Salon–Duells erhält das Publikum also die Gelegenheit, zwischen einem klingenden Apoll und einem musikalischen Dionysos abzuwägen.

Ensemble „Altera Pars“

Altera Pars am 2.11.2025 in der Jülicher Schlosskapelle

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)

Ouvertüre aus „Die Geschöpfe des Prometheus“ Op.43 (1801) in Transkription von Girolamo Masi (1825) für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Symphonie Nr.1, C–Dur, Op.21 (1799 – 1800) in Transkription von G.Masi für Flöte, Streichquintett und Kontrabass

Egmont Ouvertüre II, Op.84 (1809 – 1810) in Transkription von G.Masi für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Joseph Woelfl (1773 – 1812)

Symphonie D–dur („Troisieme symphonie“, op.45) (1807) in Transkription von G.Masi (1825) für Flöte, Streichquartett und Kontrabass

Stand 04.07.2025: noch keine Inhalte

Ins Blickfeld der internationalen Aufmerksamkeit gelangte Laurent Albrecht Breuninger zum ersten Mal 1997, als er beim renommierten ‚Concours Reine Elisabeth‘ den 2. Preis, den Prix Ysaÿe gewann und im selben Jahr für die Komposition seines ersten Streichquartetts den Kompositionspreis der Brandenburgischen Sommerkonzerte erhielt. Diese Auszeichnungen markieren den Höhepunkt einer langen Reihe von Preisen, die Breuninger zuvor in Brescia (1984), Belgrad (1986), Prag (1992), Wien (1992), Berlin und Montreal (1995) gewonnen hatte.

Als Solist debütierte Laurent Albrecht Breuninger im Alter von 12 Jahren mit dem Budapest Chamber Orchestra unter der Leitung von Vladimir Spivakov beim Musikfestival Tours. Seitdem konzertiert er als Solist regelmäßig mit Orchestern im In- und Ausland. In den letzten Jahren war er u.a. bei den Schwetzinger Festspielen,  Braunschweiger Classix, dem Bath International Music Festival, dem Kammermusik-Festival in Kuhmo/Finnland,  dem Kissinger Sommer, dem Schleswig-Holstein Musik Festival und dem Georges-Enesco-Festival in Bukarest zu hören.

Laurent Albrecht Breuninger ist deutsch-französischer Abstammung, studierte zunächst bei Thomas Füri in der Schweiz, später bei dem renommierten Violinpädagogen Josef Rissin in Karlsruhe. Dort hat Laurent Albrecht Breuninger seit 2003 selbst eine Professur inne.

Sibylle Mahni absolvierte ihr Studium bei Frau Professor Marie-Luise Neunecker an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt/Main und schloss dieses mit dem Konzertexamen ab.
Währenddessen war sie Stipendiatin bei der „Studienstiftung des Deutschen Volkes“ und der „Villa Musica“ und war Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe wie z.B. beim Internatinonalen Musikwettbewerb der ARD in München.

Von 1997 bis 2016 war sie als Solo-Hornistin im Frankfurter Opern-und Museumsorchester tätig. Nachdem sie neben ihrer Tätigkeit als Hornistin im Orchester schon als Lehrbeauftragte an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt/Main und als Professorin an den Hochschulen für Musik Mainz, Saarbrücken und Würzburg gelehrt hatte, wurde Sibylle Mahni zum Wintersemester 2020/21 als Professorin für Horn an die Hochschule für Musik Berlin „Hanns Eisler“ berufen und tritt damit die Nachfolge ihrer Lehrerin Prof.Marie-Luise Neunecker an dieser Stelle an.

Im Rahmen ihrer Lehrtätigkeit gab sie schon mehrfach Meisterkurse , so zum Beispiel beim Internationalen Hornsymposium in Kalamazoo/ Michigan, an der Jerusalem Music Academy, bei den Musiktagen Seefeld/ Tirol, bei der Villa musica, beim Forum artium u.a.

Sie trat als Solistin  mit einer Vielzahl bedeutender Orchester auf, wie dem SWR-Sinfonieorchester Stuttgart, den Münchener Sinfonikern, der Internationalen Bach Akademie Stuttgart, dem Württembergischen Kammerorchester und der Britten Sinfonia. Dabei arbeitete sie mit Dirigenten wie Oleg Caetani, Toshiyuki Kamioka und Hellmuth Rilling zusammen und ist auch international als Solistin gefragt. So gastierte sie z.B. in Ländern wie Schweden, Schweiz, Holland, Kroatien, China und den USA.

Mit großer Begeisterung widmet sie sich der Kammermusik. So gastierte sie bei namhaften Kammermusikfestivals wie zum Beispiel mehrfach beim Kammermusikfest „Spannungen“ in Heimbach, dem Moritzburg Festival,den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker und dem Albert Musikfest Jahrhundertklang, Freiburg.

Zu ihren Kammermusikpartnern zählen bedeutende Persönlichkeiten wie Christian Tetzlaff, Isabelle van Keulen, Kirill Gerstein, Lars Vogt (†), Sharon Kam.

Thomas Duis, 1958 in Frankfurt am Main geboren, gehört heute zu den renommierten Pianisten in Deutschland.
Während seiner Ausbildung in Wiesbaden, Hannover und Leeds, verbunden mit Meisterkursen und Anregungen namhafter Musiker, gewann Thomas Duis viele Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben. Als Stipendiat der Deutschen Studienstiftung und des Deutschen Musikrats wurde er u.a. in Amerika (Maryland, Salt Lake City,), Australien (Sydney), Südafrika (Pretoria), Israel (Tel Aviv) und in Europa (Athen, Köln, Leeds, Vercelli; Bordeaux, Senigallia, München) mit Preisen überhäuft.

Daraus resultierten Schallplattenverträge mit bekannten Labels wie EMI, Capriccio, Orfeo, MDG, CPO, Telos music und Konzertengagements weltweit.

Neben Konzerten als musikalischer Botschafter des Goethe-Instituts in Ankara, Athen, Atlanta, Bordeaux, Istanbul, London, Manchester, Toulouse und Warschau, sowie fast allen Ländern des nahen Ostens und Nordafrikas führten Einladungen u.a. in das Sydney Opera House, nach Melbourne, Neuseeland, Hongkong, Peking, Shanghai, Moskau, Jerusalem, Tel Aviv, Johannesburg, nach New York, Boston, Chicago, Miami, Salt Lake City, Vancouver, Dallas, Fort Worth, Paris, Bordeaux, Turin, Mailand, Athen und in die großen Deutschen Konzertsäle.

Konzerte bei Festivals wie Schleswig Holstein und Mecklenburg Vorpommern, Rheingau Musikfestival, Klavierfestival Ruhr, Ludwigsburg, Kissinger Sommer, Braunschweig Classix, Musikfestspiele Saar, Maifestspiele Dresden, Enesco Festival in Bukarest, Echternach, Harrogate, Auftritte als Solist namhafter Orchester, im Klavierrezital oder als Kammermusikpartner führten zu überschwenglichen Rezensionen. Die Süddeutsche Zeitung beschreibt ihn als legitimen Nachfolger von Wilhelm Backhaus, die Welt beschreibt Thomas Duis als einen der besten Pianisten seiner Generation, ebenso die Frankfurter Allgemeine Zeitung. Der Bonner Generalanzeiger sieht ihn gar auf dem „unbestreitbaren Weg zur Weltspitze“.

Konzerte mit herausragenden Musikern wie Frank Peter Zimmermann, Maxim Vengerov, Sergej Krylow, Reinhold Friedrich, Dieter Klöcker, Eduard Brunner,  Wolfgang Meyer, Laurent Albrecht Breuninger, Joshua Bell, Gustav Rivinius, den Mitgliedern des Mannheimer Streichquartetts, dem Auryn-Quartett, dem Tokyo String Quartet, dem Consortium Classicum, aber auch CD- und Rundfunkproduktionen, teilweise mit Auszeichnungen wie dem Deutschen Schallplattenpreis prämiert; dokumentieren seine musikalische Vielfalt. Diese wird wiederum durch Erfolge in der Lehrtätigkeit unterstrichen.

Thomas Duis wurde 1994 eine Professur im zentralen künstlerischen Hauptfach Klavier an der Musikhochschule Graz erteilt, 1998 folgte er dem Ruf nach Saarbrücken. Studenten seiner Klasse haben Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben gewonnen, wurden Stipendiaten namhafter Stiftungen und konzertieren im In- und Ausland.

Thomas Duis wurde 2007 zum Officier dans l`ordre des Palmes academiques ernannt. Von 2004 bis 2012 war Thomas Duis Rektor der Hochschule für Musik Saar.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Trio Es-Dur nach dem Hornquintett KV 407

Allegro
Andante
Allegro

 

César Franck (1822 – 1890)
Sonate A-Dur für Violine und Klavier

Allegretto moderato
Allegro
Recitativo – Fantasia. Moderato
Allegretto poco mosso

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Trio Es-Dur op. 40 für Violine, Horn und Klavier

Andante – Poco piú animato
Scherzo. Allegro – Molto meno
Adagio mesto
Finale. Allegro con brio

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb das Quintett für Horn und Streicher für seinen Freund Johann Leitgeb. Das Quintett zeichnet sich durch seine ungewöhnliche Streicherbesetzung mit nur einer Violine, aber zwei Bratschen aus. Die Besetzung erlaubte es dem Komponisten, die dunklen und weichen Schattierungen des Klangs auszuloten, was besonders im Andante-Mittelsatz geschieht. Das einleitende Allegro verbindet Marschrhythmus und konzertierende Passagen, das Finale erinnert mit seinem Kehraus-Thema im Tanzrhythmus an die Finali der Hornkonzerte. In der Bearbeitung für Klavier, Violine und Horn eröffnen sich neue klangliche Möglichkeiten.

César Franck hat seine Sonate dem berühmten Geiger Eugène Ysaie gewidmet, der sie im Dezember 1886 in Brüssel uraufführte und fortan in vielen seiner Konzert spielte. Damit wurde sie zu einer der bedeutendsten Violinsonaten des Fin de siècle. Die im Sommer 1886 komponierte Sonate folgt der Idee eines Motto-Themas, das sich zyklisch durch alle Sätze zieht. Alle Themen kreisen um das Motiv der fallenden Terzen, mit denen die Sonate beginnt. Tatsächlich ist in dem Beginn des Allegretto ben moderato schon das hochromantische Wesen der Sonate ausgeprägt: „in jenem weichen Nonakkord des Klaviers, aus dessen Stufen die Geige ein schönes, wiegendes Thema gewinnt. Eindrucksvoll ist dieses schwebende Klangbild…“ Der ganze Satz wirkt wie ein Vorspiel zu dem in leidenschaftlicher Bewegung sich entfaltenden zweiten Satz. Der dritte Teil der Sonate beginnt in träumerischer Versunkenheit mit einem ‚Recitativo‘, das in eine lichte, gesanglich fließende ‚Fantasia‘ von charakteristisch weichem, jedoch intensivem Ausdruck ausmündet. Dann folgt mit dem Finale der zweite bewegte Satz des Werks, in hellem A-Dur erstrahlend, frei von leidenschaftlichen Zügen, aber belebt von Rückerinnerungen an den zweiten Satz.“ (Anton Würz)

Zu den Instrumenten, die Johannes Brahms als Kind in Hamburg erlernt hatte, gehörte neben Klavier und Cello auch das Horn. Daher ist es nicht verwunderlich, dass er das Horn auch später in seiner Musik immer wieder prominent behandelte.

Der „Ruf“ in der freien Natur, der sich mit dem Horn in der romantischen Musik seit Carl Maria von Webers Freischütz verbindet, hatte auch für ihn seine tiefere Bedeutung. Ähnliches gelang Johannes Brahms zu Beginn seines Es-Dur-Trios. Alle vier Sätze beruhen auf dem Gegensatz zwischen der strahlenden „Naturtonart“ Es-Dur und ihrem düsteren Gegenstück es-Moll. Das Scherzo, dessen Thema die sprichwörtlichen „Hornquinten“ benutzt, hat ebenfalls eine dunkle Trio-Episode in as-Moll bzw. es-Moll. Das es-Moll-Adagio erinnert in der Form an eine Passacaglia: Das Klavier allein geht mit einem absteigenden Thema voraus, das dann von den beiden Soloinstrumenten frei variiert wird. Als zweites Thema stimmt das Horn einen Kanon an, den die anderen aufgreifen. Ausgelassen gibt sich das Finale, dessen Thema an ein rheinisches Volkslied erinnert.

Änderungen vorbehalten! Der Veranstalter übernimmt keine Haftung für eventuelle Modifizierungen!

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Anlässlich einer CD-Produktion mit Werken der Komponistin Dorothee Eberhardt fanden sich die Musiker erstmalig zusammen und gründeten aus dieser positiven Begegnung heraus 1999 das Gelius Trio, dessen Namensgeber der Pianist ist. Die Erfahrungen der beiden Streicher als Konzertmeister der Münchner Philharmoniker, die unter der Leitung der großen Dirigenten unserer Zeit musizieren, fließen in die Zusammenarbeit als große Bereicherung ein. Micael Gelius versteht es, den Flügel singen zu lassen, einfühlsam zu begleiten, aber auch seine pianistische Raffinesse auszuspielen.

Das Trio ist berühmt für den gemeinsamen Atem, der die Phrasierungen der Musiker durchzieht, für Klangschönheit, Leidenschaft und tiefe Empfindung. Michael Hell war von 2000 bis 2022 Cellist des Trios. Seit Oktober 2022 hat Floris Mijnders (Solocellist der Münchner Philharmoniker) diesen Part übernommen. Sreten Krstic spielt eine Geige von Nicolaus Gagliano. Floris Mijnders spielt ein Francesco Goffriller Cello, 1740 gefertigt in Udine.

Das Repertoire umfasst neben klassischen und romantischen Werken auch Ausflüge in die Welt des Tango und Jazz, wie die Musiker auf ihrer CD Oblivion unter Beweis stellen. Das Trio ist zu Gast bei großen Festivals, wie z.B. dem Schleswig-Holstein-Festival, Musiksommer zwischen Inn und Salzach, Milstätter Konzertwochen.

Johann Strauß, dem Walzerkönig, zum 200. Geburtstag

Franz Schubert (1797 – 1828)
Valses nobles

Anton Rubinstein (1829 – 1894)
Melodie op. 3 Nr. 1

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Ungarischer Tanz Nr. 6

Johann Strauß (Sohn) (1825 – 1899)
Tritsch-Tratsch-Polka op. 214

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Trio G-dur

Andante
Poco Adagio. Cantabile
Rondo all’Ongarese. Presto

– Pause –

Claude Debussy (1862 – 1918)
Trio G-dur
Andantino con moto allegro – Allegro appassionato – Tempo primo
(Scherzo) Intermezzo. Moderato con allegro
Andante espressivo
Finale. Appassionato

Paul Schoenfield (1947 – 2024)
Café music
Allegro
Rubato, andante moderato
Presto

Für den begeisterten Applaus bedankten sich die drei sympathischen Musiker mit „La muerte del angel“ von Astor Piazzolla

Der heutige Abend beginnt mit Bearbeitungen  bekannter Klavier-Werke berühmter Komponisten:

Franz Schuberts Valses Nobles, Anton Rubinsteins „Melody“und Johannes Brahms’ „Ungarischer Tanz“. Die „Tritsch-Tratsch Polka“ von Johann Strauss ist ein Orchesterwerk, das seit über hundert Jahren in fast jedem Silvester-Konzert gespielt wird.

Danach kommen mit dem sogenannten „Zigeunertrio“ von Joseph Haydn originale Werke für Klavier, Violine und Cello zu Gehör. Diesen Titel verdankt die Komposition dem letzten Satz, der die Zuhörer nach zwei gesanglichen und melodiösen Sätzen mit bäuerlichen, ungarischen Themen überrascht. Als Auftakt dient ein liedhaftes Andante in Form von Doppelvariationen: Dem sanften Thema in Dur tritt ein wehmütiges zweites Thema in g-Moll gegenüber, die beide abwechselnd variiert werden.  Darauf folgt ein Poco Adagio in E-Dur, eine Cavatina im italienischen Stil. Das Klavier geht mit einem gesanglichen Thema voller Verzierungen voran, worauf die Geige mit einer Melodie in A-Dur antwortet.

Claude Debussy schrieb sein Klaviertrio im Alter von 18 Jahren für seine Gönnerin Nadeshda von Meck, die auch Tschaikowsky förderte. Stilistisch verrät das Werk den Einfluss der großen Vorbilder des jungen Debussy: Schumann und Fauré. In der Form folgt es nur äußerlich dem klassischen Modell aus Allegro, Scherzo, Andante und Allegro-Finale. Der Aufbau der einzelnen Sätze ist von französischer Klarheit geprägt und zeigt keinerlei Stilmittel der Spätromantik.

Paul Schoenfield begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel, ein Jahr später folgte seine erste Komposition. In seiner Musik verbindet der amerikanisch-jüdische Komponist verschiedene Stilelemente: Er kombiniert die traditionell-klassische Musik mit folkloristischen Elementen, die insbesondere an Klezmer angelehnt sind, zu einer neuen Einheit. Damit führte er die Tradition amerikanischer Komponisten fort, deren hervorstechendes Merkmal das Zurückgreifen auf populäre Elemente wie Klezmer oder Jazz ist. In seinem Schaffen nehmen Kammermusik und Solokonzerte den größten Raum ein. Sein mit Abstand bekanntestes Werk ist die „Cafe Music“ für Violine, Violoncello und Klavier mit ihrer prägnanten Rhythmik und ihren kraftvollen Melodien.

Das Ensemble erinnert die Organisatoren der Schlosskonzerte an die Frustrationen des ersten Corona-Jahres. Mit dem Notos Quartett wagten wir im September 2020 nach mehreren verzweifelten Versuchen und Absagen den Neustart nach dem Lockdown in die neue Konzertsaison. Das obige Foto (noch mit Philip Graham am Cello) entstand im Pädagogischen Zentrum des Gymnasiums Zitadelle als Ausweichlösung. Abstand, Maskenpflicht, Impfkontrolle, Verzicht auf Pausenbewirtung bei verkürztem, aber zweizügigem Programm sind nur die wichtigsten der Hygienemaßnahmen, mit denen wir damals zu kämpfen hatten. Es lohnt sich durchaus, auch einmal die chaotische Saison 2019/20 aus dem Archiv aufzurufen..

Das Notos Quartett gilt als eine „der herausragenden Kammermusikformationen der Gegenwart“ (FONO FORUM 09/2017). Publikum wie Kritiker bewundern neben der „virtuosen Brillanz und technischen Perfektion“ des Ensembles besonders den „Sinn für die Balance und das Zusammenspiel, welcher jedes Detail der Komposition hörbar macht“, wobei es „die Zuhörer mit den innig gespielten Tönen direkt ins Herz trifft“.

Seit seiner Gründung im Jahr 2007 wurde das Notos Quartett bereits mit sechs 1. Preisen sowie zahlreichen Sonderpreisen bei internationalen Wettbewerben in Holland, Italien, England und China ausgezeichnet. 2017 wurde ihm darüber hinaus der zu diesem Zeitpunkt renommierte deutsche Musikpreis ECHO Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres verliehen, eine Auszeichnung, die nur in den seltensten Fällen an ein Ensemble vergeben wurde.

Als Reaktion auf die ECHO Pop-Verleihung im April 2018, in der ein Album mit antisemitischem und menschenverachtendem Gedankengut mit einem Preis ausgezeichnet wurde, gaben die Musiker des Notos Quartetts als erste Künstler ihren ECHO wieder zurück. Sie lösten damit eine Protestbewegung aus, der sich viele namhafte Künstler wie Igor Levit, Daniel Barenboim und Marius Müller-Westernhagen mit der Rückgabe ihrer Preise anschlossen. Infolgedessen entschied sich der Bundesverband Musikindustrie, die Marke ECHO komplett abzuschaffen.

Das Bestreben der Musiker, neben den bekannten Meisterwerken auch verschollene und vergessene Werke der Gattung Klavierquartett aufzuspüren und einem breiten Publikum zu präsentieren, spiegelt auch ihre Debüt-CD „Hungarian Treasures“ wider, die im Februar 2017 bei Sony Classical/RCA erschienen ist. Diese beinhaltet unter anderem die Weltersteinspielung des Klavierquartetts von Béla Bartók, für dessen Wiederentdeckung das Ensemble weltweit große Aufmerksamkeit und Anerkennung erlangte.

Das große Interesse am Notos Quartett und seinen außergewöhnlichen Programmen dokumentieren auch zahlreiche Konzertmitschnitte, Interviews und Portraits in Rundfunk- und Fernsehanstalten im In- und Ausland, wie dem ARD, ZDF, Deutschlandfunk, BR, SWR, WDR, MDR, NDR, RBB, SR, HR sowie dem BBC, France Musique, Radio4 Holland, ORF Österreich, P2 Schweden, IPR USA und verschiedenen Sendern in Japan und Vietnam.

Neben Auftritten in renommierten europäischen Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, dem Konzerthaus Wien, der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, der Tonhalle Zürich, dem BOZAR Brüssel, dem Teatro la Fenice Venedig und bei den großen Festivals im Rheingau, in Schwetzingen, Würzburg, Mecklenburg-Vorpommern, Usedom und Radio France, bereist das Quartett regelmäßig auch ferne Länder wie Russland, China, Japan und den südostasiatischen Raum.

Neben seiner Konzerttätigkeit setzt es sich auch für die Förderung junger Musiker ein und sieht darin einen weiteren wichtigen Aspekt seiner Arbeit. So unterrichtete das Ensemble bereits am Royal Northern College of Music in Manchester, leitete den Meisterkurs „Saigon Chamber Music“ in Vietnam und veranstaltet seit Herbst 2015 die von ihm gegründete und jährlich stattfindende „Notos Chamber Music Academy“, die seit dieser Saison in Zusammenarbeit mit der Jeunesses Musicales Deutschland in Weikersheim ausgetragen wird.

Zu den Wegbegleitern, Lehrern und Förderern des Quartetts zählen u.a. das Alban Berg Quartett, das Mandelring Quartett, Uwe-Martin Haiberg, Clemens Hagen, Menahem Pressler und András Schiff. Ermöglicht durch den „Merito String Instruments Trust“ spielt das Notos Quartett auf wertvollen alten italienischen Streichinstrumenten und als Pirastro-Artist ausschließlich auf Saiten der renommierten Saitenmanufaktur „Pirastro GmbH“.

Der Cellist Philip Graham musste bedauerlicherweise aus gesundheitlichen Gründen schon im Sommer das Quartett verlassen. Diese Tatsache wurde verschiedentlich in den Medien kommuniziert. Mit Benjamin Lai hat das Ensemble einen ebenfalls herausragenden Cellisten gewonnen und seit Sommer bereits zahlreiche erfolgreiche Konzerte in dieser Saison gespielt u.a. in der Elbphilharmonie Hamburg, im Beethovenhaus Bonn sowie in Italien, England, Holland und Ungarn.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Klavierquartett Es-Dur

Allegro
Larghetto
Allegretto

William Walton (1902 – 1983)
Klavierquartett

Allegramente
Allegro scherzando
Andante tranquillo
Allegro molto

– Pause –

Robert Schumann (1810 – 1856)
Klavierquartett Es-Dur

Sostenuto assai – Allegro ma non troppo
Scherzo. Molto vivace
Andante cantabile
Finale. Vivace

Das Ensemble bedankte sich für den begeisterten Applaus mit einer zum Jahresbeginn passenden Altwiener Tanzweise, dem Liebesleid von Fritz Kreisler als Zugabe.

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb seine beiden Klavierquartette in den Jahren 1785/86 in Wien. Sie sind die ersten bedeutenden Beispiele einer Gattung, die zu seiner Zeit dem Wiener Publikum wenig vertraut war. Dies mag erklären, warum der Verleger Franz Anton Hoffmeister, der den Komponisten ursprünglich um drei Klavierquartette zur Veröffentlichung gebeten hatte, von diesem Auftrag zurücktrat, als sich das erste von Mozart gelieferte Quartett in g-moll nur schlecht verkaufte. Das zweite in Es-Dur übernahm Hoffmeister nicht mehr in seinen Verlag, obwohl er die Violinstimme bereits in Kupfer hatte stechen lassen. Er verkaufte die fertigen Druckplatten an seinen Konkurrenten Artaria, bei dem das Werk 1786 erschien. Komponiert wurde das Es-Dur-Quartett unmittelbar nach dem Abschluss der Oper Le nozze di Figaro im Mai und Juni 1786.

Im ersten Satz gibt es fünf verschiedene, melodisch weit ausgesponnene Themen, in denen der lyrische Charakter überwiegt. Das Larghetto gehört zu Mozarts schönsten langsamen Sätzen.  Das Finale in der Form eines Sonaten-Rondos ist einer der großartigsten Versuche Mozarts, den Stil der Opera buffa mit dem anspruchsvollen Charakter klassischer Kammermusik zu verbinden.

Bereits 1918 vollendete der damals erst 16-jährige William Walton sein Klavierquartett. 1921 schickte er es von Italien aus nach England. Aber erst drei Jahre später kam das Paket mit der Partitur an. Walton, vom Wiederauftauchen seines sechs Jahre alten Jugendwerks überrascht, nutzte die Gelegenheit, es nach gründlicher Überarbeitung beim Wettbewerb um den Carnegie Award einzureichen, den er prompt gewann. Die Begründung der Jury ist eine schöne Zusammenfassung der Qualitäten, die das Quartett auch heute noch hörenswert machen: „Klar und transparent in der Textur, zurückgenommen im Gefühl, durchweg gut geschrieben, erhebt sich das Werk an Höhepunkten zu großer Schönheit und noblem Ausdruck. Es ist eine wahrhafte künstlerische Leistung!“

Robert Schumann komponierte sein Klavierquartett in Es-Dur op. 47 im Jahr 1842. Nach den frühen Klavierwerken und dem “Liederjahr” 1841 hatte sich der Komponist intensiv der Kammermusik zugewendet.  Die vier Sätze des Klavierquartetts sind in sich und untereinander thematisch eng verwoben. Die unbestimmte, gleichsam träumerische Atmosphäre der langsamen Introduktion wird zu Beginn des Allegros von einem kraftvollen rhythmischen Impuls verdrängt, der aber “sempre con molto sentimento” gespielt werden soll. Die drei auftaktigen Viertel dieses Themas tauchen im folgenden in immer neuer Gestalt auf. Als zweites Thema von eher episodischem Charakter tritt ihnen die Melodie des Chorals “Wer nur den lieben Gott läßt walten”, umspielt von Läufen, gegenüber. Das Scherzo, ein gespenstisches Nachtstück in Moll, wird von zwei Trios unterbrochen, von denen das erste singend und imitatorisch, das zweite zaghaft-tastend angelegt ist. Höhepunkt des Werks ist das Andante mit einem der schönsten Cellothemen der Romantik. Seine ausdrucksvollen Vorhalte und melodischen Wendungen erinnern an Schumanns schönste Lieder.

Die amerikanische Pianistin Claire Huangci, Gewinnerin des ersten Preises sowie des Mozartpreises beim Concours Géza Anda 2018, überzeugt ihr Publikum durch „glitzernde Virtuosität, gestalterische Souveränität, hellwache Interaktion und feinsinnige Klangdramaturgie“ (Salzburger Nachrichten). Von einem unbändigen Entdeckergeist beseelt, beweist sie ihre Wandlungsfähigkeit mit einem ungewöhnlich breiten Repertoire von Bach und Scarlatti über die deutsche und russische Romantik bis hin zu Bernstein, Gulda oder Corigliano.

Gestartet hat Claire Huangci ihre internationale Karriere bereits im Alter von neun Jahren mit Konzertauftritten und Wettbewerbserfolgen. Wichtige Impulse erhielt sie von ihren Lehrern Eleanor Sokoloff und Gary Graffman am renommierten Curtis Institute of Music in Philadelphia, bevor sie 2007 zu Arie Vardi nach Hannover wechselte. Besonders als ausdrucksstarke Chopin-Interpretin fiel sie zu Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn auf, nicht zuletzt durch erste Preise bei den Chopin-Wettbewerben in Darmstadt und Miami (2009/2010). Zudem gewann sie als jüngste Teilnehmerin den 2. Preis beim Internationalen ARD Musikwettbewerb 2011. Im Jahr 2019 erhielt sie den Jury-Preis der „Paris Play-Direct Academy“ unter Vorsitz von Lars Vogt. Der Preis wird in Zusammenarbeit des Orchestre de chambre de Paris mit der Philharmonie de Paris und Steinway & Sons vergeben.

In Solorezitalen und als Partnerin internationaler Orchester konzertierte Claire Huangci bereits in bedeutenden Konzertsälen wie der Carnegie Hall New York, der Suntory Hall Tokyo, dem NCPA Beijing, der Philharmonie de Paris, dem Gasteig München, dem Gewandhaus Leipzig, der Elbphilharmonie Hamburg und der Franz Liszt Akademie Budapest sowie bei renommierten Festivals wie dem Lucerne Festival, dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Rheingau Musik Festival oder dem Klavierfestival Ruhr. Orchester wie die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, das Mozarteumorchester Salzburg, das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, das Tonhalle-Orchester Zürich, das ORF Radio-Symphonieorchester Wien, das Iceland Symphony Orchestra und die Symphonieorchester von Vancouver und Québec, das Pacific und National Symphony Orchestra sowie Dirigenten wie Elim Chan, Michael Francis, Howard Griffiths, Thomas Guggeis, Pietari Inkinen, Jun Märkl, Cornelius Meister, Sir Roger Norrington, Eva Ollikainen, Alexander Shelley, Markus Stenz, Mario Venzago und Christian Zacharias zählen zu ihren geschätzten Partnern.

Seit der Saison 2023/24 vertieft Claire Huangci ihr pädagogisches Engagement in Zusammenarbeit mit der Schweizer Animato-Stiftung. Als Leiterin der Orchester-Akademie wird sie im Rahmen einer Europa-Tournee als Solistin und Dirigentin unter anderem im Wiener Konzerthaus und dem Mozarteum Salzburg auftreten. Neben ihren Engagements bei verschiedenen nationalen und internationalen Orchestern  gibt Claire Huangci Klavierabende im Rahmen der Berner Meisterkonzerte, beim Liszt Festival Raiding, im Casa de Musica Porto, im Auditorio Nacional de Música Madrid sowie im Münchner Prinzregententheater.

Ihre umfangreiche Diskographie spiegelt ebenfalls Claires künstlerische Vielseitigkeit wider. Ihr jüngstes Album mit Mozart-Konzerten zusammen mit dem Mozarteum-Orchester Salzburg und Howard Griffiths (Alpha Classics) wurde von der Kritik hoch gelobt. Im Herbst 2023 erscheint zu ihrem 10-jährigen Jubiläum bei Berlin Classics eine 3-CD-Box mit Schuberts späten Sonaten, den Drei Klavierstücken und einer Auswahl von Liedern aus dem Schwanengesang mit Bariton Thomas E. Bauer. Nach ihrer Debüt-CD im Jahr 2013 mit Solowerken von Tschaikowsky und Prokofjew folgte ihr Doppelalbum mit Scarlatti-Sonaten, das mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik und dem Grammophone Editor’s Choice-Preis ausgezeichnet wurde.

Neben einer Gesamtaufnahme von Chopins Nocturnes und den Préludes von Rachmaninow, sind in ihrer Diskographie auch Raritäten wie zum Beispiel das Klavierkonzert von Paderewski sowie eine Gesamtaufnahme der Bach-Toccaten zu finden. Claire Huangci ist Botschafterin des Henle Verlags.

Franz Schubert (1797 – 1828)
 Sonate A-Dur D959  
Allegro
Andantino
Scherzo. Allegro vivace
Rondo. Allegretto

– Pause –

Samuel Barber (1910 – 1981)
Sonate op. 26
Allegro energico
Allegro vivace e leggero
Adagio mesto
Allegro con spirito

George Gershwin (1898 – 1937)
Rhapsody in Blue

Claire Huangci bedankte sich für die standing ovations mit zwei Gershwin-Themen: „the Man I love“ und die Étude No. 7 über „Fascinatin´ Rhythm“ (von Earl White)

Franz Schuberts Sonate A-Dur ist eines der drei letzten Klavierwerke, die als Krönung seiner lebenslangen Auseinandersetzung mit dieser Gattung gelten.  Es “ist wohl keine Sonate in der ganzen Satzweise so reich und sorgfältig, pianistisch so feinsinnig durchgestaltet wie diese” (Klaus Wolters). Schon der Beginn mit seinen dominanten Oktaven in der linken Hand und der fast barocken Rhythmik zeigt ein kraftvolles, an Beethoven gemahnendes Profil. “Der herrische Effekt weicht jedoch rasch einem einfachen, bezaubernden Seitenthema, das Schubert zum Hauptmotiv des Satzes erhob” (Melvin Berger), wobei die Melodik gelegentlich frühere Liedkompositionen zitiert. Wesentlich ist jedoch in diesem Satz, wie im folgenden Andantino, der Einbruch eines düster-fatalistischen Tons in die scheinbar so lichte Umgebung.

Das fis-moll-Andantino wurde als “Klagelied” und als “Lamento” bezeichnet. Den ruhigen Fluss der Außenteile unterbricht im Mittelteil ein rhapsodisches Rezitativ, das bis zu einer Art Katastrophe gesteigert wird. Danach kehrt der Beginn, noch melancholischer, variiert wieder.

In den beiden letzten Sätzen tritt die Hintergründigkeit der Komposition zutage: im Scherzo durch groteske Züge, im Finale durch ein erschreckendes Spiel mit Generalpausen, die ganz am Ende das Rondothema fast zusammenhanglos erscheinen lassen.

 

Typisch für Samuel Barber ist in vielerlei Hinsicht ein  erkennbarer Versuch der Integration von Tradition und Avantgarde: Die Sonate ist traditionell viersätzig aufgebaut, allerdings mit starken Abweichungen in der Form der einzelnen Sätze. Sie ist von einer freitonalen Tonsprache geprägt, größtenteils sind trotz der Verwendung von Zwölftonreihen bestimmte Tonarten erkennbar. Jeder Satz hat zwar eine Haupt-Taktart, es gibt aber auch viele ungewöhnliche Taktwechsel.

 

George Gershwin begann seine pianistische Ausbildung auf kuriose Weise: Als Zehnjähriger ließ er bei einem Freund, der ein mechanisches Klavier besaß, eine der Klavierrollen langsam abspielen und setzte die Finger in die durch den Mechanismus herunter gedrückten Tasten. So lernte er einige populäre Songs, die er seinen völlig überraschten Eltern vorspielte, als sie für seinen Bruder Ira ein Klavier kauften. Trotz späterer klassischer Ausbildung blieb er als Komponist der Popular-Musik treu, mit der er äußerst erfolgreich war. Die „Rhapsody in blue“ verbindet allgemeine Jazz- und spezielle Blues-Elemente. Ursprünglich für Klavier und Orchester geschrieben, erklingt heute eine Version für Soloklavier, die den Instrumental- mit dem Pianopart verbindet.

(Wegen des Ausfalls der 1. Violine musste das Ensemble simply quartet leider kurzfristig absagen. Sein Konzert soll im nächsten oder übernächsten Jahr nachgeholt werden.)

Das 2014 gegründete Eliot Quartett zählt zu den vielversprechendsten Streichquartetten der neuen Generation. Das internationale Ensemble – die Mitglieder stammen aus Russland, Kanada und Deutschland – ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe (Mozart-Wettbewerb Salzburg, Melbourne International Chamber Music Competition, Deutschen Musikwettbewerb, Karol Szymanowski-Wettbewerb). In seiner Heimatstadt Frankfurt am Main ist das Eliot Quartett fester Bestandteil des Konzertlebens und war dort 2019 erstes „Streichquartett in Residence“ der Frankfurter Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen. 2022 gestaltete er sein eigenes Festival „Eliots am Main“. Das Quartett war zu Gast beim Bachfest Leipzig, den Kasseler Musiktagen, der Styriarte Graz, dem Mozartfest Würzburg, dem Rheingau Musik Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen sowie der Schubertiade Schwarzenberg.

Seine Ausbildung erhielt das Eliot Quartett an der Musikhochschule Frankfurt am Main bei Hubert Buchberger und Tim Vogler sowie an der Escuela Superior de Musica Madrid in der Meisterklasse von Günter Pichler. Weitere Impulse erhält das Ensemble in der gemeinsamen Arbeit mit Alfred Brendel und dem Belcea Quartett. Das Eliot Quartett ist nach dem US-amerikanischen Schriftsteller T. S. Eliot benannt, der sich von den innovativen, späten Streichquartetten Ludwig van Beethovens zu seinem letzten großen poetischen Werk „Four Quartets“ inspirieren ließ. Mehrere Einspielungen des Eliot Quartetts sind beim Label Genuin erschienen.

 

Das Eliot Quartett:

 

Maryana Osipova (1.Violine) studierte am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium bei Prof. Keselman und Prof. Glesarova, an der Hochschule für Musik Karlsruhe bei Prof. Breuninger, an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main bei Hubert Buchberger und Tim Vogler sowie an der Escuela Superior de Musica Madrid in der Meisterklasse von Günter Pichler.
Sie ist Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe wie dem Yankelevich‘ Wettbewerb 2013 und China International Violin Competition in Qingdao.
Maryana Osipova war zu Gast bei vielen internationalen Festivals wie beim Bachfest Leipzig, den Kasseler Musiktagen, der Styriarte Graz, dem Mozartfest Würzburg, dem Rheingau Musik Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen, der Schubertiade Schwarzenberg.
Maryana Osipova nahm an Meisterkursen bei Boris Kuschnir (Sankt-Petersburg), Mihaela Martin (Kronberg Academy), Igor Ozim (Weimarer Meisterkurse), Boris Belkin (Accademia Chigiana).

 

Alexander Sachs (2.Violine) wurde 1990 in Vancouver, Kanada geboren. Er begann seine musikalische Ausbildung an der Vancouver Academy of Music und erhielt Unterricht bei Prof. Taras Gabora. Alexander studierte an der Hochschule für Musik Mainz bei Prof. Anne Shih und an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Frankfurt am Main bei Prof. Sophia Jaffé. Er nahm an Meisterkursen bei Prof. Rainer Kussmaul, Prof. Tanja Becker-Bender und Prof. Gerhard Schulz (International Musicians Seminar in Prussia Cove, England) teil. Von 2011 bis 2015 war er Stipendiat des Neumeyer Consorts und spielte mit dem Ensemble bei wichtigen Konzertreihen und Festivals für Alte Musik (Göttinger Händelfestspiele, Magdeburger Telemanntage, Forum Alte Musik im Kaisersaal Frankfurt). Als Mitglied des Goethe-Streichtrios wurde er von Yehudi Menuhin Live Music Now Frankfurt am Main e.V. gefördert. Nach einem absolvierten Praktikum in den 2. Violinen hatte Alexander einen Zeitvertrag in den 1. Violinen im Staatsorchester Darmstadt inne. Seit 2014 ist er Dozent für Violine am Emanuel Feuermann Konservatorium an der Kronberg Academy.

 

Dmitry Hahalin (Viola) wurde 1988 geboren und erhielt seine musikalische Ausbildung am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium und an der Musikhochschule Mainz bei Prof. Anne Shih. Er wechselte danach zur Viola und studierte an der Musikhochschule Frankfurt am Main in der Klasse von Prof. Roland Glassl. Dmitry erhielt ein Stipendium der internationalen Vladimir-Spivakov-Stiftung, ein Stipendium für Barockvioline/Barockviola des Neumeyer Consorts und war von der Stiftung Yehudi Menuhin Live Music Now gefördert. Von 2014 bis 2019 war Dmitry Hahalin Stipendiat der Villa Musica Rheinland Pfalz. Er gewann den Kammermusikwettbewerb S. Vainiunas (Litauen) 2010 und den Kammermusikpreis der Polytechnischen Gesellschaft 2013. Weitere Kammermusikalische Erfahrungen konnte er in Zusammenarbeit mit Eduard Brunner, Nils Mönkemeyer, Manuel Fischer-Dieskau und Talich Quartet sammeln. Seit 2010 widmet sich Dmitry Hahalin auch verstärkt dem Bereich der historischen Aufführungspraxis. Er studierte Barockvioline bei Prof. Petra Müllejans, wurde zu den Telemann-Festtagen Magdeburg, den Göttinger Händelfespielen sowie zum Forum Alte Musik Frankfurt am Main eingeladen und arbeitete u.a. mit Ton Koopman, Konrad Junghänel, Michael Hofstetter und Andreas Scholl zusammen.
Als Gründungsmitglied des Eliot Quartetts, hat er viele internationale Preise gewonnen, darunter den Deutschen Musikwettbewerb und den Karol Szymanowski-Wettbewerb in Katowice. Dmitry Hahalin hat mehrere CDs eingespielt und ist international konzertant tätig.

 

Michael Preuß (Violoncello) wurde 1985 in Leipzig geboren. Seine musikalische Ausbildung begann er als Jungstudent an der Hochschule für Musik und Theater in Leipzig. 2004 begann Michael sein Studium an der Hochschule für Musik und Theater in Rostock in der Klasse von Prof. Joseph Schwab. 2008 wechselte er in die Klasse von Prof. Michael Sanderling an die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main, wo er sein Studium nach Ablegen der Diplom – Prüfung im Wintersemester 2012 mit dem Konzertexamen im Wintersemster 2015 abschloss. Michael war Mitglied der Jungen Deutschen Philharmonie, Praktikant am Staatstheater Darmstadt, Akademist im Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, als Inhaber eines Gastvertrages Solocellist im Sinfonieorchester des Staatstheater Giessen und hatte einen Zeitvertrag beim MDR – Sinfonieorchester in Leipzig inne. Er ist zweimaliger erster Preisträger des Wettbewerbs „HMT Interdisziplinär“ der HMT Rostock, sowie Preisträger des Wettbewerbs der „Peter Pirazzi“-Stiftung und nahm an Meisterkursen von Gustaf Rivinius, Wen-Sinn Yang, dem Tokio String Quartet, dem Mandelring Quartett, dem Verdi Quartett und Gerhard Schulz teil.

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Streichquartett op. 33 nr. 5 in G-Dur `Wie geht es Dir?`
Vivace assai
Largo cantabile
Scherzo (Allegro)
Allegretto – Presto

Dimitri Schostakowitsch (1906- 1975)
Streichquartett nr. 5 in B-Dur op. 92
Allegro non troppo
Andante
Moderato

– Pause –

Franz Schubert (1797 – 1828)
Streichquartett a-moll D.804 `Rosamunde`
Allegro ma non troppo
Andante
Menuetto. Allegretto
Allegro moderato

*****

Das Ensemble bedankte sich mit dem Poco Adagio aus op. 20 Nr. 3 g-moll von Joseph Haydn

Joseph Haydn gilt als „Vater des Streichquartetts“ und seine sechs Quartette op. 33 als der Beginn der Wiener Klassik.  Man kann die neue Schreibweise als Versöhnung des Gelehrten mit dem Galanten begreifen: als Synthese zwischen Melodik und Kontrapunkt, thematisch-motivischer Arbeit und einer Periodenbildung, die jedem Motiv eine eindeutige Funktion zuschreibt.

So beginnt der Kopfsatz des G-Dur-Quartetts paradoxerweise mit einer Kadenzformel, also einem Schlussgedanken. Diese Verkehrung nutzte Haydn als Bindeglied zwischen allen Teilen der Sonatenform. Der langsame Satz ist im Stil einer pathetischen Opern-Cavatina geschrieben, wobei die erste Violine auch die Verzierungen damaliger Opernsänger nachahmt. Im gesamten Opus 33 hat Haydn die Menuette durch Scherzi ersetzt, hier ein Stück mit raffinierten Akzentverschiebungen. Das Finale ist eine Forlane, also ein Tanzsatz.

Nach Stalins Tod, am 5. März 1953 wurde das 5. Streichquartett von Dimitrij Schostakowitsch uraufgeführt. Der Komponist hatte das dem russischen „Beethoven-Quartett“ gewidmete Werk im September 1952 begonnen und am 1. November vollendet. In dieser Zeit galten noch fast alle seine Werke in der Sowjetunion als unerwünscht. Einerseits wurden der Komponist und seine Werke denunziert und wenig gespielt, andererseits reiste er häufig ins Ausland, um sein Land zu repräsentieren, da er bereits Berühmtheit erlangt hatte.

Das dreisätzige Werk wird durch Überleitungen in eine einheitliche Großform gegossen. Die Komposition ist herber, impulsiver und sinfonischer als das 4. Quartett, obwohl reich an leisen, verinnerlichten Tönen. Es soll sich in ihr ein Thema von Schostakowitschs erfolgreicher Schülerin und Komponistin Galina Ustwolskaja finden, die er zeitweise, wenn auch erfolglos, umworben hatte.

Im Jahr 1824 schrieb der 27jährige Franz Schubert seine Streich-Quartette für das Ensemble des großen Wiener Primarius Ignaz Schuppanzigh. Schubert wollte sich nach eigenem Bekenntnis mit den drei im Februar begonnenen Quartetten “den Weg zur großen Symphonie” bahnen. Diese Äußerung verweist auf den hohen inhaltlichen und formalen Anspruch, den er mit dem Genre nun verband. In der Tat sind seine drei letzten Quartette mit ihren orchestralen Klangballungen, ihren monumentalen Proportionen und ihren extremen Kontrasten kammermusikalische Gegenstücke zur großen Symphonie. Die Themen aller vier Sätze suggerieren gleichzeitig das Vertraute und Eingängige des Liedes in seiner unverstellten Emotionalität.

Der Pianist und ECHO Klassik-Preisträger Alexander Krichel ist bekannt für seine fesselnden Interpretationen der anspruchsvollsten Werke der Klavierliteratur – von Beethoven über Liszt bis Rachmaninoff und Prokofiev. Der 1989 in Hamburg geborene Tastenvirtuose fasziniert durch die Gegensätze, die er in sich vereint – in seinem Spiel verbindet er analytische Klarheit mit feurigen Emotionen.

Mit zwei der größten russischen Pianisten der Gegenwart als Lehrer hat die russische Schule Alexander Krichel besonders beeinflusst. Nachdem er Vladimir Krainevs letzter Student in Hannover war, zog es ihn nach London, wo er am Royal College of Music bei Dmitri Alexeev mit höchstem Prädikat abschloss. Die besondere Beziehung des Künstlers zu Sergej Rachmaninoff ist hervorzuheben. Die Klavierkonzerte des russischen Komponisten sind ein wichtiger Teil seines Repertoires. Die Live-Aufnahme des 2. Klavierkonzertes mit den Dresdner Philharmonikern unter Michael Sanderling gehört zusammen mit der Einspielung der drei großen Klavierzyklen von Maurice Ravel zu den Höhepunkten seiner Diskographie, die insgesamt sieben Alben umfasst. Mit seinem letzten Album “Enescu & Mussorgsky” feierte Alexander Krichel seinen Einstand bei Berlin Classics.

Alexander Krichel ist sowohl auf nationalem als auch internationalem Podium zu Hause: Er gab Konzerte in der Philharmonie Berlin, der Elbphilharmonie Hamburg, der Kölner Philharmonie, im Konzerthaus und Musikverein Wien oder in der Tonhalle Zürich. Ebenso war er in London, New York City, Hongkong, Shanghai, Tokio, Kyoto, St. Petersburg, Mexico City, Oslo, Warschau, Bukarest und vielen weiteren Städten eingeladen. Neben Auftritten mit dem hr-Sinfonieorchester, den Bamberger Symphonikern, der Dresdner Philharmonie, der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und den Bremer Philharmonikern ist er ebenso ein gern gesehener Gast beim Tokyo Symphony Orchestra, beim Kyoto Symphony Orchestra, der Hong Kong Sinfonietta, den Festival Strings Lucerne, dem Polish Chamber Philharmonic Orchestra, dem St. Petersburg Symphony Orchestra und anderen. Ebenso konzertiert er kammermusikalisch mit dem Shanghai String Quartet, dem Goldmund Quartett sowie dem Amaryllis Quartett.

Während des Corona-Lockdowns fand der Künstler mit dem  weltweit ersten Klassik-Konzert in einem Autokino den Weg zu seinem Publikum.

Alexander Krichel ist Mitbegründer und künstlerischer Leiter des Festivals „Kultur rockt“ sowie künstlerischer Leiter der Konzertreihe „Kammermusik am Hochrhein“. Seit 2018 ist er außerdem Jurymitglied des Fanny Mendelssohn Förderpreises.

Drei Wochen nach seinem Auftritt in Jülich, am 16. Mai 2024 ist Alexander Krichel wieder in der Elbphilharmonie Hamburg zu hören..

Frédérik Chopin (1810 – 1849)
Nocturne Des-Dur op. 27/2
Lento sostenuto

Ballade Nr. 2 F-Dur op. 38
Andantino
Presto con fuoco

Sonate Nr. 2 b-moll op. 35
Grave – Agitato
Scherzo
Marche funèbre
Finale. presto

– Pause –

Sergei Rachmaninow (1873 – 1943)
Moments musicaux
Nr.1  b-moll: Andantino
Nr.2  es-moll: Allegretto
Nr.3  h-moll: Andante cantabile
Nr.4  e-moll: Presto
Nr.5  Des-Dur: Adagio sostenuto
Nr.6  C-Dur: Maestoso

Der erste Teil des Konzerts steht ganz im Zeichen von Frédérik Chopin, der nicht nur als Komponist, sondern auch als  Klaviervirtuose in seiner Zeit eine Berühmtheit war. Seine Nocturnes, Balladen und Walzer sind eingängige, kürzere Werke, die bis heute in kaum einem Klavierabend fehlen.

Seine b-moll- Sonate ist eine komplexe Komposition, die hohe Ansprüche an den Pianisten und den Zuhörer stellt.

„So fängt nur Chopin an und so schließt nur er: mit Dissonanzen durch Dissonanzen in Dissonanzen.“ Mit diesen Sätzen begann Robert Schumann seine Rezension des Werkes, das 1840 im Druck erschienen war. Zum Verständnis ihrer vier „tollen“ Sätze genügt es, Schumann zu zitieren, denn eine treffendere Charakterisierung der Sonate gibt es kaum: „Nach jenem „hinlänglich Chopin’schen Anfange folgt einer jener stürmischen leidenschaftlichen Sätze, wie deren von Chopin schon viele kennen. Aber auch schönen Gesang bringt dieser Theil des Werkes; ja es scheint, als verschwände der nationelle polnische Beigeschmack, der den meisten der früheren Chopin’schen Melodien anhing, mit der Zeit immer mehr, als neige er sich (über Deutschland hinüber) gar manchmal Italien zu… Aber, wie gesagt, nur ein leises Hinneigen nach südlicher Weise ist es; sobald der Gesang geendet, blitzt wieder der ganze Sarmate in seiner trotzigen Originalität aus den Klängen heraus.“ Heute ist Chopins Opus 35 vor allem wegen des Trauermarschs berühmt. In unzähligen Bearbeitungen, besonders für Blaskapelle zu Beerdigungen und Prozessionen, scheint die Melodie dieses Satzes so verbraucht, dass man sich ihrem Original doppelt aufmerksam zuwendet. Von diesem „Marche funèbre“ aus erschließen sich die übrigen Sätze des Werkes, die allerdings keinen Anspruch auf „ordentlichen Sonatenstil“ erheben. Schumann hielt es für eine „Caprice“, dass Chopin dieses Stück eine „Sonate“ nannte, ja gar „einen Uebermuth, dass er gerade vier seiner tollsten Kinder zusammenkoppelte“. Zum letzten Satz dieses Werkes – dem geisterhaft vorüberhuschenden, zweiminütigen Finale in rasenden Oktaven ohne erkennbaren tonalen Zusammenhang – meinte Schumann zusammenfassend: „So schließt die Sonate, wie sie angefangen, rätselhaft, einer Sphinx gleich mit spöttischem Lächeln.“

Die „Six moments musicaux“ op. 16 von Sergei Rachmaninow entstanden1896. In diesem Jahr hatte Rachmaninow große finanzielle Probleme. Darüber hinaus wurde er während einer Zugreise komplett ausgeraubt, so dass er einerseits unter enormen Druck stand, der andererseits aber auch seine Schaffenskraft beflügelte. Er konzipierte die 6 Klavierstücke als zusammenhängende Werke für Bühne und Konzert, doch steht jedes Stück individuell für sich. Das erste Stück entwickelt sich von einer langen reflektiven Melodie zu einer rapiden Klimax. Nr.2 ist ein Beleg für die frühe Meisterschaft der Klaviertechnik des Komponisten. Nr.3 kontrastiert mit Nr.2 und 4 durch seinen Trauermarsch und den Lamento-Charakter. In der Nr.4  zeigen sich Inspirationen durch unterschiedliche Vorlagen, u.a. der Préludes Chopins. Nr.5 verweist auf die Form der Barcarole, während das abschließende dreiteilige Stück mit allen Facetten pianistischer Virtuosität eine Art glorreicher Synthese darstellt.

Das Ensemble wird von den Brüdern Jonathan und Lukas Schwarz an erster Violine und Cello gerahmt, während Amelie Wallner an der zweiten Violine und Mayu Konoe an der Bratsche die Mittelstimmen bilden. Leonkoro, aus dem Esperanto: Löwenherz, spielt nicht zufällig auf Astrid Lindgrens Kinderbuch über zwei Brüder an, ein Buch, das der schwerwiegenden Tatsache des Sterbens eine herzliche Portion Trost gegenüberstellt – ein Zusammenhang, dem sich auch an vielen Stellen das Streichquartett-Repertoire widmet.

Im Jahr 2022 erhielt das Leonkoro Quartett eine Reihe renommierter Auszeichnungen und Preise, die seinen Platz unter den gefragtesten Ensembles seiner Generation festigen. Im März wurde es mit dem renommierten Musikpreis der Jürgen-Ponto-Stiftung ausgezeichnet, der alle zwei Jahre für herausragende Streichquartette vergeben wird. Anschließend triumphierte das Quartett beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in der Londoner Wigmore Hall und gewann den 1. Preis sowie eine Reihe von 9 Sonderpreisen, darunter Interpretation-, Residenz- und Konzertpreise.

Im Mai knüpfte das Quartett daran an und errang den 1. Preis beim Concours International de Quatuor à Bordeaux. Ihre Darbietung beeindruckte nicht nur die hochkarätige Jury, sondern zog auch das Publikum in ihren Bann, so dass das Quartett sowohl den Publikumspreis als auch den Preis des jungen Publikums erhielt. Kurz darauf erfolgte die Ernennung in das prestigeträchtige BBC Radio 3 New Generation Artists Programm, dessen Teil das Quartett von 2022 – 2024 sein wird.

Im November 2022 folgte dann die Auszeichnung mit dem MERITO String Quartet Award. Anders als bei einem klassischen Wettbewerb, wissen die fünf ausgewählten Ensembles nicht, dass sie über ein Jahr von einer Jury aus namhaften Streichquartett-Musikern bewertet werden und ihr Können in Konzerten unter Beweis stellen. Der MERITO String Instrument Trust wird das Ensemble für vier Jahre unterstützen, u.a. mit einem Kompositionsauftrag.

Internationale Aufmerksamkeit erlangte das Quartett im Sommer 2021, als es als jüngstes Ensemble den zweiten Preis (bei Nichtvergabe eines ersten Preises) und den begehrten Publikumspreis beim renommierten internationalen Streichquartett-Wettbewerb Premio Paolo Borciani gewann.

Neben dem Studium der Kammermusik bei Heime Müller (Artemis Quartett) an der Musikhochschule Lübeck studiert das Quartett seit 2020 bei Günter Pichler (Primarius Alban Berg Quartett) am Kammermusikinstitut der Escuela Superior de Música Reina Sofía Madrid. Zu den namhaften Mentoren des Ensembles zählen Eckart Runge und Gregor Sigl (Artemis Quartett) sowie der Pianist Alfred Brendel, mit dem das Leonkoro Quartett eine regelmäßige Zusammenarbeit pflegt.

Im Herbst 2023 erschien bei Mirare das erste Album des Ensembles mit Maurice Ravels Streichquartett und Robert Schumanns Streichquartett op. 41, Nr. 3.

Die Saison 2023/2024 ist voller großartiger Debüts, unter anderem in der Berliner Philharmonie, der Kölner Philharmonie, im Flagey Brüssel, dem Concertgebouw Amsterdam, dem Konzerthaus Wien. Das Leonkoro Quartett wird bei Festivals wie dem Rheingau Musik Festival, der Streichquartett-Biennale Paris und dem Heidelberger Frühling auftreten und seine Residenz in Leeds fortsetzen.

Das Leonkoro Quartett ist Pirastro-Artist und Henle App Ambassador.

 

Die Musikerinnen und Musiker

Amelie Wallner wurde in München geboren und erhielt im Alter von vier Jahren ihren ersten Violinunterricht. Sie ist mehrfache Preisträgerin des Wettbewerbs „Jugend musiziert“ und trat als Mitglied und Konzertmeisterin des Bundesjugendorchesters in vielen verschiedenen Ländern auf. Zu ihren Lehrern gehören Harald Christian, Prof. Petru Munteanu, Prof. Mo Yi und Prof. Nora Chastain an der Universität der Künste Berlin, bei der sie sich derzeit im Bachelorstudium befindet. Weitere kammermusikalische Impulse erfuhr sie unter anderem von Eberhard Feltz, Ernö Sebestyen, Anthea Kreston, Tim Vogler und Konstantin Heidrich. 2019 wurde sie mit ihrem einem Streichsextett beim Kammermusikwettbewerb der Alice-Samter-Stiftung mit dem ersten Preis ausgezeichnet. Amelie spielt regelmäßig in Sinfonie- und Kammerorchestern, wie dem Sinfonieorchester Liechtenstein, dem Ensemble Esperanza und der Kammerakademie Potsdam.

Amelie Wallner spielt eine Geige von Vicenzo Postiglione, die ihr großzügierweise von einer Privatperson zur Verfügung gestellt wird.

Jonathan Schwarz, geboren 1996 in Lübeck, erhielt seinen ersten Geigenunterricht bei Vladislav Goldfeld bevor er 2009 seine Ausbildung als Jungstudent an der Musikhochschule Lübeck in der Klasse von Heime Müller fortsetzte. 2015 nahm er das Studium an der Universität der Künste Berlin bei Nora Chastain auf, welches er bei ihr seit dem Frühjahr 2020 im Masterstudiengang fortführt.

Jonathan Schwarz sammelte früh Orchestererfahrung und war Konzertmeister als Mitglied des Bundesjugendorchesters und infolgedessen an CD-Produktionen bei der Deutschen Grammophon sowie an Rundfunkaufnahmen der deutschen Rundfunksender beteiligt. Weitere Orchestererfahrung sammelte er unter anderem im Festivalorchester des Pacific Music Festival, Eroica Berlin, Anima Eterna Brugge, der Kammerakademie Potsdam und insbesondere in den Jahren 2020 bis 2022 als Mitglied der Karajan-Akademie bei den Berliner Philharmonikern.

Jonathan Schwarz ist Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und spielt eine Geige von Giovanni Battista Guadagnini, die ihm freundlicherweise von der Beare’s International Violin Society zur Verfügung gestellt wird.

Die japanisch-niederländische Bratscherin Mayu Konoe wurde 1997 in Amsterdam geboren. Ihre erste Ausbildung erhielt sie an der Sweelinck Academy des Konservatoriums Amsterdam in der Klasse von Coosje Wijzenbeek. 2016 nahm sie ihr Studium an der Universität der Künste Berlin bei Mark Gothóni auf und seit 2022 studiert sie in der Violaklasse von Walter Küssner an der Hochschule für Musik Hanns Eisler.

Mayu sammelte schon in jungen Jahren Erfahrung in der Kammermusik. So spielte sie bereits im Alter von 9 Jahren mit ihrem Quartetto Piccolo im Concertgebouw Amsterdam und bildete zudem ein Duo mit ihrem Zwillingsbruder Takehiro Konoe. Weitere KammermusikpartnerInnen waren u.a. Menahem Pressler, Lucas Jussen, Lars Anders Tomter und Noa Wildschut.

Sie war Mitglied des Ensembles Esperanza und sammelte zusätzliche Orchestererfahrung als Aushilfe bei der Kammerakademie Potsdam und den Berliner Philharmonikern. Mayu Konoe spielt eine Viola aus privatem Besitz.

Im Alter von zehn Jahren wurde der 1998 geborene Cellist Lukas Schwarz Jungstudent an der Musikhochschule Lübeck in der Klasse von Prof. Troels Svane. 2016 begann er sein Studium in der Klasse von Peter Bruns an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig, welches er im Frühjahr 2021 mit Höchstnote abschloss. Zurzeit führt er sein Studium im Master bei Prof. Bruns fort. Er besuchte Meisterkurse von David Geringas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Jens-Peter Maintz, Jan Vogler, Stephan Forck und anderen.
Bereits im jungen Alter konnte Lukas Schwarz mit Auszeichnungen auf sich aufmerksam machen. So erhielt er neben zahlreichen 1. Bundespreisen beim Jugendwettbewerb Jugend musiziert den 1. Preis beim Lions Jugend Musikpreis und einem 2. Preis beim 9. Internationalen Cellowettbewerb Antonio Janigro (Kroatien). Außerdem wurde ihm der NDR Kultur Förderpreis verliehen, verbunden mit einer Studioproduktion.
Als Mitglied des Bundesjugendorchesters unternahm er Tourneen im In- und Ausland und war an CD-Produktionen bei der Deutschen Grammophon sowie an Rundfunkaufnahmen der deutschen Rundfunksender beteiligt.
Weitere Orchester-Erfahrung sammelte er im Verbier Festival Music Camp Orchestra und als Mitglied des Kammerorchesters Eroica Berlin, des Orchester im Treppenhaus und bei der Jungen Norddeutschen Philharmonie.

Lukas Schwarz spielt ein Cello von Carlo Tononi, Venedig (ca. 1720), welches ihm von der Beare’s International Violin Society zur Verfügung gestellt wird.

Anton Webern (1883 – 1945)
Langsamer Satz für Streichquartett

Dimitri Schostakowich (1906 – 1975)
Streichquartett Nr. 3 in F-Dur
Allegretto
Moderato con moto
Allegro non troppo
Adagio
Moderato

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Streichquartett Nr. 1 in c-moll, op. 51/1
Allegro
Romanze. Poco adagio
Allegro molto moderato e comodo
Allegro

Für die standing ovations bedankte sich das Ensemble mit Entr´acte {minuet & trio} von Caroline Shaw.

Anton Webern, seit 1904 Schüler Arnold Schönbergs, schrieb seinen Langsamen Satz für Streichquartett im Jahr 1905. Obwohl zeitgenössische Kritiker Schönbergs Klasse als die “hohe Schule der Dissonanz” diffamierten und Weberns frühen Arbeiten “wilde Konfusion” vorwarfen, ahnten sie das Genie des jungen Komponisten doch bereits.

Während man Weberns langsamen Satz für Streichquartett damals als neuartig empfand, wird heute meist seine Nähe zu Brahms unterstrichen. Tatsächlich bewegt sich das einsätzige Stück an der Grenze zwischen früher Moderne und der Brahms-Tradition.

Dimitrij Schostakowitchs drittes Streichquartett wirkt fast heiter, wenn man den tragischen Hintergrund bedenkt, vor dem es entstand. Komponiert 1946, ein Jahr nach dem Sieg der Sowjetunion über Nazideutschland, hätte man hier eine Triumphpartitur erwarten können, wie sie der Komponist in seiner 9. Symphonie pflichtgemäß abgeliefert hatte, oder ein tragisches Fanal für die Opfer, wie er es erst viel später in seinem berühmten 8. Quartett komponieren sollte. Stattdessen „hat er hier seinem schweren und ernsten Humor freien Lauf gelassen, indem er den Schmerz über den Krieg in souveräne Kunst verwandelte, in einer fast mozartischen Mutation.“ (Pierre-Émile Barbier)

Johannes Brahms fühlte sich dem hohen Anspruch der Gattung Streichquartett erst nach 20jährigen Vorarbeiten gewachsen. Robert Schumann hatte zwar schon 1853 der Musikwelt Streichquartette des jungen Hamburgers angekündigt, die „verschleierte Sinfonien“ seien, doch der Komponist vernichtete diese wie alle anderen Jugendquartette. Insgesamt hat er nach eigenen Angaben 20 frühe Streichquartette zerstört, bevor er 1873 sein erstes Opus mit zwei Quartetten publizierte. Sein Freund Theodor Billroth meinte zu den Werken: „Sie enthalten sehr viel schönes in knapper Form; doch sind sie nicht nur technisch enorm schwer, sondern auch sonst nicht leichten Gehaltes.“ Der Biograph Heinrich Reimann berichtete, man habe „an Brahms‘ Quartetten häufig getadelt, dass er über das Maß dessen, was vier einzelne Instrumente an Kraft und Klangfülle leisten können, hinausgehe, dass er unverhältnismäßige Mittel aufwende, und doch nicht die beabsichtigte Wirkung erziele … Dafür bietet er reichen Lohn demjenigen, der ihm auf diesem beschwerlichen Wege gefolgt ist, sei er ausübender Künstler oder zuhörender Laie.“ Ludwig Finscher charakterisiert die vier Sätze mit «dramatisch zerklüftet» (Kopfsatz), «melancholisch» (Romanze in As-dur), «nachdenklich-versponnen» (Allegretto-Intermezzo in f-moll anstelle eines Scherzos) und «emotionale Hochspannung» (Finale). Vor allem der Kopfsatz des Quartetts ist das krasseste Beispiel einer solchen alle Grenzen überschreitenden Quartettmusik. Seine Maßlosigkeit in klanglicher wie affektiver Hinsicht macht ihn zu einem der erschütterndsten Bekenntnisse des Melancholikers Brahms, die wir besitzen.

Die Musiker

Roger Morelló Ros (*Katalonien 1993) ist ein engagierter, ausdrucksstarker und fantasievoller Cellist mit einer immensen Fähigkeit, sich mit anderen zu verbinden, was ihn zu einem Kommunikationskanal macht, der Schöpfer, Kreation und Publikum vereint. Er erschafft Erlebnisse, die seine Leidenschaft, Authentizität und Spontaneität ausstrahlen, die sowohl das Publikum als auch die Veranstalter aus ganz Europa ansprechen. So ist er beispielsweise in der Berliner Philharmonie und im Palau de la Música Catalana sowie in der von Antoni Gaudí erbauten Casa Milà in Barcelona aufgetreten, wo er in der Saison 2018/19 Residenzkünstler war.

Er hat über dreißig internationale Preise bzw. Förderungen erhalten, spielt oft als Solist mit Orchestern und gastierte inzwischen bei einer Reihe bedeutender Festivals (Verbier Festival, Euregio Musikfestival, MozArte Festival sowie dem Rheinhessen Musikfestival u.a.).

Vor kurzem veröffentlichte er sein Album The Voice of Casals (Ibs Classical – SWR), ein hommage an Pau Casals. Ein sorgfältiges und präzises Werk, welches gleichzeitig voller Leben und Emotion steckt. Seine Interpretation, so die Kritiker, bringt dabei gerade dieses Gleichgewicht zum Ausdruck.

Roger Morelló studierte zunächst in seiner Heimat bei David Blay und Damian Martínez, bevor er bevor er – unterstützt durch ein Deutschlandstipendium sowie die Humboldt- und die Güell-Stiftung – seine Ausbildung bei Maria Kliegel an der Kölner Musikhochschule fortsetzte, wo er seinen Master und sein Konzertexamen mit Auszeichnung erwarb.

Sein Wunsch, ein breiteres Publikum anzusprechen, resultierte 2022 in einer CD mit dem Titel Schumann goes Tango. Er war künstlerischer Leiter des Festivals Bach to Basics in Málaga, das aus 6 Cellisten, 6 Bach-Suiten und 6 Auftragskompositionen bestand. Mit seinen Interpretationen ist er häufig im spanischen Nationalradio, im katalanischen Rundfunk sowie beim WDR, beim SWR und in der BBC zu hören.

 

Anna Khomichko kommt aus einer belarussisch-ukrainischen Familie und ist im Norden Russlands aufgewachsen. Sie begann im Alter von vier Jahren mit dem Klavierspiel. Im Juni 2015 schloss sie ihr Studium an der russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau ab, wo sie Schülerin des renommierten russischen Professors Vladymyr Tropp war. Gleichzeitig hat sie ihren Bachelor-Abschluss an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar bei Professor Grigory Gruzman und danach ihren Master-Abschluss bei Professor Claudio Martinez Mehner an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln erworben.

​Kammermusik war schon immer ein besonderer Schwerpunkt in Annas Karriere. Zurzeit spielt sie im Duo zusammen mit dem katalanischen Cellisten Roger Morelló Ros. Das Duo konzentriert sich darauf, die Musik sowohl von weiblichen als auch von lebenden Komponisten und Komponistinnen populärer zu machen. In dieser Saison präsentieren sie ihr Programm „Liebesgeschichte“ mit Werken von J. Brahms, Clara und Robert Schumann und einem extra für das Duo geschriebenen und diesem auch gewidmeten Werk der katalanischen/amerikanischen Komponistin Elisenda Fábregas.

​Anna Khomichko ist Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe. Dazu zählen der 1. Preis beim Internationalen Musikfestival Valencia 2013 Music Award (Spanien, 2013), 1. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Citta di Pesaro“ (Italien, 2007), 1. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Theacher-Pupil“ (Moskau, 2003), 2. Preis beim Internationalen Anton-Rubinstein-Klavierwettbewerb (Düsseldorf, 2018), 2. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Musik ohne Grenzen“, 2. Preis beim Internationalen Zodiac-Musikwettbewerb (USA, 2019), 3. Preis beim Internationalen Musikwettbewerb Malta (Malta, 2013), 6. Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb Palma d’Oro und viele andere. Sie ist auch Preisträgerin und Gewinnerin von 11 Sonderpreisen des Münchner Klavierpodiums (München, 2013).

​Ihre Begeisterung für das Repertoire der Klassik hat sich in der Aufnahme ihrer Debüt-CD „Mozart and his Europe“ mit den Werken von W. A. Mozart, C. P. E. Bach, J. C. Bach und M. Clementi manifestiert. Die CD ist in Kooperation mit dem SWR – Südwestrundfunk aufgenommen worden und ist bei dem Label GENUIN erschienen. Das Album erhielt sehr positive Kritiken und wurde vom RONDO Magazin mit 5/5 Punkten bewertet sowie vom Schale Kultur-Blog als „ein beeindruckendes Debüt“ bezeichnet.

In Anerkennung ihrer Leistungen hat Anna Khomichko verschiedene Stipendien von unterschiedlichen Mäzenen und Organisationen erhalten; darunter befinden sich die Yehudi-Menuhin-Stiftung, die DOMS-Stiftung, die Anna-Ruths-Stiftung und die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien.

​Anna kommuniziert mit der jüngeren Generation in der Sprache, die diese am besten versteht – die der Onlinemedien. Deshalb hat Anna es sich zur Aufgabe gemacht, für ihre schnell wachsenden Blogs über klassische Musik auf YouTube und Instagram stets qualitativ hochwertige Inhalte zu produzieren. Sie möchte dabei ein Vorbild für eine junge weibliche Musikergeneration sein, zugleich aber nicht nur Teenager, sondern Menschen jeden Alters und jeder Herkunft inspirieren.

„Liebesgeschichte“

Clara Schumann (1819 – 1896)
Drei Romanzen für Violoncello und Klavier, Op. 22
Andante molto
Allegretto. Mit zartem Vortrage.
Leidenschaftlich schnell

Elisenda Fábregas (* 1955)
„Uphill“ (from Clara to Robert) für Violoncello und Klavier

Robert Schumann (1810 – 1856)
Fantasiestücke für Violoncello und Klavier, Op. 73
Zart und mit Ausdruck
Lebhaft leicht
Rasch und mit Feuer

– Pause –

Johannes Brahms (1833 – 1897)
Sonate für Klavier und Violoncello Nr. 2 F-Dur, op. 99
Allegro vivace
Adagio affettuoso
Allegro passionato
Allegro molto 

 

Mit dem Liebestraum Nr. 3 von Franz Liszt bedankte sich das sympathische Duo bei seinem begeisterten Publikum..

Aufgrund krankheitsbedingter Ausfälle beider ursprünglich eingeplanter Interpreten musste das Programm kurzfristig – am Vorabend des Konzertabends – geändert werden. Das ursprünglich vorgesehene Programmblatt finden Sie unter „Downloads“ nun ausschließlich zu dokumentarischen Zwecken.

Nachholkonzert-Konzert vom 12. Februar

 

40 Singphonic Years – Gesänge, Lieder, Songs aus Folk, Pop und Jazz

Ein musikalisches Vergnügen ist garantiert, wenn die sechs charismatischen Herren die Bühne betreten und der ensembleeigene Pianist am Flügel Platz nimmt. Jeder Einzelne von Ihnen ein sängerischer Brillant, gemeinsam bilden sie ein einzigartiges Vokalensemble mit einem unverwechselbar bestechenden Sound – spontan, mitreißend und voller Energie.

„Mit diesen fünf wunderbaren Musikern auf internationalen Bühnen zu stehen und eine enorme Bandbreite an Ensemble-Literatur zu präsentieren, gehört für mich zu den schönsten Momenten meines Sängerlebens.“

Der Countertenor Johannes Euler ist seit 2014 Mitglied der Singphoniker und darüber hinaus als freiberuflicher Sänger tätig.

Er studierte bis 2016 Gesang an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover bei Ralf Popken. Ergänzt wurde sein Studium durch Meisterkurse bei Michael Chance (Countertenor), Evelyn Tubb (Sopran) und Maria Husmann (Schauspiel, zeitgenössische Musik).

Sein Operndebüt gab Johannes Euler 2013 in Georg Philipp Telemanns „Der aus der Löwengrube errettete Daniel“ am Theater Osnabrück. In einer Produktion der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover sang er im Frühjahr 2015 die Rolle des Oberon im Sommernachtstraum von Benjamin Britten. Im September 2016 gab er sein Debüt an der Staatsoper Berlin mit der Partie des Jörg Jannings in der Uraufführung der Oper „Comeback“ von Oscar Strasnoy.

Auch im Konzert-Fach ist Johannes Euler ein gefragter Solist – neben dem barocken Repertoire seines Fachs, wie z.B. den Kantaten und Oratorien von Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel gilt sein besonderes Interesse der modernen Musik – was sich durch inzwischen zahlreiche für ihn komponierte Uraufführungen bemerkbar macht.

Mit den Singphonikern hat er erfolgreiche CDs produziert und Konzertreisen ins europäische Ausland, sowie nach Taiwan und Japan unternommen.

„Die Singphoniker sind zu meiner musikalischen Familie geworden. Hier mit Gleichgesinnten die Grenzen des stimmlich Machbaren auszuloten, ohne Scheu vor Genre oder Epoche, bedeutet für mich die Erfüllung eines Lebenstraumes.“

Der Tenor Daniel Schreiber ist international ein gefragter Solist und Ensemblesänger. Herausragende stimmliche Fähigkeiten, gepaart mit musikalischem Einfühlungsvermögen, machen ihn zu einem gern gesehenen Gast bei den Rundfunkchören des SWR und des BR. Seine Leidenschaft gilt der Musik der Barockzeit. Bedeutende Stationen seiner künstlerischen Tätigkeit sind neben den Evangelistenpartien der großen Oratorien Johann Sebastian Bachs auch regelmäßige Auftritte mit dem Ensemble Stimmkunst im Rahmen der Reihe Bach:vokal in Stuttgart, Konzerte mit La Chapelle Rhénane sowie Projekte mit La Petite Bande.

Offenheit und Neugier prägen das musikalische Wirken des Tenors. Wichtige Impulse erhält er während des Studiums der Fächer Schulmusik und Gesang an der staatlichen Hochschule für Musik und darstellende Kunst von seinen Lehrern Prof. Bruce Abel und Prof. Francisco Araiza. Seine Vielseitigkeit und Stilsicherheit wird von Dirigenten wie Marcus Creed, Sigiswald Kuijken, Peter Dijkstra, Benoît Haller und Frieder Bernius geschätzt.

Das Singen im Chor- und Ensemble begleitet Daniel Schreiber seit frühester Kindheit. Wegweisende Weichen wurden im Chor des Max-Slevogt-Gymnasiums Landau, der evangelischen Jugendkantorei der Pfalz und dem Hochschulvokalensemble Circus Musicus in Stuttgart gestellt. Seit 2009 singt Daniel Schreiber bei dem renommierten Vokalensemble Die Singphoniker

„Diese Chance bekommt man nur einmal im Leben – als Pianist ein Teil der Singphoniker zu sein und die Sänger unterstützend begleiten zu dürfen. Ganz Besonders, weil die Singphoniker das einzige Ensemble dieser Formation sind, die ihren eigenen Pianisten haben.“

Kammermusik ist sein Metier. Speziell im Klavier-Trio und bei Liederabenden fühlt sich der Pianist Berno Scharpf beheimatet.

Als Pianist im Vokalensemble Die Singphoniker reist er seit 1990 durch Europa, die USA, Afrika und Asien.

Er unterrichtet am Gymnasium Klavier, Orgel und Violine, sowie Kammermusik und dient Studenten und Schülern als Korrepetitor bei Prüfungen.

Bereits als Schüler hat der Pianist reichlich Gelegenheit, in Veranstaltungen solistisch wie auch kammermusikalisch aufzutreten. Nach dem Abitur studiert er Klavier bei Maria Landes-Hindemith, während des Schulmusik-Studiums an der Musikhochschule München bei Erik Then-Bergh und Rolf Koenen.

„Mitglied bei den Singphonikern zu sein ist für mich die Erfüllung eines Traumes. Ich bin sehr glücklich über die Möglichkeit mit so hochkarätigen und gleichzeitig so netten Kollegen arbeiten, singen und Erfahrungen sammeln zu dürfen. Die wörtliche Bedeutung der Bezeichnung „Ensemble“ ist hier Programm: ein gemeinsames Erarbeiten von Repertoire, um es dann als Einheit auf die Bühne zu bringen – ohne dabei die charakteristischen Eigenheiten der einzelnen Sänger zu verstecken.“

Seine Leidenschaft für das Singen entdeckte der Bass Florian Drexel in Kindheit und Jugend in erster Linie als Chorsänger, und so spielt der Ensemblegesang nach wie vor eine zentrale Rolle in seinem Schaffen;
schon während seines Studiums war er Mitglied diverser Profi-Ensembles in und um München und ist seit 2017 Teil des Konzertchores des Bayerischen Rundfunks.

Er studierte Gesang an der Hochschule für Musik und Theater München und erlangte Diplom- und Masterabschlüsse in Konzertgesang, Liedgestaltung und Gesangspädagogik.

Auf der Opernbühne war Florian bisher u.a. als Melisso in Händels „Alcina“, Bartolo in Mozarts „le nozze di Figaro“ und Kalchas in Offenbachs „die schöne Helena“ zu erleben.
Auch im Konzertrepertoire fühlt er sich zuhause und soliert regelmäßig in Messen sowie großen Vokalwerken.

Florian Drexel ist Leiter des Münchner Chores „Vollton“ und seit 2020 stolzes Mitglied der Singphoniker.

Marlo Honselmann ist seit 2022 Mitglied bei den Singphonikern.

Davor war er zwei Spielzeiten als Solist im internationalen Opernstudio am Staatstheater Nürnberg engagiert, wo er Rollen seines Fachs unter anderem in den Opern Carmen, Peter Grimes und L’Orfeo verkörperte und mit J. Mallwitz, G. Rumstadt und L. de Veer zusammenarbeitete. Sein Operndebüt gab er 2018 am Theater Fürth als Mordax in der Oper Scherz, Satire, Ironie und tiefere Bedeutung von D. Glanert.

Seit dem Studienjahr 22/23 ist er Lehrbeauftragter für besondere Aufgaben an der Universität Augsburg. Zuvor war er zwei Jahre Gesangslehrer an der BFSM Plattling.

Er studierte Gesangspädagogik bei Prof. Schmidt- Timmermann und Doppelfach Schulmusik mit Hauptfach Klavier in Regensburg, in Nürnberg schloss sich ein künstlerischer Master in Gesang bei Prof. Hammar an. Die Qualifikation zum nebenberuflichen Kirchenmusiker rundet seine Ausbildung ab.

Bereits während seiner Studienzeit war er als Solist insbesondere im Oratorienfach gefragt. Den Grundstein legten solistische Verpflichtungen während seiner Mitgliedschaft in der Audi Jugendchorakademie unter der Leitung von Prof. Steidler. So konnte er früh wichtige chorische und solistische Erfahrungen z.B unter K. Nagano, zusammen mit Akamus Berlin, bei der Eröffnung der Elbphilharmonie Hamburg oder im Maison Symphonique de Montréal sammeln.

Sein Repertoire besteht aus allen gängigen Oratorienpartien seines Fachs, Liedern und ausgewählten Opernpartien.

Er ist außerdem Mitglied im Vokalensemble StimmGold.

„Unsere lebendige Neugier motiviert uns zu immer neuen Höchstleistungen, mit dem Ziel, unser Publikum charmant zu unterhalten. In nunmehr acht Jahren als Mitglied der Singphoniker sind mir Routine und Langeweile ein Fremdwort. Engagement, beste Unterhaltung und Originalität – dafür stehen die Singphoniker.“

Seine erste musikalische Ausbildung erhielt der Tenor Henning Jensen im Knabenchor collegium iuvenum Stuttgart. Noch während des Studiums der Fächer Gesang und Lied bei Prof. Bernhard Jaeger-Böhm und Prof. Cornelis Witthoefft wurde er Anfang 2009 festes Mitglied des renommierten Vokalensembles Die Singphoniker, und konnte zu diesem Zeitpunkt bereits auf eine rege Konzerttätigkeit als Solist und im Ensemble im In- und Ausland zurückblicken. Als ständiger Gast bei den herausragendsten europäischen Chören und Vokalensembles, wie dem Kammerchor Stuttgart oder den Rundfunkchören des SWR und BR, ist die Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Mariss Jansons, Andris Nelsons, Riccardo Muti, Marcus Creed oder Frieder Bernius eine Bereicherung seines musikalischen Werdegangs. Zahlreiche CD-Einspielungen belegen seine große Bandbreite und die Vielseitigkeit seiner Arbeit.

Comedian Harmonists – Ouvertüre zu Wilhelm Tell

Trad./ Arr.: Ludwig Thomas (*1957) – O Tannenbaum / O Christmas Tree

Thomas Weelkes (1576-1623) – Hark, all ye lovely saints above

Max Beckschäfer (*1952) – Il fé degli occhi porta

Hans Schanderl (*1960) – Whispers of heavenly death

Franz Schubert (1797-1828) – Sehnsucht

Simon & Garfunkel – Cecilia

Friedrich Silcher (1789-1860) – Loreley

Pharell Williams (*1963)/ Ludwig Thomas (*1957) – Happy

– Pause –

Comedian Harmonists – Ouvertüre zu Barbier von Sevilla

Orlando di Lasso (1532-1594) – Nasen-Madrigal

Billy Joel (*1949) – Honesty

Volkslied Giesinger Mond

Javier Busto Sagrado (*1949) – Ave Maria

Comedian Harmonists – Night and Day

Martin Carbow (*1965) – Christmas Song

M/T: J. Styne, T: S. Cahn – Let it snow

Johnny Marks (1909-1985) – Rudolph, the red-nosed reindeer  

In den 40 Jahren ihres Bestehens sind die Singphoniker – in ihrer aktuellen, jungen Besetzung – keinen Tag älter geworden! Seit vier Jahrzehnten setzt das wohl renommierteste deutsche Vokalensemble Maßstäbe und startet mit frischer Energie, voller Tatendrang und vielen neuen Projekten in die fünfte Dekade.

Das Geburtstags-Programm präsentiert die Glanzstücke des singphonischen Repertoires: von Lasso über Schubert und die Romantik hin zu Orff, aber auch Jazz und Pop – und natürlich die Comedian Harmonists, mit denen alles begann! Freuen Sie sich auf eine Gala mit dem Besten aus 40 Jahren!

Die Legende des Flöte spielenden Satyrs Marsyas handelt von Leidenschaft, Mut, Talent, grausamer Rache und einem musikalischen Duell..

Auch die vier Musikerinnen von Marsyas Baroque haben sich aus Anlass eines Wettstreits zusammengefunden: Ohne zuvor miteinander musiziert zu haben, entschlossen sie sich 2019 kurzerhand, beim Deutschen Musikwettbewerb des Jahres teilzunehmen – mit vollem Erfolg. Sie erhielten nicht nur ein Stipendium des Deutschen Musikrats, verbunden mit der Aufnahme in die BAKJK (Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler), und den Sonderpreis der Ensembleakademie Freiburg, sondern gewannen kurze Zeit später auch den 1. Preis des renommierten Biagio-Marini-Wettbewerbs in Neuburg an der Donau.

Schwerpunktmäßig spielt Marsyas Baroque virtuose Werke des 17. und 18. Jahrhunderts auf Originalklanginstrumenten in eigenen Arrangements und stellt diese zeitgenössischen Werken gegenüber. Ein besonderes Interesse des Ensembles liegt in der Entwicklung von Konzertprogrammen, die das Publikum auf verschiedenen Ebenen ansprechen: Neben interdisziplinären Konzertformaten, Kinder- und Familienkonzerten, Konzerten an außergewöhnlichen Orten und Dunkelkonzerten lädt Marsyas Baroque auch gerne musikalische Gäste ein, um mit ihnen einzigartige Programme zu erarbeiten.

Marsyas Baroque konzertiert regelmäßig auf nationalen und internationalen Bühnen. In den letzten drei Jahren haben Paula Pinn (Blockflöten), María Carrasco Gil (Barockvioline), Konstanze Waidosch (Barockcello) und Sara Johnson Huidobro (Cembalo) in über 40 Konzerten Publikum in ganz Deutschland erreicht und sie waren auf zahlreichen Festivals, etwa den Thüringer Bachwochen, dem Trigonale Festival oder dem Festival Winter in Schwetzingen zu erleben.

Die Musikerinnen

Die Musikerinnen

 

Paula Pinn wurde 1998 im westfälischen Münster geboren. Nach einem Jungstudium bei Jeremias Schwarzer und Maurice Steger an der Hochschule für Musik Nürnberg absolvierte sie ihr Bachelorstudium bei Dorothee Oberlinger an der Universität Mozarteum Salzburg. 2022 schloss ihr Masterstudium bei Michael Form an der Hochschule der Künste Bern erfolgreich ab.

​Musikalische Anregungen erhielt sie außerdem in Meisterkursen bei Erik Bosgraaf, Sabrina Frey, Shunske Sato, Mieneke van der Velden, Veronika Skuplik, Hille Perl, Jed Wentz, Lars Ulrik Mortensen und weiteren Alte-Musik-Spezialisten.

​Paula wurde mit einer Vielzahl von Preisen ausgezeichnet, u.a. als mehrfache 1. Bundespreisträgerin bei Jugend Musiziert, beim Moeck/SRP International Solo Recorder Competition, beim Deutschen Musikwettbewerb, mit dem 1. Preis des Biagio Marini Wettbewerbs, mit dem 1. Liebenberger Publikumspreis sowie mit dem GWK Förderpreis für Musik 2016. Die DKB-Stiftung verlieh ihr 2014 ein Stipendium und unterstützte sie durch zahlreiche Konzertauftritte. Sonderpreise wurden ihr u.a. von der Deutschen Stiftung Musikleben, von der Ensemble Akademie Freiburg, vom Bundesministerium für Familie, Senioren, Frauen und Jugend, vom Verband Deutscher Musikschulen sowie vom Verlag Neue Musik verliehen. Zuletzt wurde ihr Ensemble Marsyas Baroque mit einem Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs ausgezeichnet und in die BAKJK (Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler) aufgenommen.

​Ihre internationale Konzerttätigkeit führte sie u.a. nach Frankreich, Spanien, Italien, Belgien, Österreich, Deutschland, in die Schweiz, die Niederlande sowie nach Russland.

​Paula ist Stipendiatin der Werner Richard – Dr. Carl Dörken Stiftung, der Deutschen Stiftung Musikleben sowie der Studienstiftung des deutschen Volkes. (www.paulapinn.com)

 

Maria Carrasco Gil begann ihre musikalische Ausbildung im Alter von 8 Jahren in Tarazona, ihrer Heimatstadt. Am Conservatorio Superior de Música in Aragón studierte sie Bachelor KA Violine bei Juan Luis Gallego. Es folgte ein Pädagogik-Master an der Universität in Zaragoza. Sie erhielt Barockvioline-Unterricht bei Elsa Ferrer in Madrid, welche sie zum Alte Musik Studium außerhalb Spaniens motivierte. Seit 2015 studiert sie bei Veronika Skuplik an der Hochschule für Künste Bremen, Deutschland.

​Sie besuchte Meisterkurse bei Latica Honda-Rosenberg, Erez Offer, Haim Taub und Tabea Zimmermann, sowie Vera Martínez Mehner (Cuarteto Casals) und Aitor Hevia (Cuarteto Quiroga). Ihr Interesse für die Alte Musik führte sie mit dem Jeune Orchestre de l’Abbey zu verschiedenen Kursen nach Frankreich und zur Spezialisierung auf der Barockvioline hat sie an verschiedenen masterclasses mit Hiro Kurosaki, François Fernandez, Enrico Onofri, Shunske Sato und Rachel Podger teilgenommen.

​In 2019 gewinnt sie mit ihrem Ensemble Marsyas Baroque das Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs (Saison 2020-2022) und den Sonderpreis des Freiburger Barockorchesters sowie den ersten Preis des “XX Biagio-Marini-Wettbewerbs”. Mit dem Ensemble I Zefirelli gewinnt sie den Sonderpreis des West Deutschland Radios bei dem H. I. F. Biber Wettbewerb 2019. Im Jahr 2021 erhielt I Zefirelli den Bärenreiter-Preis beim Internationalen Händel-Wettbewerb und wurde in das Europäische Förderprogramm für junge Ensembles von Eeemerging+ aufgenommen.

​Sie machte Aufnahmen für NDR, WDR und Deutschlandradio sowohl als Solistin als auch mit kleinen Kammerensembles und trat bei Festivals wie der Oude Muziek in Utrecht, bei den Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, beim Musikfest Bremen oder der Trigonale in Österreich auf.

​Zurzeit konzertiert sie mit mehreren Kammermusik-Ensembles wie dem Bremer Barock Orchester, dem Ensemble Urgent Music (Veronika Skuplik), dem Ensemble Weser-Renaissance, der Akademie für Alte Musik Berlin oder Oltremontano u.a.

Neben ihrer Konzerttätigkeit, arbeitet sie als Geige Lehrerin an der Musikschule Cuxhaven. (www.mariacarrascogil.com)

 

 

Aufgewachsen in einem Geigen- und Lautenbauer-Haushalt im ländlichen Niederbayern wurde Konstanze Waidosch schon von Kindesbeinen an mit der Geschichte und den Geschichten alter Instrumente vertraut gemacht.

Geprägt und inspiriert von Viola de Hoog, Gaetano Nasillo, Job der Haar, Hille Perl und Mieneke van der Velden, spezialisierte sie sich auf historische Celli sowie Viola da Gamba an der Hochschule für Künste Bremen sowie am Conservatorium van Amsterdam.

Als Continuospielerin und Solistin experimentiert sie mit den Klangfarben der verschiedenen Bass- und Tenor-Instrumente, wie etwa dem Basse de Violon oder dem fünfsaitigen Violoncello Piccolo.

Als Mitglied und zu Gast bei Ensembles wie der Academia Montis Regalis, der Collegium Vocale Gent Academy, dem Amsterdam Baroque Orchestra, dem Händelfestspielorchester Halle, der Nieuwe Philharmonie Utrecht, dem Bremer Barockorchester, dem Göttinger Barockorchester, dem Barockwerk Hamburg, dem Elbipolis Barockorchetser Hamburg, dem Ensemble Tabatiére und Marsyas Baroque bewegt sie sich vielseitig zwischen dem Repertoire des frühen 17. Jahrhunderts und der Romantik. Auf internationalen Konzertbühnen und Festivals konzertierte sie unter anderen mit Musikern wie Dorothee Oberlinger, Christoph Prégardien, Rachel Podger, Ton Koopman, Pieter Wispelway, Michael Form und Shunske Sato.

Konstanze lebt derzeit in Bremen und absolviert dort ihr zweites Masterstudium der Viola da Gamba und Pädagogik bei Prof. Hille Perl. Neben ihrer Konzerttätigkeit unterrichtet sie Cello und ist regelmäßige Dozentin bei Lehrgängen für Alte Musik, Consort und Musiktheater für Kinder und Erwachsene am Jugendhof Vlotho, Schiermonnikoog, Burg Sternberg und der Burg Rothenfels. (www.konstanze-waidosch.de)

 

 

Die Cembalistin und Organistin Sara Johnson Huidobro (1992, León – Spanien) konzertiert in ganz Europa. Als Solistin und Continuo-Spielerin trat sie im Rahmen renommierter Festivals auf, darunter die „Trigonale“ (Autria, 2018 – 2020), das ON-Festival für Zeitgenössische Musik in Köln (Deutschland, 2018) und das Festival für Alte Musik der Pyrenäen (Spanien, 2014). Darüber hinaus war sie von 2016 bis 2017 Mitglied des Barockorchesters der Europäischen Union.

​Johnson Huidobro erhielt Cembalounterricht bei Delia Manzano am Konservatorium von León. Ihren Bachelor absolvierte sie bei Silvia Márquez an der Musikhochschule von Aragón (Abschluss mit „Summa cum Laude“), ihren Master bei Prof. Carsten Lohff an der Hochschule für Künste Bremen, wo sie ein Orgelstudium bei Dr. Roland Dopfer anschloss. Bei ihm absolvierte sie auch ihren Orgelmaster an der „Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover“, wo sie zusätzlich Hammerklavierunterricht bei Prof. Zvi Meniker erhielt.

​Sie wurde mit mehreren Preisen und Sondernennungen ausgezeichnet, unter anderem mit dem zweiten Preis beim Nationalen Orgelwettbewerb „Francisco Salinas“ (Burgos, Spanien, 2019), dem zweiten Preis beim Internationalen Wettbewerb für Alte Musik „Maurizio Pratola“ (mit dem „Cancrizans Duo“, l’Aquila, Italien, 2017) und dem zweiten Preis beim „Torneo Internazionale di Musica“ (Turin, 2016).

​Sie musizierte unter der Leitung renommierter Musiker wie Lars Ulrik Mortensen, Alfredo Bernardini, Konrad Junghänel und Manfred Cordes, ferner mit Orchestern wie „L ‚Arte dei Suonatori“ (2019) und dem Barockorchester „Simón Bolívar“ aus Venezuela (2015).

​Mit “Weser Renaissance” (2021), dem „Kammerensemble Konsonanz“ (2018 mit dem internationalen Trompetisten Fabio Brum; 2017 mit Solisten des Simón Bolívar Orchesters von Venezuela), mit demselben Ensemble und renommierten Solisten des Simón Bolívar Orchesters von Venezuela und mit dem Bremer Barock Consort (2018, unter der Leitung von Manfred Cordes) spielte sie Tonträger ein (www.sarajohnsonhuidobro.com).

I. Bach in de Light

Triosonate in G-Dur (BWV 1039)
Largo – Vivace

Sonata in G-Dur (BWV 1019)
Adagio

Schmücke dich, o liebe Seele (BWV 654)

Ouvertüre nach französischer Art (BWV 831)
Echo

Fuge nach einem Thema von Corelli (BWV 579)

Concerto in D-Dur (nach BWV 1032)
Vivace – Largo e dolce – Allegro

– Pause –

II. Bach in the Dark

*** ^Intro ***

Triosonate in G-Dur (BWV 1039)
Adagio e piano – Presto

*** ^{Überraschung} ***

Contrapunctus (aus Kunst der Fuge, BWV 1080)
Largo – Vivace

Pasticcio-Suite mit Sätzen aus Solowerken

*** ^{Überraschung} ***

Canon (aus Musikalisches Opfer, BWV 1079)
Largo – Vivace

Hatte Johann Sebastian Bach einmal besonders großen Bedarf an Musik, komponierte er nicht nur neue Werke, sondern griff auch auf schon vorhandenes Repertoire zurück, das er kunstvoll für neue Besetzungen umarbeitete. Die Musik wurde häufig also anlassgebunden, ausgehend von Instrumentarium und Musikern in Form gesetzt.

In diesem Konzert setzt sich Marsyas Baroque mit einer persönlichen Kombination aus originalen und transkribierten Werken des Thomaskantors auseinander. Populäres sowie unbekannteres Repertoire erscheint hier in neuem Licht und lädt durch eine große Bandbreite an Klangfarben zu einem besonderen Hörerlebnis ein.

Die erste Hälfte Bach in deLight findet im üblichen Konzertformat statt. Als Kontrapunkt dazu wird das Publikum in der zweiten Hälfte Bach in the Dark zu einem ganz neuen Hörerlebnis eingeladen: Bach in völliger Dunkelheit – erreicht durch größtmögliche Raumverdunklung – verändert die Wahrnehmung jedes Einzelnen. Ohne visuelle Ablenkung geht die Musik in der Dunkelheit auf Wanderschaft. Bachs komplexe Fugen, beschwingte Tänze, klagende Melodien und virtuosen Sonatensätze können so in ganz anderer Dimension und Präsenz gehört und erlebt werden.

„Eine lebenslange Reise“

Eine musikalische Reise in unbekannte Welten! Mit einem besonderen Symphonie-Konzert des Kölner Kammerorchesters „Altera pars“ erklingen wiederentdeckte Werke europäischer Komponisten aus ukrainischen Archiven.

Die Musiker des Ensembles für Alte Musik „Altera Pars“ (zu Deutsch: Andere Seite) kommen aus Deutschland, Holland, Spanien, USA, Japan, Österreich, Russland und Ungarn und sind nicht nur führende Solisten europäischer Orchester auf historischen Instrumenten, sondern auch musikwissenschaftlich tätig. Das Credo des Ensembles ist die Erforschung und Aufführung verlorener oder vergessener Werke von Komponisten des 18. – 19. Jahrhunderts.

Entsprechend findet viel Vorarbeit in Archiven und Manuskriptstudium statt. In den vier Jahren seit seiner Gründung hat das Ensemble bereits 2 CDs mit Ersteinspielungen produziert, eine viel gelobte Konzertreihe im Oldenburger Schloss initiiert und zahlreiche Konzerte u.a. beim renommierten Festival in Estland, Österreich, den Niederlanden und Deutschland gegeben. Seit 2020 ist der Hauptsitz des Ensembles in Köln.

Sebastian George (ca.1740 – 1796)
Sinfonie in F-Dur für 2 fl, 2 cor, str (Moskau, ca. 1775)

 

Sebastian George
Sinfonia concertante in D-Dur für 2 Violino principali, 2 Fl oblig, Violoncello, Alto Obligati und Orchester (Moskau, ca 1775)

Quartett  für Flöte, Violine, Violoncello und Bass in B-Dur (Moskau, ca 1770)

Streichquartett in d-moll (Moskau, ca 1770)

Arnošt Vančura (1750 – 1802)
„Ukrainische“ Sinfonie in C-Dur, op 1 Nr. 1
Rekonstruktion von der erste Version 1784. (Moscau-St.Petersburg)

Der in Mainz geborene Sebastian George (ca.1740 – 1796) übersiedelte ca. 1766 nach Moskau. In den frühen 1770er Jahren verbanden ihn seine Aufgaben als Kapellmeister mit der Moskauer Universität und den Privatkapellen der Sheremetevs und Razumovskys. Er betätigte sich auch als Kaufmann und leitete 1776-79 in St. Petersburg ein Musikgeschäft, das Noten, verschiedene Musikinstrumente und … Wein verkaufte! 1783 verließ die Familie Georges Russland; der genaue Weg ihrer Reise ist nicht bekannt, aber 1790 war die Tochter des Komponisten in Karlsruhe und hat dort Glasharmonika-Spiel bei Kapellmeister Schmittbaur gelernt.

Für die Wiederentdeckung der Musik von George war es ganz wesentlich, dass Larisa Ivchenko, die Leiterin der Musikabteilung der Wernadskyi-Nationalbibliotek der Ukraine in Kiew,  im Rahmen ihrer wissenschaftlichen Arbeiten einen Katalog der Sammlung des Grafen Razumovsky veröffentlichte. Dieser Katalog listet zwar insgesamt zehn George-Sinfonien für verschiedene Orchesterbesetzungen auf. Doch nur noch zwei davon wurden im Bibliotheksbestand in Form von handschriftlichen Orchesterstimmen gefunden. Beide Sinfonien sprechen von der Meisterschaft des Komponisten in der klassischen Orchestrierung, einem brillanten Verständnis dafür, wie und warum man Orchestermusik komponiert.

Außerdem konnten die Manuskripte einer Konzertsinfonie für 6 Soloinstrumente und Orchester sowie ein Streichquartett, ein Quartett (Fl, Vl, Vc, Bass) und ein Quintett (2 Fl, 2 Vl, Bass) gerettet werden.

Das Programm des Konzerts umfasst gleich 4 Werke des Komponisten. Voller Anmut und Schwung steht die Orchestersinfonie in F-Dur stilistisch nah an Haydns Sinfonien, folgt jedoch der dreiteiligen italienischen Zyklusstruktur ohne Menuett. Ein Merkmal der Orchestrierung sind die kontrastierenden Soli zweier Flöten im Echo mit dem Tutti des Orchesters. Vermutlich wurde die Symphonie für die Feierlichkeiten der Moskauer Universität geschrieben und konnte von deren Studenten aufgeführt werden, zumal der Unterricht der Traversflöte bei den Studenten besonders beliebt war. Teilweise gilt dies auch für die Konzertsinfonie in D-Dur für sechs Solisten: zwei Flöten, zwei Violinen, Bratsche und Cello, begleitet von Streichern und zwei Hörnern ad libitum. Ihre Form ist etwas untypisch – die Sätze werden ohne Unterbrechung aufgeführt und gehen ineinander über.

Das umfangreiche Kammermusikerbe von George wird im Konzert durch zwei Quartette repräsentiert. Das Streichquartett ist in dramatischem d-moll geschrieben und steht stilistisch dem Sturm und Drang nahe; sein langsamer Teil erinnert an C.P.E. Bachs Streichersinfonien und nimmt teilweise Schuberts Stil vorweg. Das zweite Quartett wurde für eine originelle Instrumentenbesetzung geschrieben – Flöte, Violine, obligates Solocello und Bass. Dieses Werk entstand wahrscheinlich im Auftrag eines Moskauer Cellisten, dem aus Wien stammenden Michail Ekkel. Die Freiheit der Melodielinien der Soloinstrumente kann nur Bewunderung hervorrufen.

Der zweite Komponist unseres Konzerts, der böhmische Baron Arnošt Vančura bzw. Ernst Wanzhura (ca.1750 – 1802), war mit George persönlich bekannt, sein Schicksal als Komponist war jedoch ein anderes. Wanzura interessierte sich schon in jungen Jahren für Musik und hat wahrscheinlich autodidaktisch Klavierspiel gelernt. Er lernte an einem tschechischen Kollegium, wo Musik schon immer als angesehenes und notwendiges Fach galt. Nachdem Wanzhura zum Korporal der österreichischen Armee aufgestiegen war, beschloss er sich zurückzuziehen und sich dem Musiktheater zu widmen. 1779 kam er dank der Protektion von Graf Semyon Zorich, eines Günstlings Katharinas II., nach Russland und wurde Direktor dessen Privattheaters in Schklov. Dort wurde selbst die Kaiserin 1780 auf Wanzhura aufmerksam und der Musiker machte eine schwindelerregende Karriere am Hof ​​und wurde Unterdirektor der Direktion des kaiserlichen Theaters. Jacob von Staehlin bezeichnete ihn 1782 als einen Mann mit „außergewöhnlichen Talenten in Musik und Theater“. Wanzhura komponierte viel: u.a. erhielt er 1787 den Auftrag für die fabelhafte Oper „Akhrideich“ nach dem Libretto von Katharina selbst.

Er interessierte sich aber auch für Instrumentalmusik. So schrieb er mindestens 6 Sinfonien. Drei davon wurden 1798 als „Nationalsinfonien“ mit russischen, ukrainischen und polnischen Liedern veröffentlicht. Später überarbeitete, aktualisierte und orchestrierte Wanzhura seine Sinfonien wiederholt. Es ist uns gelungen, eine frühe Version der ukrainischen Sinfonie zu finden und ihre ursprüngliche Orchestrierung zu rekonstruieren. Eine frühe Version im Klavierauszug wurde von Wanzhura selbst im sogenannten „Journal de Clavecin“ (einer vom Komponisten selbst herausgegebenen Monatszeitschrift, die ebenfalls in der Nationalbibliothek der Ukraine aufbewahrt wird) veröffentlicht. Die ursprüngliche Orchestrierung des ersten Satzes wurde bekannt durch die Ouvertüre zur berühmten russischen komischen Oper „Heiratsvermittler“; der zweite und dritte Teil wurde nach der Fassung von 1798 und dem Klavierauszug des Autors rekonstruiert. In der Sinfonie verwendet und bearbeitet Wanzhura originale Volkslieder. Seine Liebe zu diesen ist in seinem kompletten Oeuvre erkennbar.

Wanzhura war einer der exzentrischsten Musiker der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Sein Werdegang – vom Offizier im österreichischen Bundesheer bis in den engeren Kreis von Kaiserin Katharina II. Der ursprünglich böhmische Wanzhura war musikalisch begabt und zeigte sich als nicht trivialer Komponist. Zu unserem großen Bedauern verschwanden viele seiner Kompositionen spurlos, und diejenigen, die überlebten, erforderten besonders sorgfältige Arbeit, um die Originalpartituren wiederherzustellen. Als bemerkenswert in seiner Musik gilt die breite Verwendung von Original-Volksliedern. Sie begegnen sich im Zyklus der Nationalsymphonien. Wanzhura gelang es Ende des 18. Jahrhunderts russische, ukrainische und polnische Volksliedelemente im Rahmen dreier klassischer Symphonien organisch zu verbinden.

Seine „Ukrainische Symphonie“ wurde 1790 von Wanzhura auch in Form eines Klavierauszugs veröffentlicht, aber er kündigte ihre Veröffentlichung bereits 1785 an. Das Orchestermaterial der frühen Fassung ist nicht erhalten, aber der erste Teil der Sinfonie ist in der ursprünglichen Bearbeitung und mit der Originalmusik in Form der Ouvertüre zu Oper „Der Müller – der Zauberer, der Betrüger und der Heiratsvermittler“ überliefert. Dadurch wurde die Restaurierung des ersten Teils vereinfacht und die Rekonstruktion des zweiten und dritten Teils wurde auf der Grundlage aller vorhandenen Quellen durchgeführt. Die Symphonie basiert stark auf ukrainischer Volksmusik so, dass sie als ein Meilenstein in der Geschichte der ukrainischen Klassischen Musik gilt.

1983 wurde das gesamte Werk der „Nationalen Symphonien“ in Kiew veröffentlicht und 1985 vom Dirigenten Nikonenko auf einer Schallplatte aufgenommen. Die Nationalen Symphonien wurden jedoch nie auf historischen Instrumenten gespielt. Mit Ausnahme der „Pratum Integrum“-Aufnahme einer frühen Version der Russischen Symphonie. Für unser Projekt haben wir die Partitur der „Polnischen Symphonie“ und „Ukrainischen Symphonie“ neu erstellt, so wie sie den modernen Anforderungen an die Veröffentlichung von Originalmusiktexten entspricht, und versucht, alle Merkmale von Wanzhuras Notation und Orchestrierung sorgfältig zu bewahren.

Fünf Werke in diesem Programm – nur ein kleiner Ausschnitt all des Wertvollen, was in den letzten Jahren entdeckt wurde. Daher hoffen wir sehr, dass das Interesse am Erbe emigrierter Komponisten auch in Zukunft nicht nachlässt und wir neue Orchester- und Kammerkompositionen wiederbeleben können.

(Pavel Serbin)

Konstanze Jarczyk entlockt ihrer Harfe unglaubliche Emotionen. Mit so viel Hingabe haben viele die als Soloinstrument so oft unterschätzte Harfe ganz sicher noch nie gehört…“ So schrieben die „Badischen Neuesten Nachrichten“  aus Karlsruhe zum Auftakt ihrer Deutschlandtournee mit Heribert Beissel und seiner Klassischen Philharmonie Bonn.

Konstanze Jarczyk erhielt ihre Ausbildung an der Musikhochschule Köln bei Teresa Rieu, Han An Liu und bei Susan McDonald, USA. 15 Jahre lang war sie regelmäßiger Gast im WDR-Sinfonieorchester und spielte unter Dirigenten wie Semyon Bychkov, Günther Wand und Eliahu Inbal. Dort wirkte sie bei Funk- und Fernsehproduktionen sowie bei Konzerten, u.a. in der Carnegie Hall (New York), im Musikvereinssaal (Wien) und der Kölner Philharmonie mit.

Ihre Karriere kennzeichnen zahlreiche Solo-Auftritte, u.a. im Konzerthaus Berlin, in der Laeiszhalle Hamburg, in der Kölner Philharmonie und in großen deutschen und europäischen Kirchen, wie Sankt Michaelis in Hamburg, der Thomaskirche Leipzig, der Abteikirche von Amorbach, der Kathedrale von Barcelona, Saint Sauveur in Aix en Provence und im Kölner Dom. Mit der Klassischen Philharmonie Bonn absolvierte sie eine von der Presse gefeierte Solotournee auf den großen Bühnen Deutschlands, 2016 spielte sie ihr Solodebüt im Maison de l´asie du Sud-Est in Paris.

Auch die Kammermusik und die Zusammenarbeit mit Chören nehmen einen wichtigen Platz im Schaffen Konstanze Jarczyks ein. Dazu gehören Produktionen mit dem ZDF, MDR, BR, WDR und dem Deutschlandfunk. Viele Jahre spielte sie im Duo mit dem Pianisten, Cembalisten und Organisten Stefan Horz, u.a. in der Münchner Residenz, beim Beethovenfest 2015 (Livemitschnitt des WDR), im Altenberger Dom und zum wiederholten Male das Neujahrskonzert der Stadt Leverkusen.

Sie ist Mitglied des Ensembles BOIS DE COLOGNE, das sich auf Alte Musik spezialisiert hat.

 

Heike Gorny, geboren in Leverkusen, erhielt im Alter von sieben Jahren ihren ersten Querflötenunterricht. Einige Zeit später übernahm Prof. Hans-Jürgen Möhring die flötistische Ausbildung. Von 1988 bis 1992 war sie Mitglied des Jugendsinfonieorchesters NRW. Das Studium bei Prof. Wolfgang Siggemann und Carin Levine an der Musikhochschule Detmold, Abt. Dortmund (Flöte und Instrumentalpädagogik) schloss sich an.
1996 Diplom Künstlerische Reifeprüfung 1998 Diplom Staatliche Prüfung für Musikschullehrer und selbständige Musiklehrer Es folgten weiterführende Studien bei Prof. Michael Achilles, Prof. Peter-Lukas Graf und Prof. Konrad Hünteler. Im Jahr 2000 legte Heike Gorny das Konzertexamen an der Robert – Schumann – Musikhochschule in Düsseldorf ab.

Sie war Stipendiatin und Preisträgerin verschiedener Wettbewerbe. 1985 begann sie ihre solistische Tätigkeit mit Prof. Werner Kämmerling. Seitdem konzertiert Heike Gorny in unterschiedlichsten Besetzungen und bestreitet zahlreiche Duo- und Kammermusikabende u.a. mit Prof. Michael Schmoll, Prof. Paul Wißkirchen, Prof. Albert Richenhagen, Prof. Martin Schumann.

Konzertreisen im In-und Ausland führten Heike Gorny in die USA, Schweiz, Italien, Österreich, CSR, Irland, Türkei, Brasilien, Polen und Portugal.
Heike Gorny ist seit 1991 Dozentin für Querflöte an der Städtischen Musikschule Wipperfürth.

,,REIGEN SELIGER GEISTER“

Michael Amorosi
Zwei mittelalterliche Tänze
Molto Adagio
Allegro deciso

Anonymus
Lauda por Santa Maddalena & Alfonso Xll el Sabio
(für Harfe solo)

Anonymus
Greensleeves to a Ground
(um 1600)

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787)
Szene aus der Oper,,Orpheus‘,
Reigen seliger Geister

Émile Pessard (1843 – 1917)
Andalouse op. 20

Marin Marais (1656 – 1728)
Les Folies d’Espagne
für Flöte solo

Gaetano Donizetti (1797 – 1848)
Sonate für Flöte und Harfe
Larghetto – Allegro

– Pause –

Georges Bizet (1838 – 1875)
Entr’acte
(aus dem Vorspiel Dritter Akt ,,Carmen“)

Frédérick Chopin (1810 – 1849)
Variationen über ein Thema von Rossini

Barry McKimm (*1941)
,,Air“ aus dem Piccolo Concerto für FIöte und Harfe

Michio Miyagi (1894 – 1956)
Haru No Umi (The sea in spring)

Alphonse Hasselmans (1845 – 1912)
La Source op. 44 (Die Quelle) für Harfe solo

Camille Saint-Saens (1835 – 1921)
Fantasie op. 124

Jacques lbert (1890 – 1962)
Entr’acte

Mozarts Opern waren schon im 18. Jahrhundert nicht nur dem Adel vorbehalten, auch das Volk sang und pfiff Melodien seiner Werke auf den Straßen. Im 19. Jahrhundert kamen dann Bearbeitungen in Mode, die dem gebildeten Bürgertum ermöglichten, Ouvertüren auf dem Klavier zu vier Händen oder Symphonien mit kleinster Besetzung im häuslichen Kreis zu spielen.

Mozart hat die Klarinette sehr geschätzt und neben seinem Klarinettenkonzert und dem Klarinettenquintett 8 Serenaden für drei Bassetthörner komponiert (eine Klarinettenart, die in der historischen Aufführungspraxis oft zum Einsatz kommt). So liegt es nahe, Teile aus Mozarts Werken für diese Besetzung zu bearbeiten und aufzuführen.

Die ungarischen Tänze von Brahms sind ursprünglich für Klavier zu vier Händen geschrieben worden. Auch sie wurden in vielfältiger Weise bearbeitet – unter anderem für großes Orchester, für Violine und Klavier, für Klaviertrio und hier für zwei Klarinetten und Bassklarinette.

Die Uraufführung der „Rhapsody in Blue“ war am 12. Februar 1924 in New York. Angekündigt wurde das Konzert unter dem Titel An Experiment in Modern Music und Gershwin selbst spielte den Klavierpart. Dieses Werk verbindet erfolgreich Jazz, Blues und konzertante Symphonik. Seine Melodien sind mittlerweile weltberühmt.

Moon River ist ein 1961 von Johnny Mercer getextetes und von Henry Mancini komponiertes Lied für den Film „Frühstück bei Tiffany“, in dem es von Audrey Hepburn gesungen wird. Sie erhielten hierfür 1962 den Oscar für den besten Filmsong.

Dave Brubeck und sein Quartett hatten eine Vorliebe für ungerade Taktarten entwickelt, und Take Five mit seinem 5⁄4- oder Blue Rondo ala Turk mit einem 9⁄8-Takt sind Beispiele dafür. Neben dem Rhythmus lebt das Stück von der eingängigen Melodie des Saxophonisten Paul Desmond.

Libertango zeigt Piazzollas Entwicklung von der klassischen Tangomusik zum Tango Nuevo. Auch dieses Werk wurde vielfältig instrumentiert. Um nur einige zu nennen: der Cellist YoYo Ma veröffentlichte es in seinem Album „Soul of the Tango“. Im Jahr 2002 erschien Libertango als klassisches Crossover des australisch/britischen Streichquartetts BOND auf dessen zweitem Album „Shine“. 2017 nahm es die japanische Jazzpianistin Hiromi zusammen mit dem kolumbianischen Harfenisten Edma Castaneda in Montreal auf.

Die Klarinette war das Lieblingsinstrument von Wolfgang Amadeus Mozart. Der Meister schwärmte von ihrer wunderbar wandlungsfähigen Stimme. Überraschend vielseitig zeigt sich die Klarinette denn auch im Konzert des Klarinettentrios. Die breite Palette an Ausdrucksmöglichkeiten reicht von der Klassik über Jazz bis zu Klezmer-Musik.

Das Klarinettentrio Schmuck – mit Sayaka Schmuck, Johann-Peter Taferner sowie Kristóf Dömötör – findet in dieser außergewöhnlichen Kombination Klarinette/Bassetthorn/Bass-Klarinette besondere Beliebtheit.  Die Presse schreibt über das Trio von einem „absoluten Hochkaräter“ – das „Trio gehört zum Feinsten, was es auf diesem Gebiet gibt“. Nicht zuletzt durch Prätorius-Preisträgerin Sabine Meyer und ihrem Trio di Clarone ist diese Besetzung bekannt geworden, aber dennoch selten vorzufinden. Aufgrund der virtuosen Beherrschung ihrer Instrumente, verbunden mit inniger Liebe zur Kammermusik, verzaubern die drei preisgekrönten Musiker immer wieder ihr Publikum. Sprudelnde Spielfreude, magischer Dialog und homogenes Zusammenspiel treffen bei diesen Musikern aufeinander.

Das Programm des Trios reicht von Klassik über Jazz bis zur Moderne. Es ist mit rund 40 Konzerten im Jahr deutschlandweit präsent und die musikalischen Darbietungen werden durch eine informative und humorvolle Moderation ergänzt.

 

Sayaka Schmuck, geb. in Bad Waldsee, studierte an den Musikhochschulen Weimar bei Prof. Martin Spangenberg, Hannover bei Prof. Johannes Peitz und „Hanns Eisler“ Berlin bei Prof. Wenzel Fuchs. Sie ist Preisträgerin verschiedenster Wettbewerbe; u.a. gewann sie den „Concursul International de Muzica Jeunesses Musicales“ in Bukarest, erhielt im selben Jahr einen Preis bei den Internationalen Stockhausen-Meisterkursen und im Jahr 2000 den „Hans-Sikorski-Gedächtnispreis“ der „Deutschen Stiftung Musikleben“ für die Interpretation zeitgenössischer Musik. Nach Engagements im Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Cairo Symphony Orchestra, Staatsoper Hannover, Komische Oper Berlin, Sinfonieorchester Wuppertal war sie bis u.a. Solo-Es-Klarinettistin im Gewandhausorchester Leipzig und im NDR Hannover und spielt außerdem Aushilfe in renommierten Orchestern, wie Münchner Philharmoniker, Bayerische Staatsoper München, Gürzenich Orchester Köln, Bamberger Symphoniker, SWR Freiburg Baden-Baden u.v.m. Sie widmet sich in ihrer Freizeit dem Sport, der Natur und der Reiselust bei Radtouren und Wandern. www.sayakaschmuck.com.

Johann-Peter Taferner wurde in Hamburg geboren und musikalisch initial von seiner Mutter, einer Sängerin, geprägt. Sein Musikstudium absolvierte JPT bei Prof. Ralph Manno in Köln. Weitere klarinettistische Impulse erhielt er bei den Professoren Martin Spangenberg, Hans-Dietrich Klaus und Johannes Peitz. Das Studium der Kammermusik vertiefte er bei Renate Greiss-Armin, Georg Klütsch, Christian Wetzel, Robert Winn, Eberhard Feltz, Anthony Spiri und Roglit Ishay. JPT ist Vorstand und Solo-Klarinettist der Hamburger Camerata, Mitglied des Ensemble Obligat und Leiter des Bad Neuenahrer QuAHRtetts — ein auf Salonmusik spezialisiertes Ensemble mit eigener Konzertreihe am namensgebenden Ort. Verschiedenste Projekte als Solist und Kammermusiker führten ihn darüber hinaus mit namhaften Künstler*innen wie Martina Gedeck, Matthias Brandt, Hanns Zischler, Simone Young, Martin Stadtfeld, Joanna Kamenarska, Gustav Frielinghaus, Marianna Shirinyan, Kiveli Dörken, Harri Mäki und Helge Slaatto zusammen. Er wirkte als Solo-Klarinettist im Kölner Kammerorchester, dem Gürzenich Orchester sowie den Orchestern der Bühnen von Essen, Wuppertal, Solingen, Remscheid, Recklinghausen und Gelsenkirchen mit und arbeitete unter Dirigenten wie Lothar Zagrosek, Kristjan Järvi, Michael Sanderling, Stefan Soltesz, Simon Gaudenz, Helmut Müller-Brühl und Ralf Gothóni. Er folgte Einladungen in die USA, den Nahen Osten und quer durch Europa. In Deutschland war er unter anderem beim Rheingau Musik Festival, dem Hohenloher Musiksommer, den Ludwigsluster Schlosskonzerten und dem IMF Buxtehude zu hören. Regelmäßig konzertiert er in der Hamburger Elbphilharmonie.

Kristóf Dömötör studierte Klarinette an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln (Klasse Prof. Ralph Manno). Währenddessen widmete er sich ebendort der Saxofon-Kammermusik und nahm Unterricht bei Prof. Daniel Gauthier. Darauf folgte ein Jazz-Saxofon-Studium an der Folkwang Universität der Künste in Essen (Prof. Hugo Read und Prof. Matthias Nadolny). Als passionierter Lehrer an verschiedenen Musikschulen führte es ihn auch für einige Semester als Dozent an die Hochschule Arnheim. Bevor er 2020 Tenorsaxofonist im Musikkorps der Bundeswehr in Siegburg wurde, hatte er dieselbe Position in der Bigband der Polizei des Saarlandes inne. Er ist ein gern gesehener Solist/Gast in verschiedenen Orchestern. Mitwirkung u.a.: WDR-Funkhausorchester, Orchester der Bühnen von Recklinghausen/Gelsenkirchen, Wuppertal, Bochum, Dortmund, Essen, Hagen, Mönchengladbach, Münster, Osnabrück, Solingen/Remscheid, Bonn und Kassel sowie Palast Orchester (Max Raabe) und Kasalla. Seine größte Leidenschaft ist aber die Kammermusik. Dazu gehören folgende Ensembles: Sirocco Saxofon Quartett, Bad Neuenahrer QuAHRtett und das Klarinettentrio Schmuck. Neben verschieden Stipendien ist er einer der wenigen, die sowohl in der Klassik wie auch im Jazz Wettbewerbe gewinnen konnten.

„Von Klassik bis Jazz“

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
aus “Die Zauberflöte“ für 2 Klarinetten und Bassetthorn
Ouverture
Dies Bildnis ist bezaubernd schön
Das klinget so herrlich
Der Hölle Rache

Johannes Brahms (1833-1897)
Ungarische Tänze 1 & 5 für 2 Klarinetten und Bass-Klarinette

A. Mozart (1756-1791)
aus „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“ für 2 Klarinetten und Bassetthorn
Voi che sapete (Sagt, holde Frauen)
Là ci darem la mano (Reich mir die Hand mein Leben)

– Pause –

George Gershwin (1898-1937)
Rhapsody in Blue

Henry Mancini (1924-1994)
Moon River

Paul Desmond (1924-1977)
Take Five

Astor Piazzolla (1921-1992)
Libertango für 2 Klarinetten und Bass-Klarinette

Mozarts Opern waren schon im 18. Jahrhundert nicht nur dem Adel vorbehalten, auch das Volk sang und pfiff Melodien seiner Werke auf den Straßen. Im 19. Jahrhundert kamen dann Bearbeitungen in Mode, die dem gebildeten Bürgertum ermöglichten, Ouvertüren auf dem Klavier zu vier Händen oder Symphonien mit kleinster Besetzung im häuslichen Kreis zu spielen.

Mozart hat die Klarinette sehr geschätzt und neben seinem Klarinettenkonzert und dem Klarinettenquintett 8 Serenaden für drei Bassetthörner komponiert (eine Klarinettenart, die in der historischen Aufführungspraxis oft zum Einsatz kommt). So liegt es nahe, Teile aus Mozarts Werken für diese Besetzung zu bearbeiten und aufzuführen.

Die ungarischen Tänze von Brahms sind ursprünglich für Klavier zu vier Händen geschrieben worden. Auch sie wurden in vielfältiger Weise bearbeitet – unter anderem für großes Orchester, für Violine und Klavier, für Klaviertrio und hier für zwei Klarinetten und Bassklarinette.

Die Uraufführung der „Rhapsody in Blue“ war am 12. Februar 1924 in New York. Angekündigt wurde das Konzert unter dem Titel An Experiment in Modern Music und Gershwin selbst spielte den Klavierpart. Dieses Werk verbindet erfolgreich Jazz, Blues und konzertante Symphonik. Seine Melodien sind mittlerweile weltberühmt.

Moon River ist ein 1961 von Johnny Mercer getextetes und von Henry Mancini komponiertes Lied für den Film „Frühstück bei Tiffany“, in dem es von Audrey Hepburn gesungen wird. Sie erhielten hierfür 1962 den Oscar für den besten Filmsong.

Dave Brubeck und sein Quartett hatten eine Vorliebe für ungerade Taktarten entwickelt, und Take Five mit seinem 5⁄4- oder Blue Rondo ala Turk mit einem 9⁄8-Takt sind Beispiele dafür. Neben dem Rhythmus lebt das Stück von der eingängigen Melodie des Saxophonisten Paul Desmond.

Libertango zeigt Piazzollas Entwicklung von der klassischen Tangomusik zum Tango Nuevo. Auch dieses Werk wurde vielfältig instrumentiert. Um nur einige zu nennen: der Cellist YoYo Ma veröffentlichte es in seinem Album „Soul of the Tango“. Im Jahr 2002 erschien Libertango als klassisches Crossover des australisch/britischen Streichquartetts BOND auf dessen zweitem Album „Shine“. 2017 nahm es die japanische Jazzpianistin Hiromi zusammen mit dem kolumbianischen Harfenisten Edma Castaneda in Montreal auf.

Für das Schlosskonzert in Jülich wurde das international renommierte Guadagnini Trio

Alina Armonas-Tambrea, Violine
Edvardas Armonas, Violoncello
Ana Mirabela Dina, Klavier

erweitert um die Jülicher Künstler Susanne Trinkaus und Hans Otto Horch

Susanne Trinkaus, Viola
Hans Otto Horch, 2. Violine

 

Das Guadagnini Trio, dessen Grundstein 2003 gelegt wurde, gehört seit vielen Jahren zur Klaviertrio-Elite und ist aufgrund seiner ausgereiften Interpretationen und funkensprühenden Energie gern gesehener Gast auf renommierten Podien und im Rahmen namhafter Musikfestivals wie dem Beethoven-Haus Bonn und der Alten Oper Frankfurt, dem Rheingau Musik Festival, den BASF-Konzerten Ludwigshafen und dem Heidelberger Frühling.

Drei erstklassige, starke Künstlerpersönlichkeiten treffen im Guadagnini Trio aufeinander und lassen mit ihrer „nahezu akrobatischen Virtuosität, ihrem brillanten Instrumenten-Dreiklang und ihrer tief empfundenen Empathie“ jedes Konzert zu einem außergewöhnlichen Klangerlebnis werden.

In seiner Namensgebung beruft sich das Trio auf die von Alina Armonas-Tambrea gespielte Violine, die der italienischen Geigenbauerfamilie Guadagnini entstammt.

Nach Studien beim Alban Berg Quartett und bei Harald Schoneweg an der Musikhochschule Köln sowie am Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris folgte der Sieg des ersten Preises im internationalen Kammermusikwettbewerb ‚Helexpo’ in Thessaloniki. Der ihm kurze Zeit später verliehene Preis der Johannes-Brahms-Gesellschaft Pörtschach dokumentiert den raschen Aufstieg des jungen Klaviertrios. Seine zahlreichen Aktivitäten setzt das Ensemble als „Trio in Residence“ der Kammerkonzerte Darmstadt fort.

Die ständige Suche des Trios nach dem Wesentlichen darf man zweifellos als eigenständig bezeichnen. Mit direktem und unvoreingenommenem Blick tritt das Guadagnini Trio der Musik entgegen, „voller Mut und Respekt, mit aufmerksamer Distanz und behutsamer Nähe, mit Verständnis für die schöpferischen Ideen eines anderen und der Bereitschaft, mit eigenem Können eine neue Deutung hinzuzufügen.“ (Ulrich Pfaffenberger, SZ) Zudem zeichnet das Guadagnini Trio eine nicht nachlassende Neugier auf musikalische Entdeckungen aus: Sein traditionelles Repertoire bereichert das Ensemble durch die konsequente Auseinandersetzung mit unbekannten oder selten aufgeführten Werken. Diese facettenreiche Kombination wurde von Beginn an von Publikum und Veranstaltern mit Begeisterung aufgenommen – und auch die Presse findet immer wieder äußerst akklamierende Worte für diesen leidenschaftlichen Einsatz.
Ebendies Bestreben spiegeln auch ihre zwei CDs wider, die bei GENUIN Classics unter dem ehemaligen Namen „Trio Enescu“ veröffentlicht wurden. Sie beinhalten die Gesamteinspielung der Klaviertrioliteratur des rumänischen Komponisten George Enescu und erhielten weltweit große Aufmerksamkeit und lobreiche Kritiken, wurden zudem von verschiedensten Radiosendern wie dem SR 2 Kulturradio, dem WDR 3, dem ORF Radio Ö1 ausgestrahlt, in hr2-Kultur als CD-Tipp sowie beim Live-Auftritt des Trios in der Sendung WDR 3 Tonart vorgestellt.
Mit gerade einmal vier Jahren begann für Alina Armonas-Tambrea ihr künstlerischer Lebensweg innerhalb ihrer Musikerfamilie. Bereits im Alter von 15 Jahren wurde sie in die Meisterklasse von Prof. Rosa Fain an der Robert Schumann Hochschule in Düsseldorf aufgenommen. 1998 setzte sie ihr Studium bei Prof. Viktor Tretyakov an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln fort und schloss es 2003 mit Bestnote ab.

Meisterkurse bei den Professoren Thomas Brandis, Igor Ozim und Stefan Gheorghiu vertieften ihre Studien. Während dieser Zeit war sie Stipendiatin zahlreicher Stiftungen: der Kunststiftung NRW, der Vössing-Stiftung, der Schuller-Stiftung und der Dörken-Stiftung. Schon in frühen Jahren wurden Alina Armonas-Tambrea Preise zugesprochen, u.a. beim internationalen Violinwettbewerb „Jeunesses Musicales“ in Belgrad und bei „Jugend Musiziert“ auf Bundesebene.
Auftritte als Solistin des Warschauer Symphonie Orchesters, der Deutschen Kammerakademie, der Südwestfälischen Philharmonie und zahlreicher anderer Orchester führten sie in viele Länder Europas.

Im Mai 2014 wurde Alina Armonas zum Jury-Mitglied des „Prinzessin Margaret von Hessen“ – Wettbewerbs an der Akademie für Tonkunst in Darmstadt berufen. Von 2007 bis 2010 war Alina Armonas in der Position des stellvertretenden Konzertmeisters am Staatstheater Darmstadt tätig und unterrichtet seit 2010 als Dozentin für Violine und Kammermusik an der Akademie für Tonkunst in Darmstadt.

 

Der in eine Musikerfamilie hinein geborene Cellist Edvardas Armonas wuchs in Vilnius, Litauen auf, wo er auch sein Musikstudium bei Prof. Rimantas Armonas begann. 1998 wechselte er an die Musikhochschule Köln zu Prof. Frans Helmerson, schloss sein Studium mit Bestnote und Auszeichnung ab. Er vertiefte seine Kenntnisse bei Prof. Philipp Muller am Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris und in den darauf folgenden Jahren mit seinem Klaviertrio beim Alban Berg Quartett. Meisterkursen bei Mstislav Rostropowitsch, Daniil Shafran, Arto Noras, David Geringas, Tsuioshi Tsutsumi und Yo-Yo Ma verdankt er weitere künstlerische Impulse.

Edvardas Armonas konzertierte bereits auf vielen internationalen Podien in Europa, Asien und den USA. Als Solist trat er bei der Eröffnung des „Schleswig-Holstein Musik Festivals“ gemeinsam mit der Violinistin Baiba Skride unter der Leitung von Kristjan Järvi auf. Zudem war Edvardas Armonas als Solist und Kammermusiker bei zahlreichen Festivals und Konzertveranstaltern zu Gast, darunter beim Rheingau Musik Festival, Usedomer Musikfestival, der Frankfurter Museumsgesellschaft und dem Erftkreis Zyklus.

Im Jahr 1996 gewann er den „Landgraf von Hessen – Preis“ der Kronberg Academy und wurde daraufhin der erste Stipendiat der Rostropowitsch Cello Stiftung. 2011 wurde er zum Jury-Mitglied des „Prinzessin Margaret von Hessen“ – Wettbewerbs in Darmstadt berufen. Seit der Saison 2017 ist Edvardas Armonas Künstlerischer Leiter der Kammerkonzerte Darmstadt.

 

Die rumänische Pianistin Ana Mirabela Dina ist Preisträgerin mehrerer internationaler Wettbewerbe. Sie gewann bereits mit acht Jahren den 1. Preis beim »Concorso internazionale per i giovani pianisti« in Stresa (Italien). 1993 wurde sie von der Cambridge University zur »Women of the Year« gewählt, und 1995 gewann sie den 1. Preis des »Waki Piano Competition« in Japan. Ein weiterer Höhepunkt ihrer Karriere war 1998 ihr Doppel-Debüt in Berlin, wo sie mit dem Deutschen Symphonie-Orchester im Konzerthaus und in der Philharmonie konzertierte.
Aufsehen erregte sie im Herbst 1999, als sie mit dem 1. Preis des Internationalen Klavierwettbewerbs »Martha Argerich« ausgezeichnet wurde. Im Salle Pleyel in Paris spielte sie mit Martha Argerich, Gabriela Montero, Mauricio Vallina, Gidon Kremer und der Kremerata Baltica u. a. Bachs Konzert für vier Klaviere und Orchester

 

Susanne Trinkaus, Viola, erhielt ihre künstlerische Ausbildung u.a. in der Meisterklasse Max Rostals und des Amadeus Quartetts an der Musikhochschule Köln. Als Geigerin des „Robert Schumann Ensembles“ für Klavier-Kammermusik und des „Ensemble Carolina“ konzertierte sie u.a. in Spanien, Portugal, Lettland, Ukraine, USA und Australien und erarbeitete sich ein vielseitiges Repertoire in den entsprechenden Musikgattungen. Seit vielen Jahren ist sie, neben ihrer Dozententätigkeit an der Jülicher Musikschule, Konzertmeisterin und Solistin mehrerer Kammerorchesterformationen im Raum Düren-Köln. Seit 2005 ist sie künstlerische Leiterin der Jülicher Schlosskonzerte.

 

Hans Otto Horch, 2. Violine, war Mitglied des Symphonieorchester des Südwestfunks Baden Baden und des Aachener Kammerorchesters. Schon früh spezialisierte er sich auf Kammermusik. Mit dem Leonhardt-Quartett, das mehrfach an Meisterkursen mit dem führenden tschechischen Vlach-Quartett teilnahm, und mit seinem Tübinger Klaviertrio gewann er erste Preise beim Internationalen Kammermusikwettbewerb in Colmar. Viele Jahre leitete er das Aachener Kammermusikensemble, mit dem er erfolgreich auch als Solist konzertierte. Seit 2016 ist er künstlerischer Beirat im Verein Jülicher Schlosskonzerte.

„Klavierkammermusik der Romantik“
Johannes Brahms (1810 – 1856)
Klavierquartett g-moll

[hier finden Sie eine private Video-Aufzeichnung]

Intermezzo. Allegro ma non troppo – Trio Animato
Andante con moto
Rondo alla Zingarese. Presto

– Pause –

Antonin Dvořák (1814 – 1894)
Quintett für Klavier, 2 Violinen, Viola und Violoncello op. 81 in A-Dur

[hier finden Sie eine private Video-Aufzeichnung]

Allegro ma non tanto
Dumka. Andante con moto
Scherzo. Furiant. Molto vivace – poco tranquillo
Finale. Allegro

Den Mittschnitt des „Encore“ können Sie hier [ansehen].

Christian Sinding war ein norwegischer Komponist, dessen Werk noch ganz der romantischen Tradition verhaftet ist. So lebt auch die Romanze op. 100, die eigentlich für Violine und großes Orchester komponiert wurde, vom schwelgerischen Melodienreichtum.

Edvard Griegs Violinsonate G-Dur entstand auf seiner Hochzeitsreise. Deren folkloristische Elemente beschrieb der Griegforscher Øivind Norheim folgendermaßen: „Rhythmisch gebrauchte Grieg einen bekannten Volkstanz namens ´Springdans´ als Vorlage für den ersten wie für den letzten Satz. Dies ist einer der Gründe, warum die Sonate so norwegisch klingt wie kaum ein anderes seiner Kammermusikwerke.“ Aber auch wehmütige Melodien in Moll prägen das Werk. Die erste erklingt zu Beginn als langsame Einleitung, ein Lento doloroso in g-Moll, das ganz leise vom Klavier angestimmt wird. Auf diese zarte norwegische Ballade antwortet die Violine solo mit einem Ausbruch von Schmerz im Fortissimo, in Tönen, die auch auf der Hardangerfiedel gespielt sein könnten, der volkstümlichen Geige der Norweger. Das Klavier verharrt im leisen Schmerz des Anfangs, bis eine hohe, weiche Kantilene allmählich die Wendung nach Dur bringt. Daraus geht schließlich das fröhliche Hauptthema des Allegro vivace hervor, dem „Springtanz“, den die Griegforscher auch als „Grieg-Motiv“ bezeichnen. Der Satz gipfelt in einem jubelnden Presto. Das Allegretto tranquillo beginnt mit einer Volksmelodie im Dreiertakt. Der schlichte Duktus des Themas wird bald von einem majestätischen Fortissimo verdrängt. Wie die ersten beiden Sätze steht das Allegro animato im Dreiertakt, wieder scheinen die Rhythmen des ´Springdans´ auf. Gegen Ende wird das Tempo immer zügiger, bis ein rustikales Presto die Sonate laut und munter beendet.

Dimitri Schostakowitsch, einer der bedeutendsten russischen Komponisten, schrieb, gezwungen vom Stalinschen Regime, gelegentlich Hymnen auf die Sowjetmacht, blieb aber politisch immer auf Distanz, weshalb er vielen Repressionen ausgesetzt war und jahrelang in Todesangst lebte. Diese Spannungen beeinflussten auch seine symphonischen wie kammermusikalischen Werke. In den witzigen und skurrilen Preludes ist davon aber nichts zu spüren.

Sergei Prokofiew arrangierte sich – im Gegensatz zu Schostakowitsch, für den die Stalinzeit zum Trauma wurde – mit dem Regime, auch wenn er ebenfalls Anfeindungen ausgesetzt war. Die 2. Violinsonate in der strahlenden Tonart D-Dur ist einerseits klassisch-lyrisch, im Scherzo motorisch geprägt. Ursprünglich für Flöte und Klavier komponiert, wurde sie auf Bitten von David Oistrach für Violine arrangiert. Die Bevorzugung der dritten Oktav und die Geläufigkeit, die in der Urfassung von den Flötisten Erhebliches verlangt, kommt der singenden hohen Lage der Geige und ihren Bogenkunststücken natürlicherweise entgegen. Das fantastische Scherzo jagt in rasenden Sechzehnteln dahin, der dritte Satz, Andante, ist getragen von idyllischer Stimmung. Der vierte Satz, ein Allegro con brio in Rondoform, wird von rustikalen Tanzthemen, hübschen Arpeggi und virtuosen Terzpassagen bestimmt.

Lea und Esther Birringer sind seit Jahren ein künstlerisch ideal aufeinander eingeschworenes Team und bilden vereint einen „fast symbiotischen Klangkörper“ (NDR Kultur). Obwohl beide schon früh erfolgreich ihre eigenen Wege als Solistinnen gingen, entwickelten sie aufgrund ihrer geschwisterlichen Nähe eine ganz besondere Art des gemeinsamen Musizierens. Die dynamischen Schwestern überzeugen „mit technischem Können, profunder Musikalität und – vor allem – perfekter Harmonie“ (concerti). Sie „bersten vor Spielfreude, mehr noch: vor musikalischer Angriffslust“ (BR-Klassik).

2011 sorgten die beiden Musikerinnen erstmals im Duo international für Aufsehen, als sie unmittelbar nacheinander die internationalen Kammermusikwettbewerbe ‚Premio Vittorio Gui‘ und ‚Concorso Internazionale di Musica da Camera Città di Pinerolo‘ gewannen. Seitdem erhalten sie zahlreiche Einladungen zu Festivals und Kammermusikreihen, wo sie für ihr „passioniertes Engagement“ (Gramophone) geschätzt werden. Nach ihrer von Kritikern gelobten Debüteinspielung, die 2014 bei Avi-music mit Sonaten von Hindemith, Szymanowski und Respighi erschien, folgte 2018 ihr zweites Album ‚Lifelines‘ bei dem britischen Label Rubicon Classics mit Werken von Grieg, Liszt und Franck: „Dieses musikalische Abenteuer sollte sich kein Freund guter Kammermusik entgehen lassen“ (Pizzicato)

Christian Sinding (1856 – 1941)
Romanze für Violine & Klavier op. 100 D-Dur

Edvard Grieg (1857 – 1934)
Sonate für Violine & Klavier G-Dur op. 13
Lento doloroso – Allegro vivace
Allegretto tranquillo
Allegro animato

– Pause –

Dimitri Schostakowitsch (1906 – 1975)
4 Préludes op. 34

Sergei Prokofjew (1891 – 1953)
Sonate Nr. 2 op. 94
Moderato – Scherzo. Presto – Andante
Allegro con brio

Beim Publikum bedankte sich das sympathische Duo mit dem Salut d´Amour (Liebesgruß) op. 12 von Edward Elgar

Christian Sinding war ein norwegischer Komponist, dessen Werk noch ganz der romantischen Tradition verhaftet ist. So lebt auch die Romanze op. 100, die eigentlich für Violine und großes Orchester komponiert wurde, vom schwelgerischen Melodienreichtum.

Edvard Griegs Violinsonate G-Dur entstand auf seiner Hochzeitsreise. Deren folkloristische Elemente beschrieb der Griegforscher Øivind Norheim folgendermaßen: „Rhythmisch gebrauchte Grieg einen bekannten Volkstanz namens ´Springdans´ als Vorlage für den ersten wie für den letzten Satz. Dies ist einer der Gründe, warum die Sonate so norwegisch klingt wie kaum ein anderes seiner Kammermusikwerke.“ Aber auch wehmütige Melodien in Moll prägen das Werk. Die erste erklingt zu Beginn als langsame Einleitung, ein Lento doloroso in g-Moll, das ganz leise vom Klavier angestimmt wird. Auf diese zarte norwegische Ballade antwortet die Violine solo mit einem Ausbruch von Schmerz im Fortissimo, in Tönen, die auch auf der Hardangerfiedel gespielt sein könnten, der volkstümlichen Geige der Norweger. Das Klavier verharrt im leisen Schmerz des Anfangs, bis eine hohe, weiche Kantilene allmählich die Wendung nach Dur bringt. Daraus geht schließlich das fröhliche Hauptthema des Allegro vivace hervor, dem „Springtanz“, den die Griegforscher auch als „Grieg-Motiv“ bezeichnen. Der Satz gipfelt in einem jubelnden Presto. Das Allegretto tranquillo beginnt mit einer Volksmelodie im Dreiertakt. Der schlichte Duktus des Themas wird bald von einem majestätischen Fortissimo verdrängt. Wie die ersten beiden Sätze steht das Allegro animato im Dreiertakt, wieder scheinen die Rhythmen des ´Springdans´ auf. Gegen Ende wird das Tempo immer zügiger, bis ein rustikales Presto die Sonate laut und munter beendet.

Dimitri Schostakowitsch, einer der bedeutendsten russischen Komponisten, schrieb, gezwungen vom Stalinschen Regime, gelegentlich Hymnen auf die Sowjetmacht, blieb aber politisch immer auf Distanz, weshalb er vielen Repressionen ausgesetzt war und jahrelang in Todesangst lebte. Diese Spannungen beeinflussten auch seine symphonischen wie kammermusikalischen Werke. In den witzigen und skurrilen Preludes ist davon aber nichts zu spüren.

Sergei Prokofiew arrangierte sich – im Gegensatz zu Schostakowitsch, für den die Stalinzeit zum Trauma wurde – mit dem Regime, auch wenn er ebenfalls Anfeindungen ausgesetzt war. Die 2. Violinsonate in der strahlenden Tonart D-Dur ist einerseits klassisch-lyrisch, im Scherzo motorisch geprägt. Ursprünglich für Flöte und Klavier komponiert, wurde sie auf Bitten von David Oistrach für Violine arrangiert. Die Bevorzugung der dritten Oktav und die Geläufigkeit, die in der Urfassung von den Flötisten Erhebliches verlangt, kommt der singenden hohen Lage der Geige und ihren Bogenkunststücken natürlicherweise entgegen. Das fantastische Scherzo jagt in rasenden Sechzehnteln dahin, der dritte Satz, Andante, ist getragen von idyllischer Stimmung. Der vierte Satz, ein Allegro con brio in Rondoform, wird von rustikalen Tanzthemen, hübschen Arpeggi und virtuosen Terzpassagen bestimmt.

Das 1999 an der Wiener Musikhochschule gegründete Klaviertrio „Trio con Brio Copenhagen“ besteht aus den zwei koreanischen Schwestern Soo-Jin und Soo-Kyung Hong und dem Dänen Jens Elvekjaer. Es gehört zu den international führenden Ensembles. Zahlreiche bedeutende Preise sorgten für Anerkennung. 2002 gewann das Ensemble gleich zwei hoch angesehene Preise: den ARD Wettbewerb München und den 1. Preis des Dänischen Rundfunkwettbewerbs, 2003 folgten Preise beim renommierten Premio Vittorio Gui Florenz und beim Trondheim Kammermusikwettbewerb. Heute lebt das Trio in Kopenhagen und tourt durch berühmte Konzertsäle Europas, der USA sowie Asiens.

Zum Repertoire der Musiker gehört unter anderem Beethovens Tripelkonzert sowie „Six Pieces for Piano Trio and orchestra“, ein Tripelkonzert des international angesehenen schwedischen Komponisten Sven-David Sandström. Weitere ihm gewidmete Trios wurden vom Ensemble uraufgeführt.

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Klaviertrio D-Dur op. 70/1 „Geister-Trio“

Sergei Prokofjew (1891 – 1953)
„Romeo und Julia“ daraus 4 Stücke, arrangiert für Klaviertrio von Jens Elvekjaer

– Pause –

Franz Schubert (1797 – 1828)
Klaviertrio Es-Dur op. 100 (D. 929)
(das AOI-Trio spielte hier am 20. Februar 2022 das Trio B-Dur)

Beim Publikum bedankte sich das sympathische Trio mit einer Zugabe:
Scherzo aus dem Klaviertrio Nr. 1 in d-moll, op. 32 von Anton Arenski (komponiert 1894)

[komplettes Trio auf Youtube vom Hochrhein Festval von und mit Sol Gabetta]

Den populären Beinamen “Geistertrio” verdankt das Werk dem langsamen Mittelsatz und einer Bemerkung des Beethoven-Schülers Carl Czerny: “Der Character dieses, sehr langsam vorzutragenden Largo ist geisterhaft schauerlich.” E.T.A.Hoffmann hörte aus dem Satz den “Charakter einer sanften, dem Gemüth wohltuenden Wehmuth” heraus. Zum Eindruck des Geisterhaften trägt der Klang bei: Das Hauptthema, das sich wie ein melancholischer Gesang über den ganzen Satz legt, wird vom Klavier mit schnellen Sextolen leggieramente begleitet, woraus nach Hoffmann “ein Säuseln”, ein schattenhafter Klang entsteht. Es gipfelt in den düsteren Klängen der Coda, wo die Sextolen in den Klavierbass wie in eine Gruft hinab zu steigen scheinen. “Wie der Sturmwind die Wolken verjagt” (Hoffmann), so verdrängt das Finale die düstere Stimmung des Largo. Es kehrt zur Stimmung und zur kontrapunktischen Verarbeitungstechnik des Kopfsatzes zurück.

Prokofjews „Romeo und Julia“ nach Shakespeare gehört zu den populärsten Ballettmusiken. So wurden häufig einzelne Sätze für andere Besetzungen arrangiert – hier für Klaviertrio, das orchestralen Klang zu entfalten, ebenso aber auch lyrisch-zarte Partien atmosphärisch zu vermitteln vermag.

Schuberts Es-Dur-Trio entstand im November 1827, in der Zeit der „Winterreise“, was seinen melodischen Duktus, die harmonischen Abstürze und die existentielle Spannung in fast jedem Takt erklärt. Im Vergleich zu seinem Schwesterwerk in B-Dur, D 898, fand Robert Schumann das Es-Dur-Trio „mehr handelnd, männlich, dramatisch.“ Sein erster Satz, Allegro, hat ein für Schubert ungewöhnlich knappes und energisches Hauptthema. Ihm tritt ein schattenhaftes Seitenthema gegenüber, im Rhythmus jazzartig gegen den Takt verschoben. Das melancholische Thema des zweiten Satzes soll auf ein schwedisches Lied zurückgehen. Das Scherzando wirkt danach fast spielerisch gelöst. Ein Kanon  zwischen Klavier und Streichern gibt ihm einen ironischen Charakter.

Für diesen Termin waren eigentlich die Münchener Singphoniker vorgesehen. Durch eine akute Erkrankung des Tenors – nur fünf Tage vor dem Auftritt in Jülich – wurde jedoch das ganze Ensemble handlungsunfähig.

Das sympathische Pianisten-Ehepaar aus Monschau hat den Organisatoren der Schlosskonzerte dankenswerterweise ohne Zögern aus der Verlegenheit geholfen. Mit ihrem heutigen Konzert – einem vierhändigen Klaviervortrag – erfüllen sie sich und uns einen schon lange gehegten Wunsch.

Xin Wang ist eine der führenden Pianistinnen der Inneren Mongolei. Sie begann ihre musikalische Laufbahn in China. Schon im Alter von 7 Jahren wurde sie Preisträgerin des nationalen chinesischen Klavierwettbewerbs und konzertierte in verschiedenen Konzerthäusern Chinas wie z. B. der nationalen Konzerthalle in Tianjin. Xin Wang studierte an der Musikhochschule in Köln bei Prof. Julio Largacha sowie an der Musikhochschule Nürnberg bei Prof. Gabriel Rosenberg.

Sie ist Preisträgerin zahlreicher internationaler Klavierwettbewerbe wie u.a. Lengano, Bettona u.a.. Ebenso wurde Sie durch ein jährliches Stipendium vom DAAD gefördert. Eine rege internationale Konzerttätigkeit führt sie regelmäßig, sowohl als Solistin als auch als Kammermusikerin in die wichtigsten Konzertsäle Europas und Asiens, wie u.a. Berliner Philharmonie, Schloss Elmau, Qintai Concert Hall in Wuhan, Concert Hall in Xiamen, Henan Art Center in Zhengzhou, Concert Hall in Ningbo oder Poly Grand Theatre in Hohhot. Regelmäßige Gastspiele in bedeutenden internationalen Musikfestivals weltweit, wurden von der internationalen Fachpresse gefeiert. Zusammenarbeiten mit internationalen Orchestern wie u.a. Wuhan Philharmonic Orchestra, Sinfonieorchester Aachen, Kammerphilharmonie St. Petersburg und Berliner Camerata unter der Leitung führender Dirigenten wie u.a. Kazem Abdullah, Christopher Ward, James P. Liu, Juri Gilbo, Eduardo Strausser und Fuad Ibrahimov zeigen die musikalische Qualität der Musikerin auf.

Auch widmet sie sich regelmäßig der Kammermusik und konzertiert zusammen mit bekannten Namen wie Echo-Klassik Gewinner Yury Revich oder Alexandre Debrus in den internationalen Musikmetropolen. Darüber hinaus ist Xin Wang künstlerische Leiterin des internationalen Klavierfestivals Geilenkirchen sowie Juryvorsitzende und künstlerische Leiterin des internationalen Klavierwettbewerbs „Euregio Piano Award“.

Außerdem ist Xin Wang als Jurymitglied bei zahlreichen internationalen Klavierwettbewerben gefragt. Neben dem Konzertieren wird Xin Wang als Pädagogin sehr geschätzt. Sie unterrichtet als Gastdozentin an unterschiedlichen Musikhochschulen und Universitäten in China und gibt regelmäßig Meisterkurse in Europa und Asien.

 

Florian Koltun, deutscher Pianist und Kulturmanager, schloss sein Klavierstudium an der Musikhochschule Köln bei Prof. Ilja Scheps ab. Weitere musikalische Impulse erhielt er an der Musikhochschule Trossingen bei Prof. Tomislav Baynov. Er ist Preisträger zahlreicher internationaler Klavierwettbewerbe in Deutschland, Italien, Spanien, den Niederlanden und Luxenburg. Eine rege Konzerttätigkeit führt ihn als Solist und Kammermusiker quer durch Europa und Asien wie u.a. Deutschland, Niederlande, Belgien, Italien, Spanien, Luxenburg, Österreich, China oder Hongkong.

Er gastiert regelmäßig in den großen internationalen Konzertsälen u.a. in der Alten Oper Frankfurt, dem Thürmer-Saal Bochum, der Berliner Philharmonie, der Wuhan Concert Hall oder dem Konzerthaus der Provinz Henan / China. Als Gastdozent in zahlreichen Universitäten in China beschäftigt sich Florian Koltun intensiv mit der musikpädagogischen Arbeit und gibt weltweit Meisterkurse. Darüber hinaus arbeitet er als künstlerischer Berater für verschiedene Festspiele, Festivals und internationale Staatsorchester in Deutschland, China und Armenien. Von 2015 bis 2017 unterrichtete Florian Koltun an der Musikhochschule Köln.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Sonate zu 4 Händen in C-Dur KV 521 (1787)
Allegro – Andante – Allegretto

Claude Debussy (1862 – 1918)
Petite Suite (1886-89)
En Bateau – Im Boot
Cortège – Aufzugsmarsch
Menuett
Ballett

– Pause –

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Sonate zu 4 Händen in D-Dur, KV 381 (1772)
Allegro – Andante – Allegro molto

Franz Schubert (1797 – 1828)
Fantasie in f-Moll, D940 (1828)
Allegro molto moderato
Largo
Scherzo. Allegro vivace
Finale. Allegro molto moderato

mit der Rossini-Ouvertüre zum Barbier von Sevilla, von Arnold Schönberg gesetzt für Klavier zu 4 Händen, bedankten sich die beiden Künstler für den herzlichen Applaus.

Die beiden Stücke von Debussy und Schubert können Sie nachhören in unserer [Mediathek]

Die Idee, folkloristische Klangwelten in virtuose Klavierwerke zu verwandeln, erreicht ihren Höhepunkt mit dem Schaffen des polnischen Komponisten Frédéric Chopin. Sein Einfluss auf die nächsten Generationen von Komponisten ist zweifellos erheblich, besonders in der lateinamerikanischen Klaviermusik. So werden das Oeuvre und der Stil des polnischen Komponisten als eine Art Vermächtnis betrachtet, deren musikalische und instrumentale Mittel von Komponisten aus dem lateinamerikanischen Raum aufgegriffen, neu verstanden und weiterentwickelt. Es entstehen hierbei fantastische Tondichtungen, bei denen der Chopinsche Einfluss stets hörbar ist, die jedoch ihren Ursprung in der lateinamerikanischen Kultur nicht verleugnen. Diese Kultur ist das faszinierende und klingende Ergebnis des Aufeinanderprallens dreier Kulturkreise: Amerika, Afrika und Europa.

Das Programm kombiniert Chopin mit der Klaviermusik dreier Länder aus Lateinamerika: Kolumbien, Mexico und Argentinien. Tänze und Lieder werden pianistisch kunstvoll in konzertante Werke eingearbeitet.

Der Bambuco, ein kolumbianischer Tanz in ¾ und 6/8 Takt, wird von Adolfo Mejía Navarro in ein elegisches Kleinod verwandelt, das tief in die Seele der Kolumbianischen Anden blicken lässt.

Das Arabesco, Estudio para la mano izquierda von Luis Antonio Calvo ist eine kleine Hommage an Claude Debussy, dessen Arabesque L.A. Calvo zu seinem Werk inspiriert hat.

Der Balada Mexicana von Manuel Maria Ponce liegen zwei mexikanische Volkslieder zu Grunde: El Durazno (Der Pfirsich) und Acuérdate de mi, No seas ingrata (Denk mein, sei nicht undankbar). Der große Komponist schafft es, diese zwei Themen miteinander in einem Werk zu vereinen, das sich ganz eigenständig an die Balladen von Chopin anlehnt.

Two Motions in One Movement ist ein aufregendes und rhythmisch prägnantes Stück, das dem Interpreten alles abverlangt. Die Art, wie Samuel Zyman das rhythmische Element hier verwendet, das in der lateinamerikanischen Musiksprache stark ausgeprägt ist, ist faszinierend. Die Motive sind rhythmisch und melodisch aus einem Guss. Kontrastierend dazu wird im Mittelteil eine ruhigere, aber innerlich brodelnde Atmosphäre kreiert. Das Ganze wirkt fast wie eine Verfolgungsjagd, die die Spannung von Anfang bis Ende durchhält.

Alberto Ginasteras Frühwerk Danzas Argentinas op. 2 schließlich erzählt die Geschichte eines alten Gauchos, der sich gerne an seine Años Mozos, seine jungen Jahre erinnert und davon poetisch anrührend erzählt. Dabei greift er zur Gitarre und singt das seiner Geliebten gewidmete Lied, bevor er hinaus auf die Pampa fuhr und seine vielen Abenteuer erlebte.

In der zweiten Hälfte werden Werke von Frédéric Chopin nach ihrem musikalischen Gehalt aneinander gereiht. Dabei entsteht ein scheinbar einziges großes Werk, das viele verschiedene Momente im Leben des Komponisten widerspiegelt.

Text: Luis Andres Castellanos Jimenez

Der kolumbianische Pianist Luis Andres Castellanos Jimenez wurde in Bogotá (Kolumbien) geboren. Er studierte bis zum Alter von 18 Jahren am Staatskonservatorium in Kolumbien und setzte sein Studium nach seiner Übersiedlung nach Deutschland an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln (Abteilung Aachen) bei Prof. Ilja Scheps fort. Sein Studium schloss er mit dem Diplom und dem Master ab, beides mit Auszeichnung. Es folgte ein Studium der Orchesterleitung. Derzeit leitet Luis Castellanos diverse Vokalensembles in Deutschland und Belgien.

Beim nationalen Chopin-Wettbewerb in Kolumbien gewann der noch junge Pianist den ersten Preis, es folgte eine internationale Konzerttätigkeit als Solist. Als Kammermusiker tritt Castellanos häufig mit dem Duo Aken2 auf, das er zusammen mit der Cellistin Soraya Ansari 2012 begründet hat.

Kolumbien: Adolfo Mejia Navarro (1905 – 1973)
Bambuco h-moll

und Luis Antonio Calvo (1882-1945)
Arabesco E-Dur

Mexico: Manuel Maria Ponce (1882 – 1948)
Balada Mexicana A-Dur

Mexico: Samuel Zyman  
Two motions in one movement

Argentinien: Alberto Ginastera (1916 – 1983)
Danzas Argentinas op. 2
Danza del viejo boyero
Danza de la Moza Donosa
Danza del gaucho Matrero

– Pause –

Frédéric Chopin (1810 – 1849)
Nocturne Nr. 8 in Des-Dur op. 27 Nr. 2
Barcarolle in Fis-Dur op. 60
Nocturne Nr. 9 in H-Dur op. 32 Nr.1
Scherzo Nr.1 h-moll op.20
Walzer Nr. 5 in As-Dur op. 42
Andante spianato et Grande Polonaise Brillante in Es-Dur op. 22

Die Idee, folkloristische Klangwelten in virtuose Klavierwerke zu verwandeln, erreicht ihren Höhepunkt mit dem Schaffen des polnischen Komponisten Frédéric Chopin. Sein Einfluss auf die nächsten Generationen von Komponisten ist zweifellos erheblich, besonders in der lateinamerikanischen Klaviermusik. So werden das Oeuvre und der Stil des polnischen Komponisten als eine Art Vermächtnis betrachtet, deren musikalische und instrumentale Mittel von Komponisten aus dem lateinamerikanischen Raum aufgegriffen, neu verstanden und weiterentwickelt. Es entstehen hierbei fantastische Tondichtungen, bei denen der Chopinsche Einfluss stets hörbar ist, die jedoch ihren Ursprung in der lateinamerikanischen Kultur nicht verleugnen. Diese Kultur ist das faszinierende und klingende Ergebnis des Aufeinanderprallens dreier Kulturkreise: Amerika, Afrika und Europa.

Das Programm kombiniert Chopin mit der Klaviermusik dreier Länder aus Lateinamerika: Kolumbien, Mexico und Argentinien. Tänze und Lieder werden pianistisch kunstvoll in konzertante Werke eingearbeitet.

Der Bambuco, ein kolumbianischer Tanz in ¾ und 6/8 Takt, wird von Adolfo Mejía Navarro in ein elegisches Kleinod verwandelt, das tief in die Seele der Kolumbianischen Anden blicken lässt.

Das Arabesco, Estudio para la mano izquierda von Luis Antonio Calvo ist eine kleine Hommage an Claude Debussy, dessen Arabesque L.A. Calvo zu seinem Werk inspiriert hat.

Der Balada Mexicana von Manuel Maria Ponce liegen zwei mexikanische Volkslieder zu Grunde: El Durazno (Der Pfirsich) und Acuérdate de mi, No seas ingrata (Denk mein, sei nicht undankbar). Der große Komponist schafft es, diese zwei Themen miteinander in einem Werk zu vereinen, das sich ganz eigenständig an die Balladen von Chopin anlehnt.

Two Motions in One Movement ist ein aufregendes und rhythmisch prägnantes Stück, das dem Interpreten alles abverlangt. Die Art, wie Samuel Zyman das rhythmische Element hier verwendet, das in der lateinamerikanischen Musiksprache stark ausgeprägt ist, ist faszinierend. Die Motive sind rhythmisch und melodisch aus einem Guss. Kontrastierend dazu wird im Mittelteil eine ruhigere, aber innerlich brodelnde Atmosphäre kreiert. Das Ganze wirkt fast wie eine Verfolgungsjagd, die die Spannung von Anfang bis Ende durchhält.

Alberto Ginasteras Frühwerk Danzas Argentinas op. 2 schließlich erzählt die Geschichte eines alten Gauchos, der sich gerne an seine Años Mozos, seine jungen Jahre erinnert und davon poetisch anrührend erzählt. Dabei greift er zur Gitarre und singt das seiner Geliebten gewidmete Lied, bevor er hinaus auf die Pampa fuhr und seine vielen Abenteuer erlebte.

In der zweiten Hälfte werden Werke von Frédéric Chopin nach ihrem musikalischen Gehalt aneinander gereiht. Dabei entsteht ein scheinbar einziges großes Werk, das viele verschiedene Momente im Leben des Komponisten widerspiegelt.

Text: Luis Andres Castellanos Jimenez

„Aus der chinesischen Philosophie kommt der Gedanke eines großen Ganzen in dem sich die Gegensätze bedingen und ergänzen. Anhand dieser Idee verbinden wir Komplexität und Einfachheit. Als vier unterschiedliche Individuen gestalten wir gemeinsam die Einheit des Streichquartetts, die Königsgattung der Kammermusik.“

Das Simply Quartet gehört zu den aufstrebenden Streichquartetten der neuen Generation und setzt sich aus Musikern aus drei verschiedenen Nationen zusammen. Die Ensemblemitglieder kommen aus China, Norwegen und Österreich und erlangten als junges, internationales Ensemble bereits großes Ansehen in der Kammermusikszene. Das Simply Quartet sucht stetig nach einem tiefen Verständnis der der Musik inhärenten Sprache: von früh-klassischen Werken bis zur modernen Streichquartett-Literatur. Ein großes Augenmerk legen sie auf die Verbindung der drei kontrastierenden Kulturen aus denen sie schöpfen, um eine ganz eigene musikalische Sprache zu entwickeln, durch die Beschäftigung mit Werken aus jeder ihrer Kulturen vertiefen sie ihre Kenntnis unterschiedlicher Klangwelten.

Ursprünglich in Schanghai unter der Schirmherrschaft von Jensen Horn-Sin Lam gegründet, siedelte das Quartett nach Wien über, um sich hier intensiv mit der Essenz und dem Ursprung des Quartettspiels auseinanderzusetzen. Am Joseph Haydn Institut der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien studiert das Ensemble mit Johannes Meissl, der seit dem Wechsel nach Österreich zum wichtigsten Mentor des Ensembles geworden ist. Weitere Einflüsse sammelt das Quartett in der Klasse von Günter Pichler an der Reina Sofía School of Music in Madrid, der es seit 2020 angehört.

Das Quartett wurde bereits mit vier ersten Preisen bei namhaften Kammermusikwettbewerben ausgezeichnet: Beim Internationalen Carl Nielsen Wettbewerb in Kopenhagen & dem „Quatuor á Bordeaux“ in 2019, dem „Franz Schubert und die Musik der Moderne“ in Graz in 2018 sowie in 2017 beim Internationalen Joseph Haydn Kammermusikwettbewerb in Wien.

In der Saison 2021/2022 gehörte das Simply Quartet zu den ausgewählten Ensembles der ECHO Rising Stars Reihe mit Konzerten u.a. im BOZAR Brüssel, dem Festspielhaus Baden Baden und dem Concertgebouw Amsterdam. Die österreichische Komponistin Julia Lacherstorfer komponierte für diese Tourneen ein Streichquartett. Neben den ECHO Rising Stars Konzerten, feierte das Ensemble in der gleichen Saison sein Debüt in der Berliner Philharmonie und der Philharmonie de Paris.

Im Wiener Konzerthaus ist das Simply Quartet Teil des Great Talent Programms. Zusätzlich zu Konzerten erfahren die KünstlerInnen in dessen Rahmen intensive künstlerische Unterstützung. Der Primarius Danfeng Shen spielt eine Violine von Giovanni Battista Guadagnini aus dem Jahr 1753, die ihm dank einer großzügigen Leihgabe der MERITO String Instruments Trust GmbH zur Verfügung steht. Antonia Rankersberger spielt eine Violine von Ferdinando Gagliano aus den Jahren 1770-1780 (Neapel), die ihr von der Österreichischen Nationalbank zur Verfügung gestellt wird.

Danfeng Shen gehört zu den herausragendsten und versiertesten Geigern seiner Generation. Sowohl als Solist als auch als Kammermusiker hat er sich bereits einen Namen gemacht und ist auf den großen Bühnen der klassischen Elite wie der Philharmonie de Paris, der Berliner Philharmonie und dem Wiener Konzerthaus, regelmäßig zu Gast.

Er war Finalist des 8. Fritz Kreisler Wettbewerbs 2014 und gewann mit dem Simply Quartet, dessen Gründungsmitglied und Primarius Shen ist, erste Preise beim internationalen „Carl Nielsen Wettbewerb“ 2019 in Kopenhagen, dem „Quatuor á Bordeaux“ 2019, dem „Franz Schubert und die Musik der Moderne“ 2018 in Graz sowie 2017 beim internationalen „Joseph Haydn Kammermusikwettbewerb“ in Wien.

Seit 2012 lebt Danfeng in Wien und studiert an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien; Kammermusik bei Johannes Meissl und Solo-Violine zuerst bei Gerhard Schulz und dann bei Ulf Wallin. Wichtige Impulse im Bereich der historischen Aufführungspraxis erhielt er von Clive Brown und Ingomar Rainer, mit denen er intensiv zusammenarbeitete.

Bereits mit drei Jahren begann Danfeng sein Violinstudium in Guilin und wurde im Alter von neun Jahren am Conservatory of Music in Schanghai aufgenommen, wo er von Zhao Jiyang, Zhou Binyou und Zheng Shisheng ausgebildet wurde. Sein erster Kammermusikmentor war Jensen Lam.

Danfeng spielt eine Violine von Giovanni Battista Guadagnini aus dem Jahr 1753, die ihm dank einer großzügigen Leihgabe der MERITO String Instruments Trust GmbH zur Verfügung steht.

Antonia Rankersberger, geboren 1997 in Neuberg an der Mürz, begann im Alter von fünf Jahren mit dem Violinspiel. Ihren ersten Unterricht erhielt sie bei Monika Witzany in Mürzzuschlag. Bereits zwei Jahre später trat sie mit dem Violinkonzert in h-Moll von Oskar Rieding unter Nikolaus Harnoncourt öffentlich auf. Zahlreiche Fernseh- und Radioaufnahmen folgten. Im Jahr 2010 wurde sie in den Hochbegabtenlehrgang der Universität für Musik und darstellende Kunst aufgenommen, wo sie bei Ulla und Veronika Schulz studierte. Ab 2013 war sie Konzertfachstudentin in der Klasse von Gerhard Schulz und seit 2019 erhält Antonia ihre musikalischen Impulse von Ulf Wallin.

Antonia war mehrfache erste Landes- und Bundespreisträgerin bei „Prima la Musica“ und wurde beim Internationalen Szymon Goldberg Wettbewerb 2015 mit einem 2. Preis ausgezeichnet. Wichtige musikalische Anstöße erhielt sie bei Meisterkursen mit Ana Chumachenco, Ivry Gitlis, und Eszter Haffner. Internationale Konzertreisen führten sie nach Kanada, China, Japan, Korea u.v.m. Beim Kammermusikfestival „Open Chamber Music“ in Prussia Cove arbeitete sie mit Musikern wie Lesley Hatfield und Atar Arad zusammen. 2016 gewann Antonia das Auswahlspiel Musica Juventutis und gab ihr Konzerthausdebüt im März 2018.

Unterschiedlichste „crossover“-Projekte führten sie u.a. ins Schauspielhaus Wien (Tolstoi: „Kreutzersonate“) und nach Südkorea, wo sie neben TänzerInnen des Meta Dance Projekts und Schauspieler Bernhard Majcen in einem Multimedia Stück von Otto Brusatti auftrat.

Seit 2018 ist Antonia Mitglied des Simply Quartets, mit welchem sie den Internationalen Bordeaux Wettbewerb 2019 und den „Carl Nielsen International Chamber Music Competiton“ 2019 gewann. In der Saison 2021/22 wird das Simply Quartett im Rahmen des ECHO Rising Star Programms quer durch Europa reisen, sowie in der Philharmonie de Paris und der Berliner Philharmonie auftreten.

Antonia spielt auf einer Geige von „Ferdinando Gagliano“ (1770-1780, Neapel) die ihr von der Österreichischen Nationalbank zur Verfügung gestellt wird.

 

Lyu Xiang, geboren in Schanghai, erhielt seinen ersten Violinunterricht im Alter von acht Jahren bei Weng Rongjin und Yu Lina. Mit 13 Jahren wechselte er zur Viola und begann sein Studium am Conservatory of Music in Schanghai bei Xidi Shen, Sheng Li und Jensen Horn sin Lam. 2011 begann er sein Konzertfachstudium an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien bei Wolfgang Klos, welches er mit Auszeichnung abschloss. Dafür erhielt er den Würdigungspreis des Bundesministers für Bildung, Wissenschaft und Forschung. Seit 2011 studiert er Kammermusik bei Johannes Meissl. Er belegte außerdem Meisterkurse bei Nobuko Imai, Hatto Beyerle, Hariolf Schlichtig, Patrick Jüdt, Yuri Bashmet, Lawrence Power und Antoine Tamestit.

Seit 2010 ist Xiang Mitglied des Simply Quartet mit welchem er bereits zahlreiche erste Preise bei internationalen Wettbewerben gewonnen hat, zum Beispiel: „Carl Nielsen Wettbewerb“ 2019 in Kopenhagen, „Quatuor á Bordeaux“ 2019, „Franz Schubert und die Musik der Moderne“ 2018 in Graz sowie bei dem internationalen „Joseph Haydn Kammermusikwettbewerb“ 2017 in Wien.

Xiang ist als Solist und als Kammermusiker bei zahlreichen Festivals aufgetreten, darunter dem Verbier Festival, Casals Festival, Gent Festival, Davos Festival, Ravenna Festival der Internationale Sommerakademie Prag-Wien-Budapest, „Viola Space“ in Tokyo und „Viva La Viola“ in Schanghai. Er arbeitete in kammermusikalischen Projekten mit herausragenden Musikern wie Michel Lethiec, Hagai Shaham, Jerome Pernoo und Thomas Hoppe zusammen.

 

Ivan Valentin Hollup Roald studierte Cello an der Norwegischen Musikhochschule mit Prof. Truls Mørk und mit Prof. Aage Kvalbein. Zurzeit studiert er am Joseph Haydn Institut für Kammermusik an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, mit Prof. Johannes Meissl und Prof. Stefan Kropfitsch.

Ivan Valentin hat in diversen Meisterkursen mit u.a. Torleif Thedéen, Gavriel Lipkind, Maria Kliegel, Reinhard Latzko und Frans Helmerson gearbeitet. Er hat Kammermusik mit u.a. Lars Anders Tomter, Liza Ferschtman und Henri Demarquette gespielt. Beim Kammermusikwettbewerb der Norwegischen Musikhochschule hat er zwei Mal den 1. Preis gewonnen. Wichtige Lehrer im Fach der Kammermusik sind Hatto Beyerle, Are Sandbakken, Lars Anders Tomter, Avedis Kouyoumdjian, Andrew Manze, Clive Brown und das Vertavo String Quartet.

Ivan Valentin war viele Jahre lang Mitglied von Aksiom, einem Ensemble für zeitgenössische Musik in Oslo, in welchem er mit einigen von den vielversprechendsten jungen nördlichen Komponisten zusammenarbeiten konnte.

Ivan Valentin spielt regelmäßig in einigen norwegischen Orchestern z.B. bei den Oslo Philharmonikern, Bergen Philharmonikern und dem Norwegischen Rundfunkorchester.

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Streichquartett op. 20 Nr.4

Allegro di molto
Un poco Adagio di molto
Menuet alla Zingarese
Presto e Scherzando

 

Fanny Mendelssohn-Hensel (1805 – 1847)
Streichquartett Es-Dur

Adagio ma non troppo
Allegretto
Romanze
Allegro molto vivace

 

– Pause –

 

Antonín Dvořák (1841 – 1904)
Streichquartett Nr. 14, op. 105

Allegro di molto
Un poco Adagio di molto
Menuet alla Zingarese
Presto e Scherzando

Zugabe: Das Menuett aus Opus 27/1 von Joseph Haydn

Das D-Dur-Quartett, op. 20,4 hat Joseph Haydns Ruhm als Komponist von Kammermusik begründet. Der Heiterkeit des Kopfsatzes kontrastieren die Variationen des zweiten Satzes durch ihr ernstes d-moll-Thema. Es wird im vierstimmigen Satz affettuoso vorgetragen und nach drei Variationen in einen träumerisch-verhangenen Sotto-Voce-Klang getaucht. Im Menuett wird dieser melancholische Schleier wieder weggenommen. Die Überschrift „Alla zingarese“ lässt schon erahnen, dass Elemente der „Zigeunermusik“ verarbeitet werden. Im eigenwilligen Rhythmus musizieren Geige und Cello im Zweier- statt im Dreiertakt und spielen noch dazu um ein Viertel gegeneinander verschoben. Es entsteht ein musikalisches Verwirrspiel.

Fanny Mendelssohns Kompositionen blieben bis auf wenige Lieder zu ihren Lebzeiten ungedruckt. Seit den 1980er Jahren wurden sie zum ersten Mal der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. So auch ihr einziges Streichquartett in Es-Dur. Günter Marx, der Herausgeber des Quartetts, formuliert dessen Eigenart so: „Der erste Satz des Quartetts, Adagio ma non troppo, ist wie eine Fantasie, formal wie harmonisch weniger Bauwerk als organisch gewachsenes Gewebe. Das Allegretto (c-Moll) ist einem Scherzo ähnlich. An die Stelle eines Trios tritt ein Fugato, das harmonisch sehr bewegt bis nach fis-Moll moduliert und immer wieder das Scherzo-Anfangsmotiv mit einbezieht, bevor es zu einem stark verkürzten Da Capo kommt. Die Romanze (g-Moll) begnügt sich nicht mit der unterschiedlichen Ausleuchtung des schönen liedhaften Themas, sondern erzählt, höchst romantisch, ein ganzes Drama. Im übermütigen letzten Satz fällt auf, dass das Rondothema jedes Mal in zunehmend abgewandelter Form erscheint.“

Antonín Dvořák hat das As-dur-Streichquartett op. 105 am 26. März 1895, kurz bevor er am 16. April Amerika endgültig verließ, in New York begonnen.  Es ist reich an kantablen Motiven und Themen und überzeugt durch deren kunstvolle und kontrastreiche Verarbeitung. Der Kopfsatz beginnt mit einer bei Dvořák ungewohnt langsamen Einleitung von 14 Takten in düsterem as-moll. Sie führt kanonartig einsetzend über verschiedene Schritte von Teilmotiven auf die ersten vier Takte des schnellen Hauptthemas hin; aus ihnen wird dann das ganze Thema entwickelt. Das zweite Thema des Satzes erinnert mit einem Triolenmotiv an Hornrufe. Der zweite Satz ohne Gattungsbezeichnung – Scherzando wäre wohl passend – ist ein reizvolles Stück in f-moll. Die wechselnde Betonung von 1 auf 3 gleich zu Beginn erinnert an den Furiant, dem der Wechsel von 2/4 zu 3/4-Takt eigen ist. Gleichwohl ist der Satz kein vehementer Furiant, wie man ihn etwa von einigen seiner Slawischen Tänze kennt. Im Des-dur-Trio verwendet Dvořák eine Melodie aus seiner Oper «Der Jakobiner» (1887/88). Liedhaft ist – wie die Satzbezeichnung „cantabile nahelegt“ – der langsame Satz. Dazu tragen nach dem chromatischen Mittelteil vogelstimmenartige melodische Umspielungen in der Wiederholung des Hauptteils bei. Das Finale wird vom Cello eröffnet, das, wenn auch sostenuto, gleich das Anfangsmotiv des Hauptthemas einführt. Nach elf Takten erscheint dieses dann im richtigen Tempo. Die 24 ersten Takte werden wiederholt – so kommt der umfangreiche Schlusssatz (524 Takte im 2/4-Takt) voller Energie in Gang. Eine mitreißende Stretta bringt das Quartett und damit Dvořáks Kammermusikschaffen zum Abschluss.

Tierisch Barock – das doppeldeutige titelgebende Wortspiel hält Wort: Eine Musik voller Tierstimmen und damit voller barocker Ästhetik und Faszination.

Nel Dolce nähert sich dem Themenfeld »Mensch Tier und Musik« durch eine facettenreiche Auswahl an ausgelassenen und humorvollen Kompositionen des Früh- und Hochbarock, die möglichst unterschiedliche Wege der musikalischen Beschäftigung mit der Tierwelt aufzeigen. Und da begegnen die Musiker zahlreichen Tieren, z.B. einem Pelikan, Hühnern, Wachteln, hinkenden Pferdchen, einer Schildkröte, einer Tarantel…

Seien Sie gefasst auf ein musikalisches Erlebnis voller Spaß und Überraschungen!

Das besondere Anliegen des Ensembles, die Musik des 17. und 18. Jahrhunderts in der heutigen Zeit wieder lebendig werden zu lassen, äußert sich sowohl in der Interpretation der Werke als auch in innovativen Aufführungskonzepten.

Im Oktober 2018 gastierten die Musiker schon einmal bei uns mit ihrem Programm „vom Dunkel zum Licht“ ..

Die Interpreten

Die Blockflötistin und Sopranistin Stephanie Buyken wurde 1979 in Kamp-Lintfort geboren. Von 1998 bis 2003 absolvierte sie ein Studium der Germanistik und Schulmusik (Hauptfach Gesang bei Nathalie Usselmann-Kock) in Köln, woran sich ein Blockflötenstudium bei Ursula Schmidt-Laukamp (Köln) anschloss, das sie 2004 mit Diplom beendete. Sie nahm an diversen Meisterkursen, unter anderem bei Dorothee Oberlinger, teil. Als Solistin konzertierte sie mit verschiedenen Orchestern (u. a. Bachs 4. Brandenburgisches Konzert und Konzerte von Antonio Vivaldi). Ihre weitere künstlerische Gesangsausbildung erhielt sie von 2004 bis 2006 bei Barbara Schlick (Wuppertal), vertieft durch Studien in Paris bei Isabelle Guillaud und derzeit bei Michaela Krämer (Düsseldorf). Auch als Sopranistin entfaltet sie eine rege Konzerttätigkeit. Dabei hat sie sich ein breites Repertoire erarbeitet, dessen Schwerpunkte in den Bereichen Oratorium (Bach: Weihnachts-Oratorium, Johannes-Passion, h-moll-Messe, Magnificat; Vivaldi: Gloria; Händel: Alexander-Fest), Lied und Kammermusik liegen.

Olga Piskorz wurde in Jelenia Góra (Polen) geboren. Im Alter von 7 Jahren begann sie die Musikschule in Legnica zu besuchen, die sie 2008 in der Klasse von Konrad Dragan (Violine) abschloss. Im Juni 2011 beendete sie ihr Bachelor-Studium mit Auszeichnung bei Prof. B. Bryla (Violine) an der Hochschule für Musik in Poznan (Polen).

Olga Piskorz wurde bereits in jungen Jahren Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe, unter anderem erzielte sie 1. Preise beim „Young Paganini“ Wettbewerb in Legnica, beim Wettbewerb „Tadeusz Wronski“ für Violine Solo sowie beim Internationalen Wettbewerb „H.W. Ernst und K.Szymanowski“ in Breslau.

Im Jahr 2009 begann sie sich für die Alte Musik zu interessieren – seit Oktober 2011 studierte sie im Rahmen eines DAAD-Stipendiums Barockvioline an der Hochschule für Musik und Tanz Köln in der Klasse von Prof. Richard Gwilt . Im Februar 2014 bestand sie dort ihre Master- Abschlussprüfung mit Auszeichnung.

Im Dezember 2011 wurde Olga Piskorz Mitglied des Kölner Barock-Ensembles Nel Dolce. Sie spielt zahlreiche Konzerte mit deutschen und internationalen Ensembles wie dem Cöllner Barockorchester, Neue Düsseldorfer Hofmusik, The Wallfisch Band, Capella Vitalis Berlin, Musica Poetica London oder Collegium Musicum Köln und arbeitet mit renomierten Barockgeigern wie Richard Gwilt, Irmgard Schaller, Petra Müllejans, Elizabeth Wallfisch und Mary Utiger zusammen.

Neben regelmäßigen Konzertauftritten übt sie auch pädagogische Tätigkeiten aus.

Harm Meiners studierte (nach Abschluss eines Physik-Studiums) Violoncello an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Hier absolvierte er 2004 als Schüler von Prof. Claus Kanngiesser seine künstlerische Diplomprüfung. Ergänzend absolvierte er zahlreiche Meisterkurse.

Während des Studiums begann er sich auch für die historischen Spielweisen des Violoncellos zu interessieren. Dabei erhielt er u.a. Anregungen durch Wieland Kuijken und Rainer Zipperling. Mit dem Ensemble Nel Dolce legte er 2010 sein Konzertexamen ab.

Seine vielfältige Konzerttätigkeit mit dem Schwerpunkt Kammermusik führte ihn u.a. zu den Donaueschinger Musiktagen und den Dresdner Tagen für Neue Musik sowie in Konzertsäle wie die Berliner Philharmonie oder die Kölner Philharmonie. Er konzertierte mit renommierten Künstlern wie Pi-hsien Chen, Ariadne Daskalakis und Dorothee Oberlinger und war an diversen CD-Einspielungen sowie an Rundfunkaufnahmen von WDR, SWR und DLF beteiligt.

Mit dem Ensemble Nel Dolce spielte Harm Meiners drei CDs ein: Nach der Debut-CD „Aus der Seele“ und „La Rosa“ folgte im Jahr 2015 die CD „Tierisch Barock“, die von Presse und Rundfunk hochgelobt wurde (BR-Klassik: „eine tierisch gute Barock-CD“, SR2-Kulturradio: „wunderbare CD“, hr2-kultur: „virtuos, klar in Klang, präzise im Zusammenspiel, mit äußerster Ausdruckskraft, artistisch im Wechselspiel der Emotionen“).

Neben seiner freiberuflichen Tätigkeit erfüllte Harm Meiners von 2005 bis 2015 einen Lehrauftrag für Kammermusik an der Hochschule für Musik und Tanz Köln.

Natalia Spehl entdeckte zu Studienbeginn an der Musikakademie in Poznań das Cembalo und die Welt der Barockmusik für sich. Sie wechselte dann zu weiteren künstlerischen Studien nach Wrocław, London und Köln mit Abschluss Konzertexamen um sich intensiv mit diesem Instrument zu beschäftigen. Natalia Spehl hat zahlreiche Konzerte und CD-Aufnahmen mit auf Alte Musik spezialisierten Ensembles (Cölner Barockorchester, IL PRIMO DOLCIMELO, Breslauer Barockorchester, Capella Augustina, Ensemble Tourbillon, Arte dei Suonatori) gemacht. Sie gilt in der Szene als Spezialistin für Solo- und Kammermusik auf dem Gebiet der Alten Musik.

Zur Zeit unterrichtet sie und begleitet an der Kunst- und Musikschule der Stadt Brühl und der Musikschule Rhein-Kreis Neuss (JeKits / SingPause). Als Korrepetitorin arbeitet sie mit vielen Musikschulen, Kursen für Alte Musik und Wettbewerben (Deutsche Musikwettbewerb, Jugend Musiziert) zusammen.

Tierisch Barock
Ein frühlingshafter Streifzug durch die Tierwelt

Georg Friedrich Händel (1685 – 1759)
Triosonate in F-Dur für Blockflöte, Violine und Basso continuo

Samuel Howard (1710 – 1782)
Bühnenmusik aus der Harlequinade Amorous Goddess

Nicola Matteis (1670 –1714)
aus Second Book of Aire‘s in 3 Parts:5
Pavana Armoniosa
Il Russignolo (Die Nachtigall)

Thomas Morlay (1558 – 1602):
Springtime manleth every bouch
Madrigal zu vier Stimmen

Marco Uccellini (ca. 1603 –1680)
aus Sonate, arie et correnti, op. 3:
Aria Nona L‘Emenfrodito – Maritati insieme la Gallina, e ’l Cucco fanno un bel concerto (Die Hochzeit der Henne und des Kuckucks)
Sonata Duodecima Sopra Iste Confessor in Canone La Tartaruca (Die Schildkröte)
Sonata Quartadecima La Tarantola (Die Tarantel)

Giovanni Battista Buonamente (ca. 1595 –1642)
aus Il quarto Libro de varie sonate:
Sonata decima sopra Cavaletto zoppo (Das lahme Pferdchen)

Tarquinio Merula (1595 –1665)
aus Canzoni overo Sonate concertate per chiesa e camera, Libro 3, op. 12:
Canzona prima La Gallina (Die Henne)

– Pause –

Georg Friedrich Händel (1685 – 1759)
aus Neun deutschen Arien für Sopran, Violine und Basso continuo:
Das zitternde Glänzen der spielenden Wellen, HWV 203

William Williams (1675 –1701)
Sonata in Imitation of Birds
Adagio – Allegro – Grave – Allegro

Thomas Morlay (1557 – 1602)
Now ist the month of maying
Madrigal zu vier Stimmen

Nicola Matteis (1670 – 1714)
aus Ayres for the violin – the third part:
Preludio (prestissimo) – Sarabanda (adagio) – Vivace – Gavotta (prestissimo)

John Dowland (1563 – 1626)
“Awake sweet love“
für Sopran, Violine und B.c.

Tierisch Barock – das doppeldeutige titelgebende Wortspiel hält Wort: Eine Musik voller Tierstimmen und voller barocker Ästhetik und Faszination.

Nel Dolce nähert sich dem Themenfeld »Mensch, Tier und Musik« durch eine facettenreiche Auswahl an ausgelassenen und humorvollen Kompositionen des Früh- und Hochbarock, die höchst unterschiedliche Wege der musikalischen Beschäftigung mit der Tierwelt aufzeigen. Und da begegnen die Musikern zahlreichen Tieren, z.B. einem Pelikan, Hühnern, Wachteln, hinkenden Pferdchen, einer Schildkröte, einer Tarantel…

Seien Sie gefasst auf ein musikalisches Erlebnis voller Spaß und Überraschungen!

Das besondere Anliegen des Ensembles, die Musik des 17. und 18. Jahrhunderts in der heutigen Zeit wieder lebendig werden zu lassen, äußert sich sowohl in der Interpretation der Werke als auch in innovativen Aufführungskonzepten.

Das Tschechische Nonett ist eines der ältesten Kammerensembles weltweit. Gegründet wurde es im Jahre 1924 von Schülern des Prager Konservatoriums und wurde innerhalb von kurzer Zeit zu einem bedeutenden Klangkörper mit klassischem Repertoire und in vielerlei Hinsicht bahnbrechend für neue Musik. Das Tschechische Nonett hat durch seine Interpretationen und der originellen Instrumentalbesetzung viele bekannte zeitgenössische Komponisten zu neuen Kompositionen inspiriert, genannt seien an dieser Stelle Prokofjew, Lutosławski, Martinů.

Die spezifische Instrumentalbesetzung (Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass und Blaserquintett) bietet eine fast unerschöpfliche Skala an Farbkombinationen mit dem vollen Klang eines Kammerorchesters. Dadurch ist es möglich, Kompositionen vom Barock bis zur Gegenwart ins Repertoire aufzunehmen, welches besonders breit und vielfältig ist.
Das Tschechische Nonett stellte sich bereits auf zahlreichen internationalen Musikfestivals vor: den Salzburger Festspielen, Edinburgh International Festival, Montreux, Schleswig-Holstein Musik Festival, den Festivals La Folle journée de Nantes, Festival de Música de Canarias, Prager Frühling und anderen.
Es absolvierte viele Konzerttourneen durch europäische Länder (Deutschland, Österreich, Großbritannien, Holland, Spanien, Italien, Frankreich), weiter durch Länder Nord- und Südamerikas, Japan und Afrika und trat ebenfalls auf bedeutenden internationalen Konzertbühnen auf: Wiener Musikverein, Montreaux Auditorium Strawinski, München Herkulessaal, Auditorio de Zaragoza, Lyon Auditorium, Washington Library of Congress, Playhouse Vancouver, Dvorak-Saal des Prager Rudolfinums usw.
Die umfangreiche Diskographie des Tschechischen Nonetts umfasst fünfundvierzig Langspielplatten und CD’s der Firmen Supraphon, Panton und Harmonia Mundi. Für die Aufnahmen für die französische Edition Praga Digital’s mit dem internationalen Vertriebsnetz Harmonia Mundi, mit dem das Tschechische Nonett im Jahre 1995 einen Exklusivertrag abgeschlossen hat, erhielt das Ensemble eine ganze Reihe wichtiger Preise. Die Aufnahme des Nonetts mit Werken von Bohuslav Martinů erhielt 1996 von der bekannten Rezensionszeitschrift Répertoire höchste Ehren – den Preis 10 du Répertoire, und im Jahre 2003 gewannen die Aufnahmen Beethovenscher Kompositionen den Preis Choc du Monde de la Musique. Für Praga Digital’s hat das Tschechische Nonett auch Kompositionen von Brahms, Mozart, Roussel, Prokofjew, Spohr, Dvorak u. a. eingespielt.

Louis Spohr (1784 – 1859)
Grand Nonett op. 31
Allegro Scherzo. Allegro – Trio I / II Adagio Finale. Vivace

– Pause –

Antonín Dvořák (1841 – 1904)
Serenade D Moll op. 44
Moderato, quasi marcia Minuetto. Tempo di minuetto – Trio. Presto Andante con moto Finale. Allegro molto

Der in Braunschweig geborene Geigenvirtuose Louis Spohr zählt zu jenen Komponisten des 19. Jahrhunderts, deren Ruhm heute verblasst ist. Seine Kammermusik und Opern, die die frühe Romantik prägten, werden heute kaum noch aufgeführt. Dabei wurden seine Werke damals häufig mit großem Erfolg gespielt. Der fast zwei Meter große, hühnenhafte Geiger war der deutsche Antipode Paganinis, der ihn respektvoll den „vorzüglichsten Sänger“ auf seinem Instrument nannte. Als Dirigent war Spohr einer der ersten, die sich mit dem Taktstock vor das Orchester stellten. Er war Opernkapellmeister am Theater an der Wien, in Frankfurt und in Kassel, wo er für mehr als 30 Jahre wirkte. Der Komponist gehörte zu einer Generation, die noch stark von Haydn und Mozart geprägt war und von diesen ausgehend allmählich zu einem neuen Stil gelangte.

Im Nonett gibt es mehr als einen Hinweis auf diese Tradition. Wenig originell sind seine Themen, neuartig und auch heute noch faszinierend dagegen seine Harmonik und Klangfarben. Der Beginn des Adagios in tiefer Streicherlage verweist auf ähnliche Anfänge bei Schubert, Mendelssohn und Brahms. Hier fand Spohr zu einem neuen Ton, den auch nachfolgende Romantiker aufgriffen. Unumstritten ist auch die satztechnische Meisterschaft seines Werks, das bis heute als das Nonett schlechthin gilt. Jedes Instrument ist solistisch und zugleich als Stimme im Ensemble behandelt.

Die Serenade d-moll op. 44 von Antonin Dvorák, original besetzt für 10 Bläser, Violoncello und Kontrabass, wurde 1878 geschrieben und am 17. November uraufgeführt. Es ist das zweite Werk des Komponisten innerhalb dieser Gattung. Bereits 1875 entstand die ‚Serenade E-Dur op. 22‘ für Streichorchester. Auch hier mag das klassische Vorbild Mozarts und der damit zusammenhängenden ‚Serenaden-Tradition‘ als Vorbild gedient haben, in Opus 44 gibt es erstaunliche Parallelen im Sinne von Reminiszenzen, die Dvorák mit äußerstem handwerklichem Geschick und beeindruckender Stilsicherheit in ein neues klangliches Gewand überträgt: „eine souveräne Stilisierung ‚im klassischen Stil‘. Tschechische Volkstöne hauchen dem Menuett und Andante neues Leben ein, während die Themen so berstend komisch oder sentimental gefühlig charakterisiert sind, dass eine Art Musik ‚über die Wiener Klassik‘ entsteht.“ (Kammermusikführer der Villa Musica RLP).

Das in Zürich beheimatete Trio Oreade erweckt mit seinem spannenden Spiel die Meisterwerke der Wiener Klassik ebenso zum Leben wie die virtuose Musik der frühen Moderne und der Neuzeit.  Das Ensemble wurde beim Internationalen Wettbewerb für Streichtrio in München 2012 mit dem 1. Preis ausgezeichnet. Weitere 1. Preise gewann es 2014 beim Wettbewerb der August-Pickhard-Stiftung Basel und 2001 beim Kiwanis-Wettbewerb Zürich.

Das Trio Oreade studierte von 2013-2015 bei Rainer Schmidt (Hagen-Quartett) in Basel. Weitere wichtige künstlerische Impulse bekam das Ensemble u.a. von Ferenc Rados, Heinrich Schiff und Giovanni Antonini.

Seit 2017 konnte das Trio dank der Stradivari-Stiftung Habisreutinger auf drei wertvollen, ca. 300 Jahre alten Instrumenten von Antonio Stradivari spielen. Die Bratsche Gibson, das Cello De Kermadec-Bläss und die Geige King George. Bratsche und Cello sind inzwischen „weitergezogen“, die Geige King George leiht dem Trio immer noch ihren unvergleichlichen Klang.

Im Dezember 2018 erfüllten sich die drei Musikerinnen einen Traum und nahmen mit den drei Stradivaris ihre zweite CD mit Mozarts Divertimento KV 563 beim Label Ars-Produktion auf.

„… ein eingeschworenes Team, das die Leichtigkeit des Tonfalls, die intelligente Heiterkeit von Mozarts Erfindungsgabe hervorragend umsetzt, ohne die plötzlichen Stimmungsumschwünge ins Melancholische zu überspielen…“ (M. Roth, Das Orchester, 12/19)

„…präzise gestaltet in jedem Detail, ausgefeilt, vibrierend, hochkonzentriert, gespannt“ (E. Weber, 8/19 concerti.de)

„Tanzende Klänge“, das aktuelle Programm des Trio Oreade, das in die Beine fährt.

Warum tanzte Ludwig der XIV. gerne zwölf Menuette hintereinander?  Warum vergleicht ein Musiklehrer zu Mozarts Zeiten das Menuett seines Schülers mit einer Füllung Pfeifentabak? Wussten Sie, dass Mozarts erste Komposition als 4-jähriger ein Menuett war? Kennen Sie den Tanz, der in Wien so viel getanzt wird und direkter Nachfahre des Menuetts ist? Lebt das Menuett noch heute?

Diese und andere Fragen beantworten wir Ihnen auf unserer gemeinsamen musikalischen Reise durch drei Jahrhunderte.  Sie werden vom Drama – und dem Witz – der in diesem kleinen Tanz stecken kann, begeistert sein.

Nach dem leichtfüßigen Pariser Charme von Jean Françaix’ Streichtrio setzen wir über nach Buenos Aires, und spielen die bekannten Tangos „Winter“ und „Frühling“ aus den Vier Jahreszeiten von Astor Piazzolla, der im Jahr 2021 einhundert Jahre alt geworden wäre.

Der Auftritt des deutsch-schweizerischen Ensembles war schon für den 22. März 2020 vorgesehen. Es war dies das erste Jülicher Schlosskonzert, wir wegen der gerade beginnenden Corona-Pandemie absagen mussten…

(Die Bratschistin Ursula Sarntheim moderiert..)

Jean Philipp Rameau (1683-1764)
Premier Menuet de Castor et Pollux (1737)
(Arr. U.Sarnthein)

Florian Leopold Gassmann (1729-1774)
Menuett aus Divertimento C-Dur 2´

Franz Schubert (1797-1828)
aus Streichtrio D 581 (1817)
3. Satz Menuett 

Ludwig van Beethoven  (1770-1828)
Streichtrio op. 3 Es-Dur, Menuett
Streichtrio op. 9/3 c-moll, Scherzo (1797)

Volkmar Andreae (1879-1962)
II: Allegretto:  Streichtrio d-moll op. 29 (1917)

Johann „Zwickerl“ Mayer
„Schnofler Tanz“  Wiener Musik (1845)
(Arr. U.Sarnthein)

György Kurtág (*1926)
Pizzicato-Walzer

2. Teil: 

Jean Françaix (1912-1997)
Trio à Cordes (1933)
I. Allegretto vivo
II. Scherzo
III.  Andante
IV. Rondo. Vivo

Astor Piazzolla (1921-1992)
Invierno Porteño (Winter in Buenos Aires)
(Arr. T.Mifune/U.Sarnthein)
Primavera Porteña (Frühling in Buenos Aires)
(Arr. T.Mifune)

Die drei „Versuche” für Klaviertrio sind seit ihrer Uraufführung Anfang der 1980er Jahre Klassiker der neuen Kammermusik geworden. Wolfgang Rihm ist sich der „Fremdheit” seiner kammermusikalischen „Szenen” völlig bewusst – insbesondere der des zweiten Trios, das den Titel „Charakterstück” trägt und an Schumann gemahnt. Der Komponist warnt: „Die fremde Zunge spricht Eigenstes, kein Ton ist zitiert, in den ‚Ton‘ wird gefallen, gestürzt.” – Schon im ersten Trio scheint die Geschichte der Gattung hinter einem Schleier präsent zu sein, mit typisch Rihm’schen Gesten, mit seiner Impulsivität, mit den charakteristischen obsessiven Repetitionen, den nachdenklichen, meditativen Momenten. Das „Charakterstück” ist voll mit Überraschungen, der Komponist lädt den Hörer auf eine surreale Reise ein. Der Anfang des dritten Trios ist fragmentarisch, verträumt, mit Pausen zwischen den Fragmenten. Die Tradition scheint in den Hintergrund getreten zu sein. Nach etwa drei Minuten jedoch kehrt sie zurück, diesmal mit Beethoven’schen und vielleicht Brahms’schen Gesten und Quasi-Zitaten. Im Laufe des Werks wird die Musik sozusagen „verrückt”, Rihm scheint mit der Tradition zu spielen, lenkt die Musik in Bahnen, die überraschen und faszinieren. (Bálint Varga)

Robert Schumanns Trio d-moll (1847) war ein Geburtstagsgeschenk für seine Frau Clara. Der erste Satz ist von düsterer Dramatik geprägt. Leidenschaftlich, doch noch verhalten drängt sich das Thema in der Violine empor. Rhythmische Motive werden zusammen mit dem melodischen Thema der Durchführung verarbeitet, bis eine Überleitung zu einer völlig neuen Szenerie führt: ein geisterhaft wirkendes Motiv, von den Streichern „sul ponticello“ gespielt, gläsern hell vom Klavier begleitet. Es ist die Ruhe vor dem Sturm der Reprise und der dramatischen Coda. Das Scherzo wirkt skurril. Unruhe und Spannung herrschen in dem lebhaften, punktierten Galopp-Thema, in dem Klavier und Streicher einander nachjagen. Der langsame Satz ist ein versteckter Variations-Satz, in dem die kühne, fast modern anmutende Harmonik und Rhythmik erschütterndes Zeugnis ablegen von Schumanns innerer Zerrissenheit und Schwermut. Diese düstere Stimmung wird im unmittelbar anschließenden jubelnden Schluss-Satz hinweggefegt.

Franz Schuberts B-Dur-Trio op. 99 gehört zu den bedeutendsten Werken der Klaviertrio-Literatur. Schon für Robert Schumann gingen die beiden späten Klaviertrios von Schubert “wie eine zürnende Himmelserscheinung” über das damalige Musiktreiben hin.

Es wechselt zwischen Energie (gleich zu Beginn) und melodischer Lyrik (im Andante), zwischen lockerer Heiterkeit (Scherzo) und wienerischem Charme (Finale). Dass Schubert im Spätwerk gerade im Formalen bewusst eigene Wege ging, wird in diesem Werk besonders deutlich. So hat er seine eigene Frage, wer nach Beethoven noch etwas zu schaffen vermöge, mit diesem Werk selber beantwortet: in der formalen Vielfalt, der Andersartigkeit der Themengestaltung und deren Verarbeitung, d.h. in der oft bewussten Abkehr von übermächtigen Vorbildern. Das Andante ist dem Et Incarnatus der wenig später komponierten Es-Dur-Messe verwandt, dessen zauberhaftes Thema vom Cello an die Violine und dann ans Klavier weitergereicht wird.

Das Scherzo wirkt anfangs recht einfach, entwickelt sich aber zu einem fast ruppigen Stück voller Überraschungen. Das Finale sprengt, wie beim späten Schubert üblich, die Rondoform allein schon durch seine Dimensionen. Doch die Wiederkehr des Rondo-Themas bleibt für den Satz bestimmend. Es faszinieren hier vor allem die wechselnden Rhythmen (punktiert, Triolen, Sechzehntel) und die Klangfarben, die von zart schwebenden Klängen bis zu massiven Forte-Stellen ein ungewöhnlich großes Spektrum abdecken.

Nur fünfmal in der Geschichte des ARD-Wettbewerbs vergab die Jury bisher einen ersten Preis für Klaviertrios. 2018 erspielte sich das AOI-Trio diese begehrte Auszeichnung und legte damit einen atemberaubenden Start seiner internationalen Karriere hin.

Gegründet wurde das AOI-Trio 2016 an der Musikhochschule Tokio und absolvierte die renommierte Kammermusik-Akademie der Suntory Hall, des wichtigsten Konzerthauses des Landes. In der Saison 2019-2020 tourte das AOI-Trio mit insgesamt 21 Konzerten in Japan, unter anderem in so wichtigen Veranstaltungsorten wie der Suntory Hall, der Kioi Hall, der Tokyo Opera City Concert Hall und der Toppan Hall. In Europa traten sie in Städten und bei Festivals wie München (Herkulessaal), Bayreuth, Baden-Baden, Köln, Die Festspiele MecklenburgVorpommern und den Musiktagen Hitzacker auf. Zu den Höhepunkten der Saison 2020-21 gehören Konzerte in der Laeiszhalle Hamburg, im Musikverein Regensburg und an zahlreichen Veranstaltungsorten in Japan (Phoenix Hall, Biwako Hall und andere) sowie eine Zusammenarbeit mit dem Sapporo Symphony Orchestra und Matthias Bamert für Beethovens Tripelkonzert.

Das AOI-Trio hat zwei CDs mit den Titeln „Haydn Nr. 27 und Schubert Nr. 2“ und „Beethoven Nr. 1 und Mendelssohn Nr. 2“ aufgenommen, die in verschiedenen Musikmedien große Aufmerksamkeit erregt haben. Sie erhielten den Aoyama Music Award und den Nippon Steel Music Award. Der Name „AOI“ setzt sich aus den Anfangsbuchstaben ihrer Familiennamen Akimoto, Ogawa und Ito zusammen und ist auch der Name einer Blume im Japanischen, in Europa allgemein als „Stockmalve“ bekannt, was „Hoffnung“ oder „Fruchtbarkeit“ symbolisiert.

Seit 2019 studieren die drei Musiker an der Musikhochschule in München bei Dirk Mommertz vom Fauré Quartett. www.aoitrio.com

Wolfgang Rihm (*1952)
Fremde Szenen III

Robert Schumann (1810 – 1856)
Klaviertrio Nr.1 d-moll Op.63
Mit Energie und Leidenschaft
Lebhaft, doch nicht zu rasch
Langsam mit inniger Empfindung
Mit Feuer

– Pause –

Franz Schubert (1797 – 1828)
Klaviertrio Nr.1 B-Dur D. 898

Allegro moderato
Andante un poco mosso
Scherzo. Allegro – Trio
Rondo: Allegro vivace

Das umjubelte Trio bedankte sich mit dem zweiten Satz aus dem Klaviertrio Nr. 3 von Antonin Dvorak..

Die drei „Versuche” für Klaviertrio sind seit ihrer Uraufführung Anfang der 1980er Jahre Klassiker der neuen Kammermusik geworden. Wolfgang Rihm ist sich der „Fremdheit” seiner kammermusikalischen „Szenen” völlig bewusst – insbesondere der des zweiten Trios, das den Titel „Charakterstück” trägt und an Schumann gemahnt. Der Komponist warnt: „Die fremde Zunge spricht Eigenstes, kein Ton ist zitiert, in den ‚Ton‘ wird gefallen, gestürzt.” – Schon im ersten Trio scheint die Geschichte der Gattung hinter einem Schleier präsent zu sein, mit typisch Rihm’schen Gesten, mit seiner Impulsivität, mit den charakteristischen obsessiven Repetitionen, den nachdenklichen, meditativen Momenten. Das „Charakterstück” ist voll mit Überraschungen, der Komponist lädt den Hörer auf eine surreale Reise ein. Der Anfang des dritten Trios ist fragmentarisch, verträumt, mit Pausen zwischen den Fragmenten. Die Tradition scheint in den Hintergrund getreten zu sein. Nach etwa drei Minuten jedoch kehrt sie zurück, diesmal mit Beethoven’schen und vielleicht Brahms’schen Gesten und Quasi-Zitaten. Im Laufe des Werks wird die Musik sozusagen „verrückt”, Rihm scheint mit der Tradition zu spielen, lenkt die Musik in Bahnen, die überraschen und faszinieren. (Bálint Varga)

Robert Schumanns Trio d-moll (1847) war ein Geburtstagsgeschenk für seine Frau Clara. Der erste Satz ist von düsterer Dramatik geprägt. Leidenschaftlich, doch noch verhalten drängt sich das Thema in der Violine empor. Rhythmische Motive werden zusammen mit dem melodischen Thema der Durchführung verarbeitet, bis eine Überleitung zu einer völlig neuen Szenerie führt: ein geisterhaft wirkendes Motiv, von den Streichern „sul ponticello“ gespielt, gläsern hell vom Klavier begleitet. Es ist die Ruhe vor dem Sturm der Reprise und der dramatischen Coda. Das Scherzo wirkt skurril. Unruhe und Spannung herrschen in dem lebhaften, punktierten Galopp-Thema, in dem Klavier und Streicher einander nachjagen. Der langsame Satz ist ein versteckter Variations-Satz, in dem die kühne, fast modern anmutende Harmonik und Rhythmik erschütterndes Zeugnis ablegen von Schumanns innerer Zerrissenheit und Schwermut. Diese düstere Stimmung wird im unmittelbar anschließenden jubelnden Schluss-Satz hinweggefegt.

Franz Schuberts B-Dur-Trio op. 99 gehört zu den bedeutendsten Werken der Klaviertrio-Literatur. Schon für Robert Schumann gingen die beiden späten Klaviertrios von Schubert “wie eine zürnende Himmelserscheinung” über das damalige Musiktreiben hin.

Es wechselt zwischen Energie (gleich zu Beginn) und melodischer Lyrik (im Andante), zwischen lockerer Heiterkeit (Scherzo) und wienerischem Charme (Finale). Dass Schubert im Spätwerk gerade im Formalen bewusst eigene Wege ging, wird in diesem Werk besonders deutlich. So hat er seine eigene Frage, wer nach Beethoven noch etwas zu schaffen vermöge, mit diesem Werk selber beantwortet: in der formalen Vielfalt, der Andersartigkeit der Themengestaltung und deren Verarbeitung, d.h. in der oft bewussten Abkehr von übermächtigen Vorbildern. Das Andante ist dem Et Incarnatus der wenig später komponierten Es-Dur-Messe verwandt, dessen zauberhaftes Thema vom Cello an die Violine und dann ans Klavier weitergereicht wird.

Das Scherzo wirkt anfangs recht einfach, entwickelt sich aber zu einem fast ruppigen Stück voller Überraschungen. Das Finale sprengt, wie beim späten Schubert üblich, die Rondoform allein schon durch seine Dimensionen. Doch die Wiederkehr des Rondo-Themas bleibt für den Satz bestimmend. Es faszinieren hier vor allem die wechselnden Rhythmen (punktiert, Triolen, Sechzehntel) und die Klangfarben, die von zart schwebenden Klängen bis zu massiven Forte-Stellen ein ungewöhnlich großes Spektrum abdecken.

Vier Marimbas sind schon optisch eine beeindruckende Erscheinung.¹ Wenn Katarzyna Mycka und ihre Kollegen Slawomir Mścisz, Conrado Moya und Filip Mercep zu den Schlägeln greifen, werden die Zuhörer in neue Klangwelten entführt. Die wandernden Klänge, pulsierende Rhythmen, perlende Arpeggien und rasante Passagen entlocken dem Publikum in jedem Alter einen stürmischen Applaus! 

Die Kritik hat der international renommierten Marimba-Virtuosin und Kammermusikerin Katarzyna Myćka den Beinamen „Die mit den Schlägeln tanzt“ verliehen: „Höchste Geläufigkeit“, „perfekte Anschlagstechnik“ und eine „traumhafte rhythmische Präzision“ seien charakteristisch für die Musikerin, die auf ihrer Konzertmarimba mit den 60 schmalen Holzplatten und Resonanzrohren aus Metall bis zu sechs Töne gleichzeitig zum Klingen bringt.

Dem relativ selten zu hörenden Solo-Instrument Marimba attestiert die Fachwelt unter den wirbelnden Schlägeln der Stuttgarterin mit polnischen Wurzeln „außergewöhnlichen Klangfarbenreichtum“ und „eine faszinierend breite Palette musikalischer Wirkungen“. Das Publikum begeistert auch die artistische Anmut und tänzerische Energie ihres Spiels.

Nach einer Klavier- und Schlagzeugausbildung entdeckte die 1972 geborene Künstlerin während des Studiums an den Musikhochschulen Gdansk, Stuttgart und Salzburg die Marimba als ihr „ideales Medium für die musikalische Aussage“. Seit dem Wintersemester 2018/19 lehrt Katarzyna Myćka selbst als Professorin an die Musikakademie ihrer Heimatstadt Gdansk (Danzig).

Von Anfang an erhielt die Musikerin zahlreiche Preise und Auszeichnungen bei internationalen Musikwettbewerben: 1995 Sieg und Publikumspreis bei der „International Percussion Competition Luxembourg für Marimba Solo“, ein Jahr später der erste Platz bei der „First World Marimba Competition Stuttgart“. Dann kamen Stipendien und Einladungen zu Meisterkursen in den USA, Asien und Europa. Die Pionierin ihres noch jungen Instruments trat bei den wichtigsten Marimba-Festivals (Osaka 1998, Linz 2004, Minneapolis 2010) auf und ist in Europa, China und Südamerika regelmäßig als Solistin bei renommierten Orchestern zu Gast, darunter die Stuttgarter und Bochumer Philharmoniker, die Polnische Kammerphilharmonie und das RSO Luxemburg.

In ihrer heutigen Gestalt existiert die große Konzertmarimba erst seit Mitte der 1980er Jahre. Katarzyna Myćka, 1999 von der „Polish Percussive Arts Society“ als „Botschafterin der polnischen Schlagzeugkunst“ ausgezeichnet, fördert deren Popularisierung mit Nachdruck. Dazu gehören ihr Engagement für die Ausbildung des Nachwuchs und die Juryteilnahme bei internationalen Wettbewerben, insbesondere aber ihre bereits 2003 gegründete „Internationale Katarzyna Myćka Marimba Akademie“ (IKMMA).

In den vielseitigen Soloprogrammen der Künstlerin erklingen Transkriptionen der Werke Johann Sebastian Bachs oder Sergej Prokofjews, aber auch Originalkompositionen junger Komponistinnen und Komponisten wie Emmanuel Séjourné oder Anna Ignatowicz. Auf inzwischen neun CDs hat sie einen Querschnitt ihres Repertoires eingespielt. Der Zusammenarbeit mit Komponistinnen und Komponisten, die den speziellen wunderbaren Klang der Marimba erforschen und verstehen, widmet sie viel Zeit und Enthusiasmus. „Dabei ist musikalische Vertrauen oberstes Gebot“, bilanziert Katarzyna Myćka.

 

¹⁾ Frau Myćka hatte sich kurzfristig entschlossen, „aus organisatorischen Gründen“ nur zwei Marimbas nach Jülich mitzubringen und ihr Programm kurzerhand an die neue Besetzung angepasst..

Edward Grieg
Suite aus Holbergs Zeit

Präludium (Allegro vivace)

Sarabande (Andante)

Gavotte (Allegretto)

Air (Andante religioso)

Rigaudon (Allegro con brio)

Alejandro Viñao
Spanish Groove

​Rüdiger Pawassar
Yeh gangga

Krzysztof Falkowski
Burning Bars

– Pause –

Camille Saint-Saens
Karneval der Tiere
(Arr.: Peter Klemke – Text und Sprecherin: Susanne Trinkaus)

1. Einzugsmarsch des Löwen
2. Die Hühner
3. Die wilden Tiere
4. Die Schildkröten
5. Der Elephant
6. Die Kängurus
7. Das Aquarium
8. Persönlichkeiten mit langen Ohren
9. Der Kuckuck im tiefen Wald
10. Die Volière
11. Die Marimba-Spieler
12. Die Fossilien
13. Der Schwan
14. Finale

Edward Grieg (1843 – 1907) komponierte die Suite „Aus Holbergs Zeit“ anlässlich des Jubiläums zum 200. Geburtstag des dänisch-norwegischen Dichters Ludvig Holberg im Jahr 1884. Formal ist der Stil der Musik den typischen höfischen Tanz- und Liedformen des frühen 18. Jahrhunderts, also zu Lebzeiten Holbergs, nachempfunden, während die melodisch-harmonischen Anleihen in einem deutlich neoklassizistischen Stil (oder anders ausgedrückt in einem „romantischen“ Blick auf die Musik der Klassik) gehalten sind.

Alejandro Viñao (*1951) ist ein argentinischer Komponist, der jetzt in London lebt. Er hat eine Reihe von Stücken für Orchester- und Kammermusik geschrieben, für den Konzertsaal, die Oper und Film- und Popmusik. Sein „Spanish Groove“ gehört zu einer Anzahl von Stücken für die Solo-Marimba.

Rüdiger Pawassar ist seit 1990 Solo-Schlagzeuger am Staatstheater Kassel und wurde bekannt durch seine weltweit aufgeführten Kompositionen für Marimba-Quartett. Sein jüngstes Werk für vier Spieler auf zwei Marimbas trägt den Titel „Yeh Gangga“, benannt nach einem Dorf nahe der Südwestküste Balis. Die großen Wellen vor dem abgelegenen Strand, die Landschaft und die balinesische Gamelan-Musik lieferten Inspiration für das Werk.

Burning bars ist eine Komposition von Krzysztof Falkowski aus dem Jahr 2017 für vier Perkussionisten, die zusammen an einer großen Marimba spielen. Dieses Werk voller Energie ist inspiriert von den Komponisten Emmanuel Sejourne, Ney Rosauro und auch Astor Piazolla. Es bewegt sich zwischen Kunst- und Volksmusik. Die Komposition verlangt äußerstes Können und Präzision der Künstler. Der Titel assoziiert eine allmähliche Verdichtung der Noten in großer Dynamik. Man könnte sich Balken vorstellen, die kurz davor sind, zu brennen. Dann beruhigt sich die Musik für einen Moment, um nach einer Weile mit dem gleichen Effekt noch einmal zu beginnen.

Der Karneval der Tiere von Camille Saint-Saens (1835 – 1921) ist eine Suite für Kammerorchester in vierzehn kleinen Sätzen, die lautmalerisch und ironisch verschiedene Tiere darstellen. Der Komponist hat sein Werk  an einem Karnevals-Dienstag aufführen lassen, es aber aus Sorge um seinen Ruf zu seinen Lebzeiten nicht zur Veröffentlichung freigegeben. Heute ist es eins sehr bekanntesten Werke. Die vier Spieler an zwei Marimbas stellen in der Bearbeitung von Peter Klemke das Orchester dar – inklusive der beiden Pianisten, die Saint-Saens ein wenig boshaft in die Darstellung der Tiere eingereiht hat. Üblicherweise werden die einzelnen Sätze von einem Erzähler eingeleitet. Der berühmteste Text stammt von Loriot. Da es sehr kompliziert war, die Aufführungsrechte für den heutigen Abend  zu erwerben, hat sich Susanne Trinkaus den Spaß gemacht, selber einen Text zu schreiben und sich bereit erklärt, ihn auch zu sprechen.

Michael Rische zählt nicht erst seit den Aufnahmen der Klavierkonzerte von Carl Philipp Emanuel Bach zu der kleinen Gruppe von Musikern, die konsequent mit maßgeblichen Entdeckungen das Musikleben bereichern. Schon die Einspielung der sieben jazz-beeinflussten Klavierkonzerte der 20er Jahre von Antheil, Gershwin, Copland, Schulhoff, Ravel und Honegger hatte in den USA, Europa und Japan für ein begeistertes Echo in den Medien gesorgt.

Dabei müssen Entdeckungen einerseits und Standard-Repertoire andererseits nicht unbedingt einen Widerspruch bedeuten. Denn mit den Interpretationen der Klavierkonzerte von Beethoven (Nr. 3 c-moll) und Mozart (Nr. 20 d-moll) ist der Pianist auch hier einen ungewöhnlichen Weg gegangen: Es sind die einzigen Aufnahmen, die dem Hörer die Wahl zwischen Kadenzen aus verschiedenen Epochen bieten.

Michael Rische studierte in Düsseldorf bei Max Martin Stein (Klavier) und bei Milko Kelemen (Komposition). Folgenreiche Anregungen kamen von Pierre Boulez und Nicolaus Harnoncourt. Seine Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Sylvain Cambreling, Yuri Simonow, Christoph Poppen, Grant Llewellyn, Michael Boder, Wayne Marshall, und Orchestern wie der Staatskapelle Berlin, dem WDR Sinfonieorchester Köln, dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, dem Orchestre National de Belgique, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, den Bamberger Symphonikern und dem BBC Symphony Orchestra London hat ihm die Konzertsäle in vielen Ländern geöffnet. Michael Rische war „artist-in-residence“ des Jahres 2007 beim Internationalen Kurt-Weill-Festival in Dessau.

Mehr als 20 CDs bei den Weltlabels EMI, Universal, Sony und Hänssler geben über sein Repertoire Auskunft. Die beiden aktuellen Einspielungen entstanden zusammen mit den Berliner Barock-Solisten, dem Kammerorchester der Berliner Philharmoniker. Alexander Kluge hat für sein Kulturmagazin drei Fernseh-Dokumentationen über ihn gedreht.

Neben seiner solistischen Tätigkeit lehrt Michael Rische als Professor an der Musikhochschule Köln. Auch in den neuen Medien findet seine Arbeit ihren Niederschlag. So hat z.B. der weltgrößte Streaming-Dienst Spotify für das Concerto Wq. 44 von CPE Bach knapp sechs Millionen Hörer verzeichnet.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 (1723)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Adagio h-moll, KV 540 (1788)

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sonate Nr. 14 cis-moll, op. 27,2 „Mondschein“ (1801)
Adagio sostenuto – Allegretto – Presto agitato

Claude Debussy (1862-1918)
Images I (1904)
Reflets dans l‘eau – Hommage à Rameau – Mouvement

Pour le piano (1901)
Prélude – Sarabande – Toccata

Johann Sebastian Bach – der einzige Komponist, dessen Name ausschließlich aus „Tönen“ besteht – hat sich nicht erst in seinem letzten (und unvollendeten) Werk, dem Contrapunctus XIX aus der „Kunst der Fuge“, mit der musikalischen Ausdeutung der vier Buchstaben „B-A-C-H“ befaßt. Es finden sich schon im Jahre 1717 Praeludium und Fuge über den Namen Bach (BWV 898) für Klavier, später ein Contrapunctus alla Decima über B-A-C-H (BWV Anh. 109). Bach ist sich also schon früh der musikalischen Symbolik seines Namens bewusst, wie uns der mit Bach befreundete Johann Gottlieb Walther in seinem Musiklexikon  aus dem Jahre 1732 versichert.

Die berühmte Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 muss man auch zur Gruppe dieser Kompositionen zählen: Der Beginn des Fugenthemas (a-b-h-c) ist nämlich auf das engste mit „b-a-c-h“ verwandt, da er durch eine Spiegelung an der Mitte der Tongruppe entstanden ist. Das vermutlich 1723 entstandene Werk hat durch seine kühne melodische Diktion und seinen bis dahin nicht gekannten harmonischen Reichtum einst die Zeitgenossen irritiert. Recht schnell wurde daraus aber eine Bewunderung, die bis heute anhält.

 

Das allein stehende Adagio h-moll gehört zu den ewigen Werten, die Wolfgang Amadeus Mozart uns für Soloklavier geschenkt hat. An nur einem Tag geschrieben, dem 19. März 1788, offenbart der Komponist eine fast zerbrechliche Melancholie aber auch einen untrüglichen Sinn für harmonische Vieldeutigkeiten.

Über die Mondschein-Sonate braucht man kaum Worte zu verlieren, ist sie doch die bekannteste Sonate der Musikgeschichte. Vielleicht nur soviel: Der atmosphärische Titel stammt nicht von Ludwig van Beethoven, sondern von dem Dichter Ludwig Rellstab. Die Überlieferung berichtet vielmehr, Beethoven habe das Adagio am Totenbett eines Freundes improvisiert. Schon zu Lebzeiten des Komponisten war diese Sonate außerordentlich beliebt, und daran wird sich – nach menschlichem Ermessen – auch in Zukunft nichts ändern.

Nach dem Ereignis des Prélude à l’après-midi d’un faune ging Claude Debussy daran, die neu entdeckten Klangwelten auch für das Klavier zu erobern. Seinen ersten Meilenstein in diese Richtung stellt die dreisätzige Suite Pour le piano dar. Satzbezeichnungen, die uns aus den Bach-Suiten vertraut sind, erfüllt eine neue Vitalität; die motorische Energie von Prélude und Toccata lässt da keinen Zweifel aufkommen. Dabei sollte man nicht vergessen, dass Debussy selbst ein Pianist mit einer viel gerühmten Anschlagskultur war – und damit der Fähigkeit zur feinsten Abstufung. Von der hermetischen Sarabande führt ein direkter Weg zum meditativen Hommage à Rameau, das im Stile einer Sarabande auszuführen ist. Der poetische Zauber der Images überträgt sich unmittelbar auf den Hörer, der wiederum dem Komponisten auf der Suche nach der Seele des Klaviertones folgt. (M. Rische)

Seinen bisher größten Erfolg verbuchte das Weimarer Bläserquintett 2006 mit einem 3. Preis beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München. 2010 unterstrich das Ensemble seine Qualität und wurde beim Deutschen Musikwettbewerb mit einem Stipendium der Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler ausgezeichnet.

Die fünf jungen Musiker Tomo Jäckle (Flöte), Frederike Timmermann (Oboe), Sebastian Lambertz (Klarinette), Stephan Schottstädt (Horn) und Jacob Karwath (Fagott) gaben bereits 2002 mit der Teilnahme am Bundeswettbewerb „Jugend musiziert“ ihr Debüt – und das mit hervorragendem Erfolg: Ihnen wurde ein 1. Preis mit Höchstpunktzahl zuerkannt. Die weitere intensive Zusammenarbeit ermöglichte es ihnen 2004 auch auf internationaler Ebene beim European Music Prize for Youth in Dubrovnik mit einem 1. Preis ausgezeichnet zu werden. Ferner würdigte die Jury auch das hervorragende Zusammenspiel mit dem Sonderpreis Special Prize for Best Performance. Im Jahr 2005 folgte ein 3. Preis beim Internationalen Kammermusikwettbewerb Interlaken.

Seither konzertiert das Ensemble auf bedeutenden Podien, dazu zählen Auftritte u. a. in der Kölner Philharmonie, der Tonhalle Düsseldorf, dem Konzerthaus Berlin, der Essener Philharmonie und dem Herkulessaal München. Darüber hinaus war das Quintett bereits bei zahlreichen Festivals und renommierten Kammermusikreihen wie dem Schleswig-Holstein-Musikfestival, dem Mecklenburg-Vorpommern-Musikfestival, dem Mozartfest Würzburg, dem Zermatt Festival – wo es u. a. gemeinsam mit dem Scharoun Ensemble Berlin konzertierte -, dem Marler Debüt und den Traunsteiner Sommerkonzerten zu Gast.

Die Konzerttätigkeit ergänzend arbeitete das Ensemble bei Rundfunkaufnahmen und Live-Mitschnitten über die Jahre regelmäßig mit den Anstalten des BR, SWR, WDR und MDR etc. zusammen und brachte 2012 seine Debüt-CD ‚Weimarer Bläserquintett – Ein Konzerterlebnis‘ heraus. Auch auf internationaler Ebene hinterlässt das Quintett seine Spuren. So folgten die fünf jungen Musiker bereits mehreren Einladungen des Goethe-Instituts bzw. des Auswärtigen Amts mit Konzerttourneen nach Indien, Südkorea und Rumänien. Überdies runden zwei Tourneen auf dem luxuriösesten Kreuzfahrtschiff der Welt – der MS Europa – sowie Konzerte z. B. beim Bundespräsidenten das exklusive Spektrum an Verpflichtungen ab.

Es ist dem Weimarer Bläserquintett ebenfalls eine Berufung, sein über Jahre der gemeinsamen Arbeit erworbenes Wissen an die folgenden Generationen weiter zu geben. So ergänzen die Musiker ihr Wirken um regelmäßig stattfindende Akademien, Kurse und Meisterklassen. Gefördert wird das Quintett von der Deutschen Stiftung Musikleben.

Nicht zuletzt bleibt der Auftritt des Quintetts am 18.9.2011 in Jülich zu erwähnen! Siehe auch das Archiv der Schlosskonzerte und die hervorragende Rezension!

Zur Besetzungsänderung: Sebastian Poyault wird den Part von Frederike Timmermann (Oboe) übernehmen, da sie unerwartet lange in Elternzeit bleiben muss. Sebastian Poyault ist Mitglied des „Acelga Bläserquintetts“ und ebenfalls ARD Preisträger.

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Divertimento B-Dur
Allegro con spirito, Chorale St. Antoni, Menuetto – Trio, Rondo. Allegretto

György Ligeti (1923 – 2006)
6 Bagatellen
Allegro con spirito, Rubato – Lamentoso, Allegro grazioso, Presto ruvido, Adagio. Mesto (Béla Bartók in memoriam), Molto vivace – Capriccioso

Anton Reicha (1770 – 1836)
Bläserquintett D-Dur op. 61 Nr. 3
Lento – Allegro assai
Adagio
Menuetto
Finale

—–

Franz Danzi (1763 – 1826)
Bläserquintett g-moll op 56 Nr. 2
Allegretto, Andante, Menuetto – Trio, Allegretto

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Oktett
Allegro, Andante, Menuetto. Allegro – Trio, Finale. Presto

Der berühmteste Satz des Divertimentos B-Dur von Joseph Haydn, das ursprünglich mit zwei Oboen, zwei Hörnern, drei Fagotten und Serpent besetzt war, ist der „Chorale St. Antoni“, den Brahms als Thema seiner Haydn-Variationen unsterblich machte. Eingebettet ist er in ein kurzes Allegro con spirito, ein Menuett mit Trio und ein Kehraus-Finale in Rondoform.

Viele deutsche Komponisten der Frühromantik sind aus der Mannheimer Schule hervorgegangen, so auch Franz Danzi. Nachdem er in Mannheim erste Kompositionen veröffentlicht hatte, wurde er später Hofkapellmeister in Stuttgart und Karlsruhe. Dort entwickelte er sich zu einem Vorreiter der deutschen Oper und zum Mentor Carl Maria von Webers. In seinen Instrumentalwerken ahmte er den Stil Mozarts nach, den er über alles bewunderte, ergänzte ihn allerdings mit den chromatischen Experimenten der Mannheimer Schule im Gefolge des Abbé Vogler und mit neuen Klangfarben. Das g-Moll-Quintett op. 56,2 ist viersätzig angelegt. Der Allegretto-Kopfsatz bewegt sich wirkungsvoll zwischen dem gespenstischen Notturno-Hauptthema, das an den Mozart des Don Giovanni denken lässt, und einem virtuosen Seitensatz voller kontrapunktischer Feinheiten. Der langsame Satz ist ein pastorales Andante. Eigenständiger wirken das Menuett mit seinen raffinierten Akzentverschiebungen und das Finale mit seinem italienisch anmutenden Thema über repetierten Achteln der Unterstimmen.

Der Ungar György Ligeti war einer der größten musikalischen Innovatoren des 20. Jahrhunderts. Seine Six Bagatelles für Bläserquintett sind stark von Bartók und Strawinsky beeinflusst. Das erste Stück enthält nur zwei Töne (samt Oktav-Transpositionen), das zweite drei usw., so dass das elfte Stück (eine monotone Fuge) alle zwölf Töne verwendet. In der Bearbeitung für Bläserquintett geht diese klare Ordnung zwar verloren, aber immer noch beruhen die einzelnen Sätze auf nur wenigen Tönen. Im Quintett fällt dies weniger auf als in der Originalfassung für Klavier, denn hier konnte Ligeti die Töne immer wieder in andere Instrumente und Oktavlagen versetzen. Zudem ändern die Musiker ständig ihre Klangfarben, der Flötist wechselt von der großen auf die kleine Flöte, das Piccolo usw. Auf diese Weise entstand aus den monochromen Klavierstücken der Musica ricercata eine vielfarbige Suite von überaus pfiffigen und fetzigen Bläserstücken.

 

Reicha wurde mit dem Vornamen “Antonin” 1770 in Prag geboren. Seinen Eltern, die für die Musik kein Verständnis hatten, lief er als Jugendlicher davon und wuchs in der Obhut seines Onkels Joseph Reicha zum Musiker heran. 1785 übersiedelte die Familie nach Bonn, wo Antonin nun “Anton” hieß und Beethoven kennen lernte. Zwei Jahrzehnte später trafen sich die Komponisten in Wien wieder, wo auch Reicha sein Glück versuchte, bis er sich während der Napoleonischen Kriege endgültig in Paris niederließ. Dort hatten seine Bläserquintette, mit denen er ein neues Genre schuf, außerordentlichen Erfolg.

Das Reizvolle dieser Stücke liegt darin, dass sie sich kompositorisch auf dem Niveau des klassischen Streichquartetts bewegen, vergleichbar etwa mit den Werken des frühen Beethovens oder mittleren Haydns, dafür aber die viel heikleren Bläserklangfarben benutzen. In unserem Beispiel, dem D-Dur-Quintett, op. 91,3, wandern die Themen von Stimme zu Stimme in so genannter “durchbrochener Arbeit”, wie man sie auch bei Beethoven findet.

 

Das Quintett Es-Dur op.103 hat Ludwig van Beethoven 1792 ursprünglich als Bläser-Oktett unter dem Titel „Parthia“ komponiert. Von A.W. Thayer wurde das Oktett in seiner Beethoven-Biografie enthusiastisch gefeiert: „Alles ist in eine Fülle von Wohllaut getaucht, der kaum beschrieben werden kann. Das führende Instrument ist meist die erste Oboe, mehrfach mit dem Fagott hübsch konzertierend; aber auch die Klarinette kommt zu ihrem Recht, und die Hörner machen ihre Wirkung ihrer Natur entsprechend geltend. Außer den Motiven und Figuren breiten namentlich die lang gehaltenen Töne der verschiedenen Instrumente einen leuchtenden Glanz über das Ganze. Sollte das Tafelmusik sein, so ist gewiss selten eine ähnliche geschrieben worden.“ Vier Jahre später arrangierte Beethoven selbst das Werk für Streichquintett und arbeitete es dabei grundlegend um. Aus der Parthia wurde das Gran Quintetto, Beethovens erstes Streichquintett.

Mit dem Gewinner des BANFF-Wettbewerbs 2019, dem Marmen Quartet aus London, hatten wir letztes Jahr ein Zusatzkonzert für unsere Abonnenten geplant für den 7. Juni 2020. Das Ensemble sollte uns damals entschädigen für die wegen der Corona-Pandemie ausgefallenen Konzerte im letzten Frühjahr. Doch es kam anders, und wir mussten erneut umdisponieren.

Als Gewinner der Bordeaux International String Quartet Competition 2019 tut sich das 2013 am Royal College of Music in London gegründete Marmen Quartet als einer der interessantesten jungen Vertreter der internationalen Kammermusikszene hervor. Das Marmen Quartet wurde mit dem 1. Preis des Internationalen Streichquartettwettbewerbs in Banff 2019 ausgezeichnet (geteilter erster Preis mit dem Viano String Quartet). Außerdem gewann das Quartett die Royal Over-Seas League Competition 2018 und den zweiten Preis sowie den Sonderpreis für die beste Interpretation eines zeitgenössischen Werks (Four Quarters von Thomas Adès) bei der 8. International Joseph Joachim Chamber Music Competition.

Das Marmen Quartet ist das Young Quartet in Residence am Wiltshire Music Centre und erhielt Auszeichnungen der Company/Concordia Foundation, der Hattori Foundation, Help Musicians sowie den Royal Philharmonic Society Albert and Eugenie Frost Prize.

Das in London ansässige Quartett ist derzeitiger Stipendiat der Guildhall School of Music String Quartet Fellowship, wo es bei Simon Rowland-Jones und John Myerscough studiert. Außerdem absolvieren die vier Musiker aktuell ein Aufbaustudium in Kammermusik an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover bei Oliver Wille.

Das Quartett konzertierte bereits bei diversen großen europäischen Radiosendern wie dem ‘Deutschlandfunk Kultur,’ dem ‘Swedish Radio’ und dem ‘BBC Radio 3’ sowie bei bedeutenden Festivals wie bei den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker, dem Kammermusikfest Lockenhaus, dem Edinburgh Festival Fringe, dem North Norfolk Music Festival und dem Lake District Summer Music Festival.

Für die Saison 19/20 erfolgten Einladungen u.a. mit einem Beethoven Zyklus nach Schweden, zu ihrem Debüt in die Berliner Philharmonie, auf eine Kreuzfahrt nach Norwegen, eine Tournee nach Japan sowie zu Oktettkonzerten mit dem Doric String Quartet. Außerdem gastiert das Marmen Quartet 2020 als Teil des 1. Preises des Internationalen Streichquartettwettbewerbs in Banff in zahlreichen Europäischen Städten, u.a. in Amsterdam, Basel, Meran, Nürnberg und Zürich.

Das Ensemble befindet sich auf einer Tournée auf dem Kontinent mit Konzerten in Jülich und u.a. im Boulez Saal, der Berliner Philharmonie, der Alten Oper Frankfurt und dem Lucerne Festival.

Zwei Kostproben auf Youtube:   https://youtu.be/6gmYZeIkvBU und https://youtu.be/1WST6UspwAM

Joseph Haydn (1732 – 1809)
Streichquartett op. 64/5 (1790)
Hob.III:63 „Lerchenquartett“
Allegro moderato
Adagio
Menuet-Allegretto
Finale-Vivace

György Ligeti (1923 – 2006)
Streichquartett Nr. 1 (1956)

– Pause –

Ludwig van Beethoven  (1770 – 1827)
Streichquartett C-Dur op. 59/3
Introduzione. Andante con moto – Allegro vivace
Andante con moto quasi Allegretto
Menuetto. Grazioso
Allegro molto

Die Musiker bedankten sich für den begeisterten Applaus  mit dem Adagio aus Beethovens Quartett op. 64,3

Als Joseph Haydn im Dezember 1790 nach London aufbrach, um dort in den Veranstaltungen des Konzertunternehmers Johann Peter Salomon aufzutreten, nahm er seine neu komponierten Streichquartette mit. Besonders das D-Dur-Quartett wurde dort mit größtem Erfolg „unter seiner Leitung […] in den Festino Rooms am Hannover Square aufgeführt“, wie der Londoner Erstdruck vermerkt. Das Londoner Publikum hatte in der jubelnden Melodie der ersten Geige zu Beginn des Kopfsatzes sofort den Ruf der Lerche erkannt. Seitdem heißt das Quartett im angelsächsischen Raum „The Lark“, im Deutschen „Lerchenquartett“, es ist nicht nur seines ersten Satzes wegen eines der meistgespielten des gesamten Quartett-Repertoires.

Der Kopfsatz beginnt mit einem raffinierten Vorspann zum Lerchen-Thema, zarten „Horn-Quinten“ der Mittelstimmen, über denen sich im zweiten Durchgang das schöne Thema der ersten Geige erhebt. Wie der Vogel, der über den Wäldern schwebt, erscheint es zu Beginn der Durchführung.  Die Idylle des Lerchenthemas setzt sich im ruhigen Adagio fort. Das Menuett ist derbe Bauernmusik, mit kurzen Vorschlägen und fast groben Läufen durchsetzt. Im d-Moll-Trio sind ungarische Elemente mit einbezogen. Auch im Presto-Finale bleiben D-Dur und d-Moll die Pole der Entwicklung: Ein rasend schnelles Sechzehntel-Thema in Dur steigert sich zum Perpetuum mobile. Im d-Moll-Mittelteil macht es einer raffinierten fugierten Durchführung Platz. Auch in diesem Satz herrscht positive Grundstimmung.

 

Für das Schuppanzigh-Quartett, das erste bekannte professionelle Ensemble seiner Art, komponierte Ludwig van Beethoven 1806 die drei Quartette seines Opus 59. Sie erschienen zwei Jahre später mit der Widmung an den Grafen Rasumowsky im Druck und werden daher auch Rasumowsky-Quartette genannt. Neu war die fast sinfonische Ausdehnung von Form und Klang. Damit brachte Beethoven die Gattung der intimen Kammermusik in den Konzertsaal. Von Musikern und Publikum wurden diese Werke zunächst nicht verstanden. Erst im Laufe der folgenden Jahrzehnte etablierte sich der Zyklus als prägendes Vorbild, u. a. für Schubert und Mendelssohn.

Das C-Dur-Quartett ist das kürzeste und zugleich komplexeste des Zyklus. Die Einleitung und das Hauptthema des ersten Satzes kann man als Anspielungen auf Mozarts Dissonanzen-Quartett KV 465 verstehen. Ebenso scheint Beethoven zum zweiten Satz  vom langsamen Satz des Mozart-Quartetts in Es-Dur KV 428 angeregt worden zu sein. Der Charakter ist jedoch ein anderer: Beethoven schrieb hier eine Art Ballade im Volkston mit russischen Themen. Der dritte Satz ist kein Scherzo, wie meist bei Beethoven, sondern ein Menuett mit Trio. Der ungemein virtuose vierte Satz kombiniert auf kunstvolle Weise Sonatensatz und Fuge miteinander und erinnert damit an die Finalsätze in Mozarts G-Dur-Quartett KV 387 und seiner  „Jupitersinfonie“ KV 551.  Höhepunkt des gesamten Werkes ist die zweimalige Klimax auf einem strahlenden C-Dur-Dreiklang, der von der leeren C-Saite des Cellos bis zum viergestrichenen C in der ersten Violine reicht.

Das Tschechische Nonett ist eines der ältesten Kammerensembles weltweit. Gegründet wurde es im Jahre 1924 von Schülern des Prager Konservatoriums und wurde innerhalb von kurzer Zeit zu einem bedeutenden Klangkörper mit klassischem Repertoire und in vielerlei Hinsicht bahnbrechend für neue Musik. Das Tschechische Nonett hat durch seine Interpretationen und der originellen Instrumentalbesetzung viele bekannte zeitgenössische Komponisten zu neuen Kompositionen inspiriert, genannt seien an dieser Stelle Prokofjew, Lutosławski, Martinů.

Die spezifische Instrumentalbesetzung (Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass und Blaserquintett) bietet eine fast unerschöpfliche Skala an Farbkombinationen mit dem vollen Klang eines Kammerorchesters. Dadurch ist es möglich, Kompositionen vom Barock bis zur Gegenwart ins Repertoire aufzunehmen, welches besonders breit und vielfältig ist.
Das Tschechische Nonett stellte sich bereits auf zahlreichen internationalen Musikfestivals vor: den Salzburger Festspielen, Edinburgh International Festival, Montreux, Schleswig-Holstein Musik Festival, den Festivals La Folle journée de Nantes, Festival de Música de Canarias, Prager Frühling und anderen.
Es absolvierte viele Konzerttourneen durch europäische Länder (Deutschland, Österreich, Großbritannien, Holland, Spanien, Italien, Frankreich), weiter durch Länder Nord- und Südamerikas, Japan und Afrika und trat ebenfalls auf bedeutenden internationalen Konzertbühnen auf: Wiener Musikverein, Montreaux Auditorium Strawinski, München Herkulessaal, Auditorio de Zaragoza, Lyon Auditorium, Washington Library of Congress, Playhouse Vancouver, Dvorak-Saal des Prager Rudolfinums usw.
Die umfangreiche Diskographie des Tschechischen Nonetts umfasst fünfundvierzig Langspielplatten und CD’s der Firmen Supraphon, Panton und Harmonia Mundi. Für die Aufnahmen für die französische Edition Praga Digital’s mit dem internationalen Vertriebsnetz Harmonia Mundi, mit dem das Tschechische Nonett im Jahre 1995 einen Exklusivertrag abgeschlossen hat, erhielt das Ensemble eine ganze Reihe wichtiger Preise. Die Aufnahme des Nonetts mit Werken von Bohuslav Martinů erhielt 1996 von der bekannten Rezensionszeitschrift Répertoire höchste Ehren – den Preis 10 du Répertoire, und im Jahre 2003 gewannen die Aufnahmen Beethovenscher Kompositionen den Preis Choc du Monde de la Musique. Für Praga Digital’s hat das Tschechische Nonett auch Kompositionen von Brahms, Mozart, Roussel, Prokofjew, Spohr, Dvorak u. a. eingespielt.

Louis Spohr (1784 – 1859)
Grand Nonett op. 31
Allegro Scherzo. Allegro – Trio I / II Adagio Finale. Vivace

– Pause –

Antonín Dvořák (1841 – 1904)
Serenade D Moll op. 44
Moderato, quasi marcia Minuetto. Tempo di minuetto – Trio. Presto Andante con moto Finale. Allegro molto

Der in Braunschweig geborene Geigenvirtuose Louis Spohr zählt zu jenen Komponisten des 19. Jahrhunderts, deren Ruhm heute verblasst ist. Seine Kammermusik und Opern, die die frühe Romantik prägten, werden heute kaum noch aufgeführt. Dabei wurden seine Werke damals häufig mit großem Erfolg gespielt. Der fast zwei Meter große, hühnenhafte Geiger war der deutsche Antipode Paganinis, der ihn respektvoll den „vorzüglichsten Sänger“ auf seinem Instrument nannte. Als Dirigent war Spohr einer der ersten, die sich mit dem Taktstock vor das Orchester stellten. Er war Opernkapellmeister am Theater an der Wien, in Frankfurt und in Kassel, wo er für mehr als 30 Jahre wirkte. Der Komponist gehörte zu einer Generation, die noch stark von Haydn und Mozart geprägt war und von diesen ausgehend allmählich zu einem neuen Stil gelangte.

Im Nonett gibt es mehr als einen Hinweis auf diese Tradition. Wenig originell sind seine Themen, neuartig und auch heute noch faszinierend dagegen seine Harmonik und Klangfarben. Der Beginn des Adagios in tiefer Streicherlage verweist auf ähnliche Anfänge bei Schubert, Mendelssohn und Brahms. Hier fand Spohr zu einem neuen Ton, den auch nachfolgende Romantiker aufgriffen. Unumstritten ist auch die satztechnische Meisterschaft seines Werks, das bis heute als das Nonett schlechthin gilt. Jedes Instrument ist solistisch und zugleich als Stimme im Ensemble behandelt.

Die Serenade d-moll op. 44 von Antonin Dvorák, original besetzt für 10 Bläser, Violoncello und Kontrabass, wurde 1878 geschrieben und am 17. November uraufgeführt. Es ist das zweite Werk des Komponisten innerhalb dieser Gattung. Bereits 1875 entstand die ‚Serenade E-Dur op. 22‘ für Streichorchester. Auch hier mag das klassische Vorbild Mozarts und der damit zusammenhängenden ‚Serenaden-Tradition‘ als Vorbild gedient haben, in Opus 44 gibt es erstaunliche Parallelen im Sinne von Reminiszenzen, die Dvorák mit äußerstem handwerklichem Geschick und beeindruckender Stilsicherheit in ein neues klangliches Gewand überträgt: „eine souveräne Stilisierung ‚im klassischen Stil‘. Tschechische Volkstöne hauchen dem Menuett und Andante neues Leben ein, während die Themen so berstend komisch oder sentimental gefühlig charakterisiert sind, dass eine Art Musik ‚über die Wiener Klassik‘ entsteht.“ (Kammermusikführer der Villa Musica RLP).

Flautando Köln – Vier Frauen vierzig Block­flöten

Das renommierte Blockflötenquartett steht seit über 29 Jahren für brilliantes Zusammenspiel auf höchstem technischen Niveau, gepaart mit Temperament, Charme und Witz.

So souverän, wie sich die vier Musikerinnen auf internationalem Parkett bewegen, so innovativ sind sie auch bei der Entdeckung neuer genreübergreifender Literatur. Mit großem Stilgefühl und Phantasie arrangieren sie Werke aller Epochen für ihre Besetzung, die nicht nur mit mehr als 40 Blockflöten verschiedenster Größe und Bauart aufwartet, sondern auch mit der viel gelobten Sopranstimme von Ursula Thelen eine weitere Facette erklingen lässt. Seien es feurige mittelalterliche Spielmannstänze, virtuose Barockkonzerte, wehmütige türkische Volkslieder oder aber ein dramatisches Chanson von Kurt Weill, Flautando Köln überrascht seine Zuhörer immer wieder mit nie Dagewesenem und begeistert Publikum wie Kritiker gleichermaßen. Charmante Moderationen machen die umjubelten Konzerte darüber hinaus zu einem stimmungsvollen und mitreißenden Gesamterlebnis, in dem Virtuosität selbstverständlich, aber nie Selbstzweck ist.

Neben regelmäßigen Rundfunk- und Fernsehaufnahmen beim WDR, SWR, MDR und Radio Bremen nahm Flautando Köln bisher neun CDs in Zusammenarbeit mit dem WDR und dem DLF auf. Regelmäßig arbeiten die Flötistinnen mit Gastmusikern zusammen (z.B. Franz Vitzthum / Countertenor oder Torsten Müller / Perkussion). Im Reformationsjahr 2017 spielte das Quartett, gemeinsam mit dem Schauspieler Martin Brambach, mehrfach sein Programm rund um Martin Luther. Seit 2018 besteht eine weitere Zusammenarbeit mit dem Schauspieler Heikko Deutschmann, mit dem Flautando Köln u.a. ein Programm mit Musik und Texten rund um Kurt Tucholsky präsentiert (Premiere Ruhrfestspiele 2018).

Das Quartett gastierte bei zahlreichen Festivals weltweit, u.a. dem Schleswig Holstein Musikfestival, dem Rheingau Musikfestival und dem MDR Musiksommer. Auslandsreisen führten Flautando Köln nach Zentralamerika, China, Taiwan, Korea und quer durch Europa.

J. Playford (ca. 1623-1686)
Red House
Never love thee more
An Italien Rant

P. di Palestrina (1525-1594)
Sicut cervus desiderat
Psalm 42

Kurt Weill (1900-1950)
Surabaya Johnny (aus “Happy End)

György Ligeti (1923-2006)
Six Bagatelles for woodwind quintet (1953)
Allegro con spirito/Allegro grazioso/
Presto ruvido/Adagio. Mesto/
Molto vivace. Capriccioso
Concerto a-Moll

Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Phantasien für Flöte
Adagio/Allegro/Adagio/Vivace

– Pause –

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
 Sinfonia aus BWV 29
Choral „Jesu, meine Freude“

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847)
aus: Lieder ohne Worte
Venezianisches Gondellied
Agitato e con fuoco

A. Mozart (1756 – 1791)
Variationen über Ah, vous dirai-je, Maman,  KV 265

3 Bearbeitungen von Volksweisen aus England und Irland
The Gentle Giant (Flook)
Scarborough Fair (trad.)
The Bag of Spud (trad.)

Bunt und facettenreich. In welche Richtung man dieses musikalische Kaleidoskop auch drehen mag – immer wartet es auf mit neuen Klangfarben. Hier sind es die sehnsüchtigen Worte eines Volksliedes, dort ein virtuoses barockes Feuerwerk. Oder der Ausflug in die Minimal Music des 20. Jahrhunderts. Wer weiß schon, welche Perspektive die nächste Drehung eröffnet. Welche Komposition oder welches Arrangements schöner sein mag? Entscheiden müssen Sie sich nicht. Lassen Sie sich überraschen!

Als erster englischer Verleger hat John Playford ein breites Spektrum relativ einfacher Musik herausgebracht, die sich in erster Linie an Laienmusiker der Mittelschicht richtete. Er trug damit entscheidend dazu bei, dass sich im England des 17. und 18. Jahrhunderts das Musizieren zu einem Freizeitvergnügen entwickeln konnte; darüber hinaus geben seine Drucke heute einen wertvollen Aufschluss über den damaligen Geschmack und über die gesellschaftliche Akzeptanz von Musik als Zeitvertreib. Schon seine vermutlich erste Veröffentlichung aus dem Jahr 1651, The English Dancing Master, war so erfolgreich, dass sie mit dem Titel The Dancing Master bis 1728 insgesamt 18 Auflagen erreichte; sie enthielt etwa 900 Tänze zusammen mit den dazu gehörigen Tanzbeschreibungen. John Playfords Bearbeitungen sehr alter Liedmelodien wurden noch bis in das 19. Jahrhundert häufig verwendet.

„Sicut  cervus desiderat“ des Renaissance-Komponisten Palestrina ist eine vierstimmige polyphone Motette. Sie wurde für Sopran, Alt, Tenor und Bass-Stimmen geschrieben und thematisiert den Segen des Wassers und die Sehnsucht nach Gott.

„Happy End“ ist ein dreiaktiges Singspiel von Elisabeth Hauptmann, Kurt Weill und Bertolt Brecht, das in der ersten Jahreshälfte 1929 als Nachfolgeprojekt zur erfolgreichen Dreigroschenoper entstand und am 2. September 1929 im Theater am Schiffbauerdamm in Berlin uraufgeführt wurde.

Georg Philipp Telemann veröffentlichte 1733 in Hamburg im Selbstverlag 12 Fantasien für Flöte solo, die rasch Berühmtheit erlangten. Johann Joachim Quantz, der Flötenlehrer Friedrichs des Großen, empfahl sie als Musterbeispiele virtuoser Flötenmusik, an denen man mit unzureichendem Zungenstoß rasch scheitern konnte.

Den Choral aus Johann Sebastian Bachs Kantate BWV 29 für Chor und Orchester hat Flautando Köln für das eigene Ensemble bearbeitet.

Mendelssohns „Lieder ohne Worte“ op. 30 sind ursprünglich für Klavier geschrieben und im Lauf der Zeit auf vielfältige Weise bearbeitet worden, so auch für fünf Flöten.

Mozart hat die zwölf Variationen über das französische Lied „Ah, vous dirai-je Maman“  Ende 1781 für die Pianistin Barbara von Auenhammer geschrieben. Das Werk ist bei Pianisten sehr beliebt, weil es  viele technische Schwierigkeiten und überraschende harmonische und kontrapunktische Wendungen aufweist.

Die drei Bearbeitungen von Volksweisen aus England und Irland sind bis heute populär und werden in verschiedenen Instrumentationen aufgeführt.

Die Musiker des Ensembles Johanns-Rivinius-Grimm haben sich während der Studienzeit und auch schon davor im Bundesjugendorchester (BJO) kennen gelernt und sind durch langjährige Freundschaft verbunden. Die gemeinsame Liebe zur Kammermusik bringt die Künstler immer wieder zu gemeinsamen Auftritten zusammen. So z.B. bei internationalen Festivals, Konzerten und Meisterkursen auf der ganzen Welt und in ganz unterschiedlichen Formationen. Daraus hervorgehend entstand der Wunsch nach einem eigenen Ensemble in dieser außergewöhnlich harmonischen Besetzung von Klarinette, Violoncello und Klavier. Die programmatische Variabilität der drei Instrumente spiegelt sich im Konzertprogramm wider.

 

Der Klarinettist Thorsten Johanns ist durch seine stilistische Vielseitigkeit und seine ausgeprägte musikalische Kommunikationsfähigkeit als Solist, Orchester- und Kammermusiker sowie als Lehrer gleichermaßen geschätzt und international gefragt. Bereits im Alter von 22 Jahren erhielt er 1998, noch während seines Klarinettenstudiums bei Prof. Ralph Manno an der Musikhochschule Köln, sein erstes festes Engagement als stellvertretender Soloklarinettist bei den Essener Philharmonikern, drei Jahre später wurde er Soloklarinettist im WDR-Sinfonieorchester Köln. Diese Position hatte er bis 2015 inne und gastiert dort weiterhin regelmäßig.

Als erster und bis heute einziger deutscher Klarinettist wurde Thorsten Johanns persönlich vom Chefdirigenten Alan Gilbert wiederholt nach New York eingeladen, um dort als Solo-Klarinettist mit dem New York Philharmonic Orchestra zu spielen. Weitere, regelmäßige Gast-Engagements als Solo-Klarinettist führten ihn zu den Berliner Philharmonikern, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Münchner Philharmonikern und vielen anderen renommierten Orchestern. Als Solist konzertiert er regelmäßig mit namhaften Orchestern und Dirigenten. Dies waren in der Vergangenheit Sir Neville Marriner, Semyon Bychkov, Dan Ettinger, das WDR-Sinfonieorchester Köln, das Orchestre de Chambre de Paris, das Brandenburgische Staatsorchester, das Stavanger Symphony Orchestra und das Nationale Radio Orchester von Rumänien. Die Komponisten Moritz Eggert und Philippe Manoury widmeten ihm Solokonzerte, die er mit Orchester uraufführte (Eggert: „AURA“, UA 2014 mit der Bayerischen Kammerphilharmonie und Manoury „Passages“, UA 2017 mit dem WDR Sinfonieorchester Köln).

Die tiefe Liebe zur Kammermusik wurde bereits in früher Kindheit durch seinen ersten Lehrer Laszlo Dömötör geweckt. Thorsten Johanns spielt in zahlreichen unterschiedlichen Formationen, sein Repertoire reicht von der Ursprungszeit seines Instrumentes bis hin zu modernster, vielfach für ihn komponierter Musik. Zu seinen heutigen Kammermusikpartnern zählen neben namhaften Streichquartetten (ARIS, Auryn, Diogenes, Minetti) auch der Oboist und Komponist Heinz Holliger und der Pianist und Komponist Moritz Eggert. Thorsten Johanns ist Mitglied des weltweit konzertierenden „Ensemble Raro“ und der „Deutschen Bläsersolisten“. Des Weiteren ist er Mitglied des renommierten Ensembles „Spectrum Concerts Berlin“.

Thorsten Johanns war und ist Gast bei zahlreichen internationalen Festivals (Schleswig-Holstein, Mecklenburg-Vorpommern, Luzern, Tiroler Festspiele, SoNoRo Bukarest, Rheingau Musikfestival, Budapest Festival Academy, Kuhmo Chamber Music Festival u.v.a.) und wirkte bei vielen erfolgreichen CD-Produktionen (u.a. ECHO-Klassik 2008) mit. In den letzten Jahren hat das Unterrichten einen wichtigen Stellenwert in Thorsten Johanns Karriere eingenommen. 2014 folgte er dem Ruf als Professor für Klarinette an die Musikhochschule ‚FRANZ LISZT‘ in Weimar. Von 2010 bis 2014 unterrichtete er, parallel zu seinem Engagement im Orchester, am Conservatorium in Maastricht (NL). Thorsten Johanns gibt zudem regelmäßig Meisterkurse. In den vergangenen Jahren wurde er hierfür nach China, Australien, Kanada, Deutschland, in die skandinavischen Länder und die Niederlande eingeladen.

 

Der Pianist Paul Rivinius, Jahrgang 1970, erhielt seinen ersten Klavierunterricht im Alter von fünf Jahren. Seine Lehrer waren zunächst Gustaf Grosch in München, später dann Alexander Sellier, Walter Blankenheim und Nerine Barrett an der Musikhochschule in Saarbrücken.

Nach dem Abitur studierte er zusätzlich Horn bei Marie-Luise Neunecker an der Frankfurter Musikhochschule und setzte seine Klavierausbildung bei Raymund Havenith fort. 1994 wurde er in die Meisterklasse von Gerhard Oppitz an der Musikhochschule München aufgenommen, die er 1998 mit Auszeichnung abschloss. Paul Rivinius war langjähriges Mitglied im Bundesjugendorchester und im Gustav Mahler Jugendorchester.

Als Kammermusiker profilierte er sich mit dem 1986 gegründeten Clemente Trio, das nach mehreren Auszeichnungen 1998 den renommierten ARD-Musikwettbewerb in München gewann und anschließend als «Rising Star»-Ensemble in den zehn wichtigsten Konzertsälen der Welt gastierte, darunter die Carnegie Hall in New York und die Wigmore Hall in London. Außerdem musiziert Paul Rivinius gemeinsam mit seinen Brüdern Benjamin, Gustav und Siegfried im Rivinius Klavier-Quartett. Seit 2004 ist er zudem Pianist des Mozart Piano Quartet, welches sich durch ausgedehnte Reisen nach Nord- und Südamerika sowie nach Asien internationales Renomee erspielt hat.
2018 erhielt das Mozart Piano Quartet den „Opus Klassik“ für die Einspielung des Klavierquartettes von Georg Hendrik Witte bei MDG Dabringhaus & Grimm.

Zahlreiche Rundfunk- und CD- Produktionen dokumentieren seine künstlerische Arbeit, unter anderem mit den Cellisten Julian Steckel und Johannes Moser sowie mit der schwedischen Sopranistin Camilla Tilling.

Paul Rivinius lehrte viele Jahre als Professor für Kammermusik an der Musikhochschule «Hanns Eisler» in Berlin und lebt heute in München.

 

Der Cellist Justus Grimm wurde 1970 in Hamburg geboren. Im Alter von fünf Jahren begann er Cello zu spielen. Er setzte seine Studien bei Ulrich Voss und Claus Kanngiesser fort und beendete seine Ausbildung bei Frans Helmerson in Stockholm und Köln.

Im Jahre 1993 debütierte er als Solist am Hamburger Staatsorchester.  Auf dem Programm stand die Uraufführung von Matthias Pintschers Cellokonzert La Metamorfosi di Narciso. Grimm hat ferner mit einer Reihe von führenden europäischen Orchestern als Solist aufgetreten, u.a. The English Chamber Orchestra, The London Chamber Orchestra, Orchestre Royal de Wallonie und Brandenburgisches Staatsorchester, Frankfurt.

Justus Grimms Tätigkeit als Kammermusiker ist umfassend. Im Jahre 2008 war er somit Mitgründer des Streichquartetts Malibran, wo er auch weiterhin aktiv ist. Seit 2010 ist er „Artist in Residence“ bei Centiers Internazionale d’Arte, Montepulciano – italienische Sommerschule für junge Sänger, Musiker, Dirigenten und Komponisten, die 1976 vom Komponisten Hans Werner Henze gegründet wurde.

Justus Grimm hat mehrere deutsche und belgische Preise erhalten und ist seit 2008 Professor und ab 2013 Rektor des Königlichen Konservatorium in Antwerpen tätig.

um 17 und 20 Uhr:
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Trio B-Dur op. 11 ‚Gassenhauer‘

nur um 17 Uhr:
Claude Debussy (1862 – 1918)
 Sonate für Cello und Klavier

nur um 20 Uhr:
Claude Debussy
Première Rhapsodie für Klarinette und Klavier

um 17 und 20 Uhr:
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Klarinettentrio a-moll op. 114

Das Finalthema von Beethovens Trios op. 11 stammt vom populärsten Wiener Opernkomponisten um 1800 Joseph Weigl und war damals als ‚Gassenhauer‘ in aller Munde. Das Trio erschien 1798 im Druck, und wurde 1800 von Beethoven selbst öffentlich aufgeführt. Der bedeutendste Satz des Trios ist der erste „mit seinem kühnen, stolz gerichteten Grundzuge, […] stellenweise mit einer gewissen Feierlichkeit“ (A. W. Thayer). Das kurze Adagio, obwohl nur eine Art Überleitung zum Finale, kann durch seine ausdrucksstarke Melodik, das Finale durch dessen kunstvolle Form zu den schönsten Einfällen des frühen Beethoven gerechnet werden.

1915, drei Jahre vor seinem Tod, begann Debussy einen Zyklus von „Six sonates pour divers instruments“, die er in bewusster Anlehnung an die französische Sonatenkunst des Barock konzipierte. Von den geplanten sechs Sonaten konnte er nur noch drei vollenden: die Cellosonate, die Violinsonate und die Sonate für Flöte, Viola und Harfe. Die Cellosonate beginnt mit einem Prolog und einer „französischen Ouvertüre“ in punktierten Rhythmen: mit dem resoluten Duktus, den Rhythmen und Spielfiguren einer solchen Ouvertüre im Klavier. Das Cello antwortet ähnlich, aber rhythmisch frei, mit einer Art Kadenz. Flirrende Bewegung in gebrochenen Dreiklängen tritt an die Stelle des fugierten Mittelteils einer Barockouvertüre, bevor das pathetische Motiv des Beginns wiederkehrt. Den zweiten und dritten Satz hat Debussy zu einer Einheit zusammengefasst: Sérénade et Finale. Zu Beginn der Serenade verwandelt sich das Cello mittels Sempre Pizzicato, gezupfter Noten, in eine große Gitarre, auf der ein Ständchen angestimmt wird. Die gestrichenen Noten im weiteren Verlauf sollen laut Debussys Anweisung „ironique“ klingen. Man hat es ganz offenbar mit einem grotesken Liebhaber aus der Commedia dell’arte zu tun, der hier seiner Angebeteten auf bizarre Weise huldigt. Am Ende des Satzes scheint er erhört zu werden, denn ein erwartungsvoll gespanntes A des Cellos mündet unmittelbar in das „leichte und nervöse“ Finale, das in flirrender Bewegung über dem barocken Bass der Passacaglia beginnt. Con fuoco und Appassionato, feuriger und leidenschaftlicher Ausdruck, prägen diesen Satz, den die Rückkehr des barocken Motivs aus dem Prolog feierlich beschließt.

Für die Bläserwettbewerbe des Pariser Conservatoire schrieb Debussy zwei Werke für Klarinette und Klavier, die den Klarinettisten als Pflichtstücke vorgelegt wurden: Petite Pièce und Première Rhapsodie. Diese entstand Ende 1909 und wurde im Januar 1910 mit Klavierbegleitung fertiggestellt. Von beiden Stücken nähert sich besonders die Rhapsodie in ihrer musikalischen Sprache den Préludes für Klavier. Die erste öffentliche Aufführung erfolgte im Januar 1911 durch Paul Mimart, dem die Rhapsodie „als Zeugnis der Sympathie“ zugeeignet ist. Sie beginnt mit einem „träumerischen“ langsamen Teil und endet „lebhaft scherzend“.

1890 hatte Brahms beschlossen, nicht mehr zu komponieren. Aber fasziniert vom ganz besonderen Klangzauber des Klarinettisten der Meininger Hofkapelle, Richard Mühlfeld, arbeitete er im Stillen sein a-Moll-Trio für Klarinette, Cello und Klavier und sein Klarinettenquintett aus. Der erste Satz beginnt mit einer schlichten Melodie des Cellos, auf die die Klarinette mit Arabesken antwortet. Ein Gegenthema des Klaviers setzt kräftigere Akzente, die sich aber im Laufe des Satzes nicht behaupten können. So ist das zweite Thema ein Kanon in der Umkehrung zwischen Klarinette und Cello. Leise Sechzehntelläufe geben der Durchführung eine eigenartig fahle Farbe. Sie beschließen auch den Satz. Im Adagio wird der Ausdruck noch weiter zurückgenommen. Sein Hauptmotiv in der Klarinette wird allmählich zerlegt, bis nur noch Seufzerfiguren übrig bleiben. In einem zweiten Thema steigern sich Bewegung und Ausdruck zu einer wehmütigen “fin de siècle”-Stimmung. Im zweiten Satz hat Brahms seiner Wahlheimat Österreich ein Denkmal gesetzt – durch eine Walzermelodie, wie sie auch in der „Fledermaus“ von Johann Strauss stehen könnte. Auch hier wird das Thema in Fragmente zerlegt, bis die Klarinette mit dem Trio einsetzt, einem Ländler aus dem Alpenland. Im Finale stehen sich kontrastierende Rhythmen gegenüber: Triolen und Duolen, 6/8 und 9/8-Takt. Den Sieg trägt eine Csárdás-Melodie davon.

Fatjona Maliqi profiliert sich mit ihrer Vorliebe für ungewöhnlich anspruchsvolle Programme zunehmend als eine der interessantesten Pianistinnen ihrer Generation und beeindruckt dabei „mit Eindringlichkeit und Finesse“ (Piano News). Besondere Anerkennung erwarb sie in jüngster Zeit für ihre Darbietung der Goldberg-Variationen von J. S. Bach, die sie spielt „als wäre alles ganz einfach“ (Bonner Generalanzeiger).

Neben internationalen Konzerten mit diversen Soloprogrammen ist sie regelmäßig als Solistin in Klavierkonzerten von Beethoven, Chopin, Grieg, Rachmaninow Saint-Saens und Gershwin sowie als Kammermusikerin in verschiedenen Besetzungen zu hören.

Im Rahmen ihres Studiums befasst sich die aus dem Kosovo stammende und in der Klavierklasse von Heribert Koch an der Musikhochschule Münster ausgebildete Künstlerin besonders intensiv mit dem Spiel auf historischen Tasteninstrumenten.

Im Jubiläumsjahr 2020 wurde sie eingeladen, Beethovens größtes Klavierwerk, die Diabelli-Variationen op. 120, u.a. im Rahmen des 42. Internationalen Kongresses der EPTA (European Piano Teachers Association) zu spielen. In einem Live-Mitschnitt in der Reihe „WDR3 Campus-Konzerte“ trug sie das monumentale Werk auf einem historischen Flügel von Conrad Graf (1825) vor, der auch Beethovens letztes Instrument erbaute.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Goldberg-Variationen – Aria mit verschiedenen Veränderungen, BWV 988

Zur Vorgeschichte

Schon am 15. November 2020 wollte der Verein Jülicher Schlosskonzerte e.V. mit dem Aachener Pianisten Michael Rische und einem abwechslungsreichen Programm von Emanuel Bach über Mozart und Beethoven bis Debussy sein Debut in der Konzertreihe „Klavier entlang der Rur“ geben. Aufgrund der Pandemie musste die Reihe jedoch schon nach dem ersten Konzert in Hückelhoven Mitte Oktober letzten Jahres abgebrochen werden.

Nach mehreren vergeblichen Anläufen zur Verschiebung des Konzerts suchten wir nach einem online Ausgleich für unsere enttäuschten Musikfreunde. Ein Konzert ohne Publikum kam für den Aachener Pianisten Michael Rische leider nicht infrage. So ergriffen wir die Gelegenheit und engagierten kurzfristig die junge kosovarische Nachwuchspianistin Fatjona Maliqi für eine Aufführung ihrer Interpretation der Goldberg-Variationen von Johann Sebastian Bach.

In der Pandemie hatten wir wegen der Abstandsregeln ins PZ ausweichen müssen. Als Rahmen für ein so intimes Musikstück wie die Goldberg-Variationen erscheint uns aber die Schlosskapelle in der Jülicher Zitadelle ideal – und ohne Publikum ist der Raum auch in Zeiten von Corona zum Glück kein Problem..

Michael Rische zählt nicht erst seit den Aufnahmen der Klavierkonzerte von Carl Philipp Emanuel Bach zu der kleinen Gruppe von Musikern, die konsequent mit maßgeblichen Entdeckungen das Musikleben bereichern. Schon die Einspielung der sieben jazz-beeinflussten Klavierkonzerte der 20er Jahre von Antheil, Gershwin, Copland, Schulhoff, Ravel und Honegger hatte in den USA, Europa und Japan für ein begeistertes Echo in den Medien gesorgt.

Dabei müssen Entdeckungen einerseits und Standard-Repertoire andererseits nicht unbedingt einen Widerspruch bedeuten. Denn mit den Interpretationen der Klavierkonzerte von Beethoven (Nr. 3 c-moll) und Mozart (Nr. 20 d-moll) ist der Pianist auch hier einen ungewöhnlichen Weg gegangen: Es sind die einzigen Aufnahmen, die dem Hörer die Wahl zwischen Kadenzen aus verschiedenen Epochen bieten.

Michael Rische studierte in Düsseldorf bei Max Martin Stein (Klavier) und bei Milko Kelemen (Komposition). Folgenreiche Anregungen kamen von Pierre Boulez und Nicolaus Harnoncourt. Seine Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Sylvain Cambreling, Yuri Simonow, Christoph Poppen, Grant Llewellyn, Michael Boder, Wayne Marshall, und Orchestern wie der Staatskapelle Berlin, dem WDR Sinfonieorchester Köln, dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, dem Orchestre National de Belgique, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, den Bamberger Symphonikern und dem BBC Symphony Orchestra London hat ihm die Konzertsäle in vielen Ländern geöffnet. Michael Rische war „artist-in-residence“ des Jahres 2007 beim Internationalen Kurt-Weill-Festival in Dessau.

Mehr als 20 CDs bei den Weltlabels EMI, Universal, Sony und Hänssler geben über sein Repertoire Auskunft. Die beiden aktuellen Einspielungen entstanden zusammen mit den Berliner Barock-Solisten, dem Kammerorchester der Berliner Philharmoniker. Alexander Kluge hat für sein Kulturmagazin drei Fernseh-Dokumentationen über ihn gedreht.

Neben seiner solistischen Tätigkeit lehrt Michael Rische als Professor an der Musikhochschule Köln. Auch in den neuen Medien findet seine Arbeit ihren Niederschlag. So hat z.B. der weltgrößte Streaming-Dienst Spotify für das Concerto Wq. 44 von CPE Bach knapp sechs Millionen Hörer verzeichnet.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 (1723)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Adagio h-moll, KV 540 (1788)

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sonate Nr. 14 cis-moll, op. 27,2 „Mondschein“ (1801)
Adagio sostenuto – Allegretto – Presto agitato

Claude Debussy (1862-1918)
Images I (1904)
Reflets dans l‘eau – Hommage à Rameau – Mouvement

Pour le piano (1901)
Prélude – Sarabande – Toccata

Johann Sebastian Bach – der einzige Komponist, dessen Name ausschließlich aus „Tönen“ besteht – hat sich nicht erst in seinem letzten (und unvollendeten) Werk, dem Contrapunctus XIX aus der „Kunst der Fuge“, mit der musikalischen Ausdeutung der vier Buchstaben „B-A-C-H“ befaßt. Es finden sich schon im Jahre 1717 Praeludium und Fuge über den Namen Bach (BWV 898) für Klavier, später ein Contrapunctus alla Decima über B-A-C-H (BWV Anh. 109). Bach ist sich also schon früh der musikalischen Symbolik seines Namens bewusst, wie uns der mit Bach befreundete Johann Gottlieb Walther in seinem Musiklexikon  aus dem Jahre 1732 versichert.

Die berühmte Chromatische Fantasie und Fuge d-moll BWV 903 muss man auch zur Gruppe dieser Kompositionen zählen: Der Beginn des Fugenthemas (a-b-h-c) ist nämlich auf das engste mit „b-a-c-h“ verwandt, da er durch eine Spiegelung an der Mitte der Tongruppe entstanden ist. Das vermutlich 1723 entstandene Werk hat durch seine kühne melodische Diktion und seinen bis dahin nicht gekannten harmonischen Reichtum einst die Zeitgenossen irritiert. Recht schnell wurde daraus aber eine Bewunderung, die bis heute anhält.

 

Das allein stehende Adagio h-moll gehört zu den ewigen Werten, die Wolfgang Amadeus Mozart uns für Soloklavier geschenkt hat. An nur einem Tag geschrieben, dem 19. März 1788, offenbart der Komponist eine fast zerbrechliche Melancholie aber auch einen untrüglichen Sinn für harmonische Vieldeutigkeiten.

Über die Mondschein-Sonate braucht man kaum Worte zu verlieren, ist sie doch die bekannteste Sonate der Musikgeschichte. Vielleicht nur soviel: Der atmosphärische Titel stammt nicht von Ludwig van Beethoven, sondern von dem Dichter Ludwig Rellstab. Die Überlieferung berichtet vielmehr, Beethoven habe das Adagio am Totenbett eines Freundes improvisiert. Schon zu Lebzeiten des Komponisten war diese Sonate außerordentlich beliebt, und daran wird sich – nach menschlichem Ermessen – auch in Zukunft nichts ändern.

Nach dem Ereignis des Prélude à l’après-midi d’un faune ging Claude Debussy daran, die neu entdeckten Klangwelten auch für das Klavier zu erobern. Seinen ersten Meilenstein in diese Richtung stellt die dreisätzige Suite Pour le piano dar. Satzbezeichnungen, die uns aus den Bach-Suiten vertraut sind, erfüllt eine neue Vitalität; die motorische Energie von Prélude und Toccata lässt da keinen Zweifel aufkommen. Dabei sollte man nicht vergessen, dass Debussy selbst ein Pianist mit einer viel gerühmten Anschlagskultur war – und damit der Fähigkeit zur feinsten Abstufung. Von der hermetischen Sarabande führt ein direkter Weg zum meditativen Hommage à Rameau, das im Stile einer Sarabande auszuführen ist. Der poetische Zauber der Images überträgt sich unmittelbar auf den Hörer, der wiederum dem Komponisten auf der Suche nach der Seele des Klaviertones folgt. (M. Rische)

Das Bennewitz Quartett ist eines der weltweit angesehensten Kammermusikensembles. Dieser Status wird nicht nur durch die Siege bei zwei bedeutenden Wettbewerben –  Osaka 2005 und Prémio Paolo Borciani in Italien 2008 – manifestiert, sondern auch regelmäßig durch herausragende Kritiken. Bereits im Jahr 2006 schrieb die Frankfurter Allgemeine Zeitung: „… die Musik war nicht nur wegen ihrer klaren Struktur bemerkenswert, sondern auch wegen der schönen Klangpalette und Reinheit der Intonation in ihrer Ausführung. Nur selten erlebt man so etwas geschickt handgefertigte und kraftvolle Harmonien … Großartige Kunst.“ Das Ensemble wurde auch in der tschechischen Musikszene mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet. So erhielt es schon 2004 den Preis der Tschechischen Kammermusikgesellschaft und gewann 2019 den Classic Prague Award für das beste Kammermusik-Konzert des Jahres.

Das Quartett tritt derzeit an wichtigen Orten im In- und Ausland auf, darunter Wigmore Hall London, Musikverein Wien, Konzerthaus Berlin, Théâtre des Champs-Elysées Paris, New Yorker Frick Collection, Seoul Art Center, Rudolfinum Prag u.a. Hinzu kommen Einladungen zu Festivals in Salzburg, Luzern, im Rheingau, nach Lockenhaus und zum Prager Frühling. Dabei arbeitet das Ensemble mit herausragenden internationalen Kollegen wie Jean-Yves Thibaudet, Alexander Melnikov, Vadim Gluzman, Isabel Charisius, Pietro de Maria, Reto Bieri oder Danjulo Ishizaka.

Das Bennewitz Quartett spielt besonders gerne in der heimischen tschechischen Musikszene. Besondere Highlights waren die Zusammenarbeit mit der Tschechischen Philharmonie und ihrem Dirigenten Jiří Bělohlávek für die Aufführung des Konzerts für Streichquartett und Orchester von Bohuslav Martinů. Das Ensemble hat beide Quartette von Leoš Janáček für das tschechische Fernsehen im einzigartigen Ambiente der Villa Tugend hat in Brünn aufgenommen. Regelmäßig zeichnet der tschechische Rundfunk Konzerte des Quartetts auf.

Aus ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Label Coviello Classics geht unter anderem eine Aufnahme der beiden Streichquartette von Leoš Janáček kombiniert mit dem 4. Streichquartett von Béla Bartók hervor, die von der Presse einhellig gelobt wird. So ist das Magazin Fono Forum beeindruckt von ihrem „feurigen Temperament“. Die zweite Aufnahme dieser Serie, 2010 erschienen, umfasst beide Quartette von Bedřich Smetana. Die Website Klassik.com nennt die Aufnahme „einfach phänomenal“. Das darauffolgende, beim Label Hänssler Classic erschienene Projekt ist Dvořáks vollständigem Zypressen-Zyklus gewidmet, 2015 gefolgt von seinen Streichquartetten op. 51 und op. 106 bei SWRmusic/Naxos. Diese Aufnahme wurde mit dem ‚Choice of the Harmonie Magazine‘ und ‚Editor’s Choice‘ des Magazins Gramophone ausgezeichnet.

Die Mitglieder des Quartetts legen großen Wert auf eine inspirierende und auch herausfordernde Auswahl des Konzertrepertoires. In den Jahren 2012 und 2015 spielte das Ensemble an einem einzigen Abend die kompletten sechs Streichquartette Bartóks beim Festival Maggio Musicale Fiorentino und im schwedischen Upsala. 2014 präsentierten die vier die Lieder der Einwanderer von Slavomír Hořínka im Konzerthaus Berlin. Im April 2019 erschien bei Supraphon, dem wichtigsten tschechischen Label, eine neue CD mit Musik der jüdischen Komponisten H. Krása, V. Ullmann, E. Schulhoff und P. Haas, die alle dem Nazi-Terror zum Opfer fielen. Anfang 2019 trat das Bennewitz Quartett mit einer Auswahl dieser Werke bei der offiziellen Gedenkstunde an die Opfer des Holocaust im Deutschen Bundestag Berlin auf.

Seit 1998 trägt das Bennewitz Quartett den Namen des Geigers und Direktors des Prager Musikkonservatoriums Antonín Bennewitz (1833-1926), der maßgeblich zur Gründung der tschechischen Violinschule beigetragen hat. Zu den bedeutendsten Musikern, die zu seinen Jüngern gerechnet werden, zählen vor allem Karel Hoffman, Josef Suk und Oskar Nedbal, die unter Bennewitz‘ Einfluss das berühmte Böhmische Quartett bildeten.

Das Programm  (gekürzt)

Joseph Haydn (1732-1809)
 Streichquartett G-Dur op. 17/5

 

Leoš Janáček (1854-1928)
Streichquartett Nr 1.
nach Leo Tolstois Novelle Die Kreutzersonate (1923)

1. Adagio – Con moto
2. Con moto
3. Con moto – Vivace – Andante
4. Con moto – Adagio – Più mosso

– kurze Lüftungspause –

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Streichquartett a-moll op. 132 (1825)

1. Assai sostenuto – Allegro
2. Allegro ma non tanto
3. Canzona di ringraziamento. Molto adagio (Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit in der lydischen Tonart)
4. Alla marcia, assai vivace
5. Allegro appassionato

Das Ensemble bedankte sich beim begeisterten Publikum mit dem 4. Satz „Alla Tango milonga“ aus Fünf Stücke für Streichquartett von Erwin Schulhoff (1899-1944)

1803 komponierte Ludwig van Beethoven seine berühmte „Kreutzersonate“ für Violine und Klavier. 1887-1889 schrieb der russische Dichter Leo Tolstoi eine Erzählung, in der jene Sonate eine Schlüsselrolle spielt. Er gab ihr den Titel „Die Kreutzersonate“. Unter dem Eindruck dieser Erzählung entwarf der tschechische Komponist Leoš Janáček seine Komposition  und gab dem Werk denselben Titel, obwohl es sich nicht um eine Sonate handelt, sondern um ein Streichquartett, das in seiner Dramatik an eine Oper erinnert. Seine Musik, „die alle Stadien der Emotionen von der rastlosen Suche über den Schmerzensschrei bis zur tödlichen Verzweiflung im Finale durchläuft“ (Max Brod), ist ein leidenschaftliches Plädoyer für eine unterdrückte Frau, die aus einer unglücklichen Ehe ausbrechen möchte, aber letztlich an den starren gesellschaftlichen Normen scheitert.

 

Bis heute sind die späten Streichquartette von Ludwig van Beethoven eine Herausforderung für Interpreten wie Publikum. Das a-Moll-Quartett op. 132, komponiert 1825, stellt die irritierenden Elemente im Spätstil Beethovens zurück gegenüber einer unmittelbar eingängigen Dramatik der Themen und des Formverlaufs. Eher unterschwellig kommen abstrakte Momente zum Tragen, so etwa in dem Viertonmotiv, das die langsame Einleitung in einem geheimnisvollen Kanon vorstellt und das dann auch dem Hauptthema des Allegros zugrunde liegt. Es handelt sich um eine Art Motto der späten Quartette Beethovens, das bis hin zur Großen Fuge op. 133 in immer neuer Gestalt wiederkehrt.

Der zweite Satz ist voll der satztechnischen Scherze, die auch andere Binnensätze der späten Quartette durchziehen.  Höhepunkt des Quartetts ist der langsame Satz, die berühmte „Heilige Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der lydischen Tonart“. Es handelt sich um einen Choral, der dank des lydischen Kirchentons und seiner altertümlichen Satztechnik an die Kirchenmotette der Palestrina-Zeit gemahnt. Zwei „moderne“ Episoden unterbrechen den Dankgesang; „neue Kraft fühlend“, sind sie von Tanzrhythmen und den typischen Motiven des späten Beethoven geprägt.

Auf den vierten Satz, einen ironischen Marsch in A-Dur,  folgt das Appassionato-Finale in a-moll, das auf die drängend-bewegten Finalsätze der Romantiker in dieser Tonart voraus weist. Das Tor nicht nur zur Romantik, sondern sogar zur Moderne hat Beethoven hier – wie so oft in den späten Quartetten – weit aufgestoßen.

Das Notos Quartett gilt als eine „der herausragenden Kammermusikformationen der Gegenwart“ (FONO FORUM 09/2017). Publikum wie Kritiker bewundern neben der „virtuosen Brillanz und technischen Perfektion“ des Ensembles besonders den „Sinn für die Balance und das Zusammenspiel, welcher jedes Detail der Komposition hörbar macht“, wobei es „die Zuhörer mit den innig gespielten Tönen direkt ins Herz trifft“.

Seit seiner Gründung im Jahr 2007 wurde das Notos Quartett bereits mit sechs 1. Preisen sowie zahlreichen Sonderpreisen bei internationalen Wettbewerben in Holland, Italien, England und China ausgezeichnet. 2017 wurde ihm darüber hinaus der zu diesem Zeitpunkt renommierte deutsche Musikpreis ECHO Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres verliehen, eine Auszeichnung, die nur in den seltensten Fällen an ein Ensemble vergeben wurde.

Als Reaktion auf die ECHO Pop-Verleihung im April 2018, in der ein Album mit antisemitischem und menschenverachtendem Gedankengut mit einem Preis ausgezeichnet wurde, gaben die Musiker des Notos Quartetts als erste Künstler ihren ECHO wieder zurück. Sie lösten damit eine Protestbewegung aus, der sich viele namhafte Künstler wie Igor Levit, Daniel Barenboim und Marius Müller-Westernhagen mit der Rückgabe ihrer Preise anschlossen. Infolgedessen entschied sich der Bundesverband Musikindustrie, die Marke ECHO komplett abzuschaffen.

Das Bestreben der Musiker, neben den bekannten Meisterwerken auch verschollene und vergessene Werke der Gattung Klavierquartett aufzuspüren und einem breiten Publikum zu präsentieren, spiegelt auch ihre Debüt-CD „Hungarian Treasures“ wider, die im Februar 2017 bei Sony Classical/RCA erschienen ist. Diese beinhaltet unter anderem die Weltersteinspielung des Klavierquartetts von Béla Bartók, für dessen Wiederentdeckung das Ensemble weltweit große Aufmerksamkeit und Anerkennung erlangte.

Das große Interesse am Notos Quartett und seinen außergewöhnlichen Programmen dokumentieren auch zahlreiche Konzertmitschnitte, Interviews und Portraits in Rundfunk- und Fernsehanstalten im In- und Ausland, wie dem ARD, ZDF, Deutschlandfunk, BR, SWR, WDR, MDR, NDR, RBB, SR, HR sowie dem BBC, France Musique, Radio4 Holland, ORF Österreich, P2 Schweden, IPR USA und verschiedenen Sendern in Japan und Vietnam.

Neben Auftritten in renommierten europäischen Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Konzerthaus Berlin, dem Konzerthaus Wien, der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, der Tonhalle Zürich, dem BOZAR Brüssel, dem Teatro la Fenice Venedig und bei den großen Festivals im Rheingau, in Schwetzingen, Würzburg, Mecklenburg-Vorpommern, Usedom und Radio France, bereist das Quartett regelmäßig auch ferne Länder wie Russland, China, Japan und den südostasiatischen Raum.

Neben seiner Konzerttätigkeit setzt es sich auch für die Förderung junger Musiker ein und sieht darin einen weiteren wichtigen Aspekt seiner Arbeit. So unterrichtete das Ensemble bereits am Royal Northern College of Music in Manchester, leitete den Meisterkurs „Saigon Chamber Music“ in Vietnam und veranstaltet seit Herbst 2015 die von ihm gegründete und jährlich stattfindende „Notos Chamber Music Academy“, die seit dieser Saison in Zusammenarbeit mit der Jeunesses Musicales Deutschland in Weikersheim ausgetragen wird.

Zu den Wegbegleitern, Lehrern und Förderern des Quartetts zählen u.a. das Alban Berg Quartett, das Mandelring Quartett, Uwe-Martin Haiberg, Clemens Hagen, Menahem Pressler und András Schiff. Ermöglicht durch den „Merito String Instruments Trust“ spielt das Notos Quartett auf wertvollen alten italienischen Streichinstrumenten und als Pirastro-Artist ausschließlich auf Saiten der renommierten Saitenmanufaktur „Pirastro GmbH“.

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Klavierquartettsatz (1877/78) in a-moll

Nicht zu schnell – Mit Leidenschaft – Entschlossen

Johannes Brahms (1833 -1897)

Klavierquartett Nr. 2 A-Dur, op. 26 (1861)

Allegro non troppo – Poco Adagio

 Scherzo.Poco Allegro – Finale. Allegro

 

Das Ensemble bedankte sich beim begeisterten Publikum mit

Edward Elgars Opus 12 „Liebesgruß“

Das eigentlich noch vorgesehene Stück von Walton musste unter Corona-Bedingungen leider entfallen:

William Walton (1902-1983)

Klavierquartett (1924/1976)

Gustav Mahler schrieb den Quartettsatz a-moll mit sechzehn Jahren. Dass der Sinfoniker Mahler überhaupt Kammermusik geschrieben hat, war schon zu seinen Lebzeiten kaum bekannt. Das lag an seinem leichtsinnigen Umgang mit den Jugendwerken, die bereits 1896 weitgehend verloren gegangen waren. Darunter befanden sich mehrere preisgekrönte Stücke, z.B. eine Violinsonate und zwei Klavierquintette.

“Das beste davon war ein Klavierquartett”, berichtete Mahler selbst, “welches am Schluss der vierjährigen Konservatoriumszeit entstand und das großes Gefallen erregte”. Dabei handelte es sich um ein vollständiges viersätziges Klavierquartett, das ebenfalls verloren ging. Einzig erhalten ist ein einzelner Allegrosatz aus einem Klavierquartett in a-moll. Er ist ein einzigartiges Dokument für Mahlers kammermusikalischen Stil und seine frühe Begabung: “So negiert der in düsterem a-Moll versinkende Schluss des Sonatensatzes jede Konvention von Äußerlichkeit, die bei einem Sechzehnjährigen wohl zu erwarten gewesen wäre. Überhaupt darf diese Tonart, die im Werk Mahlers (und auch in einer der Jugend-Symphonien) eine bedeutsame Rolle spielte, durchaus als unbewusstes Antizipando des Kommenden gewertet werden. Besonders bewegend ist das verhalten-sordinierte Intermezzo vor Eintritt der Reprise, wie auch die ganz und gar ungewöhnliche, höchst exzessive Violinkadenz unmittelbar vor der Koda. Die thematische Erfindung gewinnt durchaus eigenpersönliches Profil; Form und Gestus weisen erkennbar auf die Wurzeln des damaligen musikalischen Bewusstseins Mahlers: auf Brahms, Schumann und Schubert.” (Peter Ruzicka)

1855, im Alter von 22 Jahren, begann Johannes Brahms mit der Komposition seiner drei Klavierquartette. Die ersten beiden in g-moll und A-Dur vollendete er 1861, das dritte ‒ ursprünglich in cis-moll geschrieben ‒ veröffentlichte er erst 1875 in der revidierten c-moll-Fassung.

Die Durchführungstechnik des ersten Satzes  des A-Dur Quartetts ist weniger von Melodik und Harmonik, sondern stark von Rhythmus geprägt. Das Klavierthema des Anfangs besteht aus Achteltriolen und Dreiergruppen von einfachen Achteln, und dieser Gegensatz bestimmt den gesamten Satz. Die gesanglichen Themen erinnern an Schumann, unter dessen starkem Einfluss Brahms damals stand. ‒ Das Poco Adagio hat durch seine düsteren Klavier-Arpeggien und das schmerzliche Zwischenthema oft zur biographischen Interpretation herausgefordert ‒ ähnlich wie beim dritten Klavierquartett, das später als „Werther-Quartett“ bezeichnet wurde und seine unerfüllte Liebe zu Clara Schumann widerspiegelt.

Das Scherzo könnte man wörtlich verstehen: als Scherz, denn es ist eine Zitatensammlung. Sein Thema stammt aus Bachs vierter Cembalo-Partita, ein Überleitungsmotiv aus Schuberts B-Dur-Klaviertrio, das zweite Thema aus Schumanns A-Dur-Streichquartett. Auf dieses heitere, kontrapunktisch meisterhafte Spiel mit Versatzstücken folgt ein wildes Trio. Das Finale ist, wie der entsprechende Satz des ersten Klavierquartetts, im ungarischen Stil gehalten.